1.欧洲的文化经历了哪几个时期？
欧洲文化经历了五个时期，分别是：古典时期、中世纪时期、文艺复兴时期、新古典主义时期以及浪漫主义时期。
古典时期作为欧洲历史上的文化断代，区别于历史学意义上的古典时代，前者包含了以地中海为中心的古希腊罗马的长期文化史，大致的时间区间为公元前13世纪至公元5世纪末期，而后者则是以古希腊城邦的兴起和衰落为起止点，时间区间为公元前5世纪至公元4世纪中期。古典时期的希罗世界，人们不受基督教、犹太教的束缚，更不用说自15世纪中期才进入欧洲的伊斯兰教。他们的信仰十分多元化；如在希腊地区，既有奥林匹斯山众神，也有各个城市自己的神，并不受限于任何统一理念。因而，古典时期的文化拥有鲜明的个性和强盛的生命力。而今，不管是流传下来的神话故事，还是大量神庙与城邦遗址，都是饱历风云变幻的古典时期文化经久不衰的最佳诠释。
中世纪时期的欧洲，主要浸染于罗马天主教的教会文化下。在本书第三章历史篇中提到“中世纪”的概念时，对于“中世纪”的结束年代有三种不同的说法：一个是1453年东罗马帝国灭亡，一个是1640年的资产阶级革命，还有一个是文艺复兴的兴起。笔者认为，既然本节中的中世纪时期是文化意义上的断代，再加上欧洲第三个文化时期是“文艺复兴时期”，那么，此处应当用第三个结束为时间点，即结束于文艺复兴时期。此时，天主教在欧洲人的文化信仰中居于绝对的统治地位，欧洲教权极盛、教堂林立，僧侣更是不计其数。天主教宣扬人的原罪，主张人们应当禁欲持身以消除原罪，使人性受到极大的压抑，因而，这一时期也是对古典时期的反动。此时的文化上几乎可以用“一潭死水”来形容。如果非要给这个时期的文化找到一位代表人物，那么，就只能是但丁——他和他的《神曲》，担纲了冲破中世纪的文化禁锢，并带给新时期欧洲文化第一缕阳光。
欧洲文化的第三个时期是文艺复兴时期。历史总是带着鲜明的讽刺意味，让两个极端相反的时代置于一起，使黑暗的更加黑暗，使向往光明的得到更多光明。如果说中世纪是对古典时期的反动，那么，文艺复兴所“复兴”的，便是古典时期的文化。文艺复兴以“人文主义”为核心思潮，强调以人为本，反对经院哲学。以文艺复兴“前后三杰”为代表的大量艺术家，创作了无数的文化遗产，至今仍闪耀在世界文化走廊里，熠熠生辉。这一时期，欧洲的文化得到全面复苏，从“万马齐喑”走向了“百家争鸣”。
文艺复兴之后，欧洲的文化进入新古典主义时期。新古典主义时期的特点是抵制文艺复兴，文艺复兴时期的主流思潮是“人文主义”，以感性成分居多，而新古典主义时期的思潮则是理性主义和经验主义。理性主义的矛头直指封建制度和教会权威，以荷兰哲学家斯宾诺莎为代表；经验主义崇尚人的感性经验，锋芒所向是“君权神授”说。但有一点值得说明，新古典主义时期文化虽然有挑战文艺复兴时期文化的意味，但不得不说，任何一种文化都不会完全自断裂处毫无根据地冒出来，因而，古典主义文化在一定程度上是对文艺复兴文化的批判继承。
欧洲文化进入第五个时期，便是浪漫主义时期了。这一时期文化的鲜明特征是：崇尚感情、回归自然、自我解放、自由平等。欧洲浪漫主义文化时期的代表人物有：法国思想家卢梭、德国思想家和哲学家康德、英国诗人拜伦、德国诗人席勒、法国作家雨果、法国作家“大小仲马”、法国印象派画家凡·高等。
2.意大利为何被称为“歌剧的故乡”？
歌剧是一门将音乐（包括声乐和器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学、舞蹈、美术等合而为一的综合性舞台表演艺术，通常由序曲、咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、间奏曲、舞蹈场面，再辅之以念白和朗诵组成。
歌剧以精美的舞台艺术、生动的故事情节、丰富的音乐层次获得了欧洲人的广泛喜爱，无论是在巴黎，还是在莫斯科，在欧洲随处都可欣赏到精湛绝伦的歌剧表演。不管是严谨的德国人，还是浪漫的法国人，都十分钟爱这一门表演艺术。
既然歌剧几乎受到所有欧洲人的喜爱，那么，为什么意大利被称为“歌剧的故乡”呢？
这是因为，最早的歌剧产生于意大利的佛罗伦萨。目前，为音乐史学家所公认的歌剧诞生的标志就是《优丽狄茜》，它诞生于1600年，是为了庆贺法王亨利四世与玛丽亚·梅迪奇的婚礼而在佛罗伦萨皮蒂宫演出的曲目，获得了非同凡响的欢迎。《优丽狄茜》由利努契尼叙事、佩里作曲。之所以将其作为歌剧诞生的标志，是因为它已初具歌剧的几大要素：宣叙调、歌曲、合唱、舞蹈、管弦乐队和终曲。事实上，早在1597年，利努契尼和佩里便已合作完成了《达芙尼》，但很可惜，它的曲谱并没有流传下来。
学者在研究歌剧起源时，认为有如下几个因素对歌剧的诞生起了重要的作用：古希腊时期的悲剧、中世纪的一些音乐形式、文艺复兴时期的牧歌剧、15世纪末的幕间剧、意大利佛罗伦萨城里的名流派对。
可能我们又要问了，欧洲那么多国家，为什么偏巧是意大利、偏巧是佛罗伦萨最先产生歌剧？难道真的只是因为《优丽狄茜》的作者是意大利人吗？难道只有佛罗伦萨有名流派对吗？
也许，不只是巧合那么简单。作为文艺复兴的发祥地，整个佛罗伦萨都笼罩着艺术创造的光芒，诗人、画家、雕塑家层出不穷，音乐家自然也拥有非凡的创造力；再加上梅迪奇家族喜爱音乐，不遗余力地支持音乐家们的创作；所以，佛罗伦萨产生第一个歌剧就不足为奇了，意大利，自然也就成为当之无愧的“歌剧的故乡”。
3.莎士比亚的四大悲剧分别是什么？
莎士比亚的四大悲剧分别是《哈姆雷特》《奥赛罗》《李尔王》和《麦克白》，这4个故事的题材均来源于欧洲的历史传说。
《哈姆雷特》，又名《王子复仇记》。戏剧中，丹麦王子哈姆雷特的叔叔克劳迪斯谋害了哈姆雷特的父亲，篡取了王位，并娶了国王的遗孀葛簇特；王子哈姆雷特因此为父王向叔叔报复，复仇的故事中交织着爱恨情愁。剧中第三幕第一场，哈姆雷特的独白“To be,or not to be;that,s a question”（生存还是毁灭，这是个问题），成为戏剧史上最经典的台词之一。
《奥赛罗》讲的是威尼斯公国将士奥赛罗与元老之女苔丝狄梦娜相爱，却因为年龄差距未获准结婚的故事。他们俩私订终身，可奥赛罗听信谗言，以为妻子与别人有染，盛怒之下掐死妻子；后来，在得知妻子清白的真相后，自刎于妻子身旁。这是一出主题丰富的悲剧，关于爱情、嫉妒、信约、背叛等，也许，看过了这个故事，我们能更好地理解鲁迅先生说的那句话：悲剧就是把最美的东西毁灭给你看。
《李尔王》讲的是李尔王与自己的女儿迟到的和解。年迈的李尔王退位前，要为自己的三个女儿分封，依据是三个女儿对他的爱戴程度。最爱他的三女儿反因为表达爱戴太过朴素而被驱逐；退位失势的李尔王在被大女儿和二女儿赶出家门之后，遇到了依然爱着自己的三女儿，三女儿辅助父亲时兵败死去，李尔王悲伤致死。
与前三部一样，《麦克白》里的主人公也叫麦克白。麦克白是苏格兰国王邓肯的表弟，立下战功凯旋时路遇女巫。女巫说他将进爵为王，他日却无子嗣可袭。颇有野心的麦克白于是谋杀邓肯，登上王位。为了进一步保住王位，他一个接一个地杀人，最终落得个众叛亲离、身首异处的下场。
这四部剧的故事各异，读来却都一样震撼。无论是从语言的驾驭，还是对人性的挖掘上，再或者是对我们感情的驱遣上，都达到了非常高的境界。
4.《人间喜剧》为何被誉为“资本主义社会的百科全书”？
《人间喜剧》是法国文学巨匠、19世纪伟大的批判现实主义作家巴尔扎克（1799—1850年）花费毕生心血写就的91部（或说包含96部，有5部未完成）短、中、长篇小说的总称。但事实上，按照巴尔扎克1841年对于《人间喜剧》的构想，这部恢宏的巨著应该包括137部小说，只是尚未写完便因病去世。其时，巴尔扎克年仅50岁。
尽管如此，《人间喜剧》依旧是一幅不折不扣的法国社会生活画卷。在91部作品里，巴尔扎克以他的笔、他广袤的视野以及对人性的深刻洞察，塑造了2000多个人物形象，从王公贵族到市井细民，从手工业者到金融大亨，从太太小姐到交际名媛，几乎涵盖了其时法国各个阶层、各个群体的各种生活方式。在巴尔扎克笔下，一应的爱恨情仇、美丑妍媸，丝毫没有遁逃的余地。
《人间喜剧》从纵向上记录了贵族阶层没落与资产阶级崛起的轨迹，巴尔扎克不遗余力地抨击新兴资产阶级的自私与罪恶，以为他钟情所系的旧贵族唱了一曲最后的挽歌；从横向上，我们能够看到处于社会变革时期的法国政治、经济、思想与道德的全貌。
1841年，巴尔扎克有了《人间喜剧》的想法后，于翌年撰写《人间喜剧导言》阐明宗旨。至1845年，巴尔扎克在坚持不懈创作的同时，已经编好了《人间喜剧总目》；整部作品由风俗研究、哲理研究和分析研究三个部分构成，在风俗研究下包括了六大类生活场景，即私人生活场景、外省生活场景、巴黎生活场景、政治生活场景、军队生活场景、乡村生活场景。这其中亦将巴尔扎克早年写好的作品收编进去。自此，巴尔扎克便开始不遗余力地进行创作。《人间喜剧》中最为大家熟悉的要数《欧也尼与葛朗台》和《高老头》了。前者影响所及，甚至如今葛朗台已经成为“守财奴”的代名词。
当然，不得不提的是，这位著作等身的伟大作家，对于写作这件事的勤奋几乎无人可望其项背。究其原因，他对于文学的热爱固然是一个方面，但最直接的原因是生活中的极其奢靡导致他债台高筑，为了还债，不得不笔耕不辍。所以，对于后世的读者来说，或许还应当感谢那个生活中花钱大手大脚的巴尔扎克，否则，那个作为文学家的巴尔扎克为我们留下的精神财富，恐怕会大大减少。
5.什么是“反乌托邦三部曲”？
所谓的“反乌托邦”，即反对“理想”社会，当然，这里的理想是加了引号的——作为一种文学体裁，反乌托邦主义的作品通常是通过刻画一个物质凌驾于精神之上、人的思考力和创造力为机械完全取代、民主遭到完全破坏、人性遭到彻底压抑的社会，以唤醒人们对于自由、民主的追求。
“反乌托邦三部曲”分别是苏联作家叶夫根尼·伊万诺维奇·扎米亚京（1884—1937年）的《我们》、英国作家阿道司·赫胥黎（1894—1963年）的《美丽新世界》以及乔治·奥威尔（1903—1950年）的《1984》。
《我们》是扎米亚京于1920年完成的，描述了一个由大恩主领导的“大一统”王国。在这个王国里，人们高度一律，没有名字，而代之以一个号码；没有隐私，连卧室都是四下透明的；没有爱情，需要性生活的时候，需要打一个报告申请。在整个王国里有一个严格的时间表，吃饭、睡觉都按这个表进行。
号码为“D-503”的“我”，是所有号码里稍微具有一点叛逆的号码，因为“我”会偷偷地看禁书。而这些禁书为“我”打开了一个全新的世界。读到这里，对于《我们》的读者来说，不难想象那是怎样一个全新的世界，因为这个世界便遵循着我们现在的秩序：可以自由恋爱，并无须遵守时间表。可是最终，“我”因为体内的欲望复苏而被大一统王国处死；临死前，“我”终于意识到自己的错误。
扎米亚京给了《我们》一个力道十足的反讽结尾：“40号横街上已经筑起了一堵临时高压大墙。我希望胜利会属于我们。我不只是希望，我确信，胜利属于我们。因为理性必胜。”
当《我们》创作完成之时，在苏联却无法出版，直至1924年以英文在国外出版，这直接导致扎米亚京离开作协，流亡至法国，最终客死巴黎。在“反乌托邦三部曲”中，《我们》因为苏联当局的压制而名气最小，但却是后来两部作品的直接灵感来源。
赫胥黎的《美丽新世界》描写的是以“福帝”纪元的世界。美国汽车大亨亨利·福特因为发明了汽车生产流水线而最终强大，直至统治了世界。其时的社会，分为五个阶层，分别是：“阿尔法(α)”“贝塔(β)”“伽玛(γ)”“德尔塔(δ)”“厄普西隆(ε)”；人经基因控制孵化而出，属于哪个阶层早就已经写在基因上，并且从生到死都受着严格的控制。这个世界里的人们，同样有着别样的幸福观：超强的劳动负荷是幸福，恶劣的生存环境是幸福，他们不知痛苦为何物，不知爱为何物。因而，人们是快乐的，着实是个“美丽的新世界”。《美丽新世界》的矛头直指科学主义的乌托邦。
奥威尔的《1984》刻画了一个极权主义社会。故事的背景是这样的：1984年的世界，处于大洋国、欧亚国和东亚国分而治之的状态，这三个大国相互之间屡屡攻城略地。三个国家内部也实行高度集中的极权主义统治。在整个故事中，大洋国“真理部”的温斯顿·史密斯因为怀疑自己所在的社会、并与裘利亚相爱而沦为思想犯，最终为“友爱部”进行改造而重归“纯洁”。故事的结局有点像《我们》，同样带着“谢主隆恩”的调调，其实都是对“理想社会”的莫大反讽。
6.苏格拉底、柏拉图和亚里士多德是什么关系？
苏格拉底（公元前469至公元前399年）、柏拉图（约公元前427至公元前347年）和亚里士多德（公元前384至公元前322年）均是古希腊著名思想家、哲学家，合称“古希腊三贤”。苏格拉底是柏拉图的老师，柏拉图是亚里士多德的老师。
苏格拉底是西方哲学的奠基者，他对哲学有一个经典的定义，即“爱智慧”，因而，哲学家应当是“爱智慧”之人，而非“拥有智慧”之人。苏格拉底有雄辩之才，他经常在与人辩论的过程中，纠正对方错误的思想，并灌输以正确的思想。
作为古希腊雅典城邦的一位公民，终其一生，苏格拉底对雅典及在这里生活的人们都抱有极大的爱。他关心国家和人的命运，将人作为“社会的人”加以研究，而非等同于树木的“自然的人”。他试图为人的以下品质找到定义：正义、不义、勇敢、懦弱、诚实、虚伪、智慧、平庸等；他更试图回答治理国家须具备的品质，以及如何培养这些品质。在苏格拉底之前，古希腊哲学始终致力于研究宇宙的本源，而自他开始，“伦理”意义上的人才开始正式进入哲学命题。所以，苏格拉底的哲学也被后世冠以“伦理哲学”之名，苏格拉底亦被视为西方哲学的分水岭。
但似乎大多数在后世看来对人类拥有变革之功的人，在当世，却往往遭受到最大程度的非议。苏格拉底在拥有狂热的崇拜者的同时，也拥有庞大的反对群体，并且，最终是这些反对者将苏格拉底推向死亡。公元前399年，苏格拉底被雅典法庭判处死刑，罪名是引进新神、腐蚀青年思想等。欲加之罪，何患无辞，如果苏格拉底真的在古希腊的信仰体系之外，引进了新的神，那么，这个神的名字便叫作“爱”和“智慧”；如果说他真的腐蚀了青年们的思想，他只是用如何去辨别善恶是非、如何成为治国之才的教育去“腐蚀”他们。他拒绝了学生和拥戴者的营救，饮下毒酒而死，享年70岁。
苏格拉底一生并未留下著述，他的言行多见于学生的记载，这并不妨碍他留下许多闪烁着智慧光芒的名言。连“暗恋是世界上最美丽的爱情”如此一句浪漫无比的话，都是出自苏格拉底之口。
苏格拉底死后，柏拉图继其衣钵，承担起了对古希腊新哲学更进一步的探索责任。但在这之前，他经历了一段沉潜期。许是因为老师的死而对当局失望，许是为了远走忘记失去老师的痛苦，他选择离开雅典，去往亚平宁半岛、西西里岛、埃及等地游学，年届40才返回雅典，并创办了阿卡德摩斯(Academus，又译作阿卡德米)学院，即柏拉图学院，授数学、哲学、天文、音乐4科。据说，在柏拉图学院的门口，挂着一块牌子，上书：“不懂几何学者免进”。
提到柏拉图之名，我们怎么能忘记被我们称为精神恋爱的“柏拉图式爱情”？柏拉图认为，当灵魂摒弃肉体的罪恶时，人的心灵就会达到宁静，人的思想也会得到升华，在爱情中也一样。因而，在柏拉图的爱情观念里，精神层面的相交相合是纯洁的，拥有人性之美；而肉体之间的短暂交欢则是动物的本能。所以，后来的人们便将不以肉欲为目的的爱情称作“柏拉图式爱情”。
柏拉图一生潜心钻研哲学，著作等身。这些著作大都以对话体呈现，故被称为“对话录”，且其中又有很多是以苏格拉底的名义进行的，从而成为研究苏格拉底的重要资料。当然，这也给后世的研究者带来了很多的困惑，如究竟哪些思想是苏格拉底的，哪些思想是柏拉图借苏格拉底之口表达的自己的观点。较为人熟知的有《苏格拉底的申辩》《智士篇》《政治家篇》《智者篇》《法律篇》《理想国》《苏格拉底之死》等，其中，《理想国》全面涉及柏拉图所有的思想体系，基本上可以认为是其代表作品。柏拉图的作品，往往以有趣的场景、生动的对话、鲜明的性格以及富于智慧的哲思著称，同时兼具哲学经典与文学作品的两重意义与价值。另外还有一些伪托柏拉图之名流传下来的著作，其实并非真是柏拉图的著作，但均有着极高的价值，如《米诺斯》《欧律克西亚斯》《泰戈斯》《克里托芬》《爱人》等。
在柏拉图创办的学校里，培养出了许多人才，其中之一便是亚里士多德。希腊新哲学之河源自苏格拉底，流经柏拉图，至亚里士多德时已集大成于其身。
亚里士多德于17岁时由故乡——希腊殖民地色雷斯的斯塔基拉来到雅典，就读于柏拉图创建的学院，经受柏拉图长达20年的教育，直到柏拉图逝世才离开雅典，开始了游历生涯。
后来，他受马其顿国王之邀，担任年幼的亚历山大的老师；直至腓力二世去世后，亚里士多德才又回到雅典，并创办了自己的学校：吕克昂学院。而那位曾经受教于亚里士多德的马其顿王子亚历山大，在成长为骁勇善战的国王后，迅速将马其顿王国发展成横跨亚、非、欧三大洲的亚历山大帝国。
亚里士多德是一位“百科全书”式的人，虽然后世对他的基本定义是哲学家、科学家、思想家以及教育家，但其作品广泛涉及政治学、经济学、自然科学、神学、教育学、伦理学、心理学、美学、文学以及法学，早已经不囿于任何一门具体的学科。如逻辑学著作《工具论》、自然哲学著作《物理学》《气象学》等、美学著作《亚历山大修辞学》等。他也是一位笔耕不辍之人。
由上可知，亚里士多德不仅是古希腊哲学的集大成者，更是古希腊文化的集大成者。在亚里士多德的众多名言之中，有一句能够给后世之人带来巨大正能量的格言：“优秀是一种习惯。”
苏格拉底和柏拉图，柏拉图和亚里士多德，这每一对里的后者，既与前者是师承关系，又对前者的思想进行了突破式的发展。
7.欧洲的建筑风格经历了怎样的变迁？
欧洲的建筑风格多样，名目繁多，置身其中，总给人以“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”的迷惑感。事实上，欧洲建筑的风格变迁是有着清晰的脉络可循的。
古典时期的建筑风格
古希腊的建筑既有神庙，又有民居，特点是以石材为主要建筑材料，整体风格十分简洁，并力求与自然和谐相融。古希腊人将坚固石头所能调度出的艺术性发挥到了极致，代表性建筑是古希腊神庙。到了古罗马时期，人们在建筑中广泛地以混凝土代替了石头，建筑物尤其是细节处的可塑性大大增加，也因此为人们对艺术性的追求提供了可能，如拱的广泛应用。因为古罗马比之古希腊更尚武，这一特点也在古罗马时期的建筑艺术里表露无疑，如凯旋门、竞技场等，都已经完全突破古希腊时的简单风格，走向了富丽堂皇。
中世纪“二元对立”时期
中世纪是欧洲的“黑暗”时期，同时，我们称其为分裂时期也无妨：在政治上，罗马帝国分裂为东罗马帝国和西罗马帝国；宗教上，东正教自天主教分立而出。此时欧洲的建筑风格，既有其统一的特征，也因为“分裂”而存在东西差异。统一的特征是，基督教堂与修道院等宗教建筑林立；不同之处在于，处于天主教统治下的欧洲西部主流的建筑风格是哥特式，而处于东正教统治下的东罗马帝国，则流行拜占庭式。
哥特式建筑起源于12世纪的法国，给人以直冲云霄的尖锐感，建筑整体由下而上愈来愈细、愈来愈尖，营造出一种欲向上飞的动势，带给人强烈的视觉震撼。哥特式代表了中世纪欧洲建筑的最高美学风格。巴黎圣母院是哥特式教堂的代表作之一。
拜占庭式建筑与哥特式的削瘦尖耸相反，以圆顶为主要特征，即所谓的“穹窿顶”，且其建筑物主体十分突出，周围即使配有辅助建筑，也丝毫不会抢去主体建筑的风头。在内部装饰上，凡能够贴以大理石的，均用大理石装饰；无法用大理石的，以粉画或马赛克代替。拜占庭建筑的代表作之一是由东罗马帝国皇帝查士丁尼一世下令修造于君士坦丁堡（今土耳其伊斯坦布尔）的圣索菲亚大教堂。
哥特式建筑与拜占庭式建筑交相辉映，共同构筑了欧洲中世纪的建筑美学。
文艺复兴“古典主义”时期
前面在介绍文艺复兴时期的文化分期时提到，文艺复兴时期的思潮是复兴古典时期（即古希腊罗马时期）的思潮，在建筑风格上亦是如此。因而，此时的西方建筑从中世纪的宗教世界，拉回了人的世界，此时的建筑风格是古典主义的。
古典主义建筑风格建立在古典主义美学的基础之上，主张艺术也要遵循数学式的明确规则和公式。甚至有人还奉行，通过测绘希腊罗马建筑遗迹而得出的建筑法式，是最完美的建筑范式。在这种情况下，古典主义建筑以法国为中心诞生。
古典主义建筑讲求以轴线为中心的对称之美，强调主从关系明确的比例控制。古典主义建筑中最常见的元素之一——柱式设计，其灵感便是来源于古希腊神庙里的石柱。代表作是卢浮宫的东立面以及凡尔赛宫。
风格多元化时期
文艺复兴之后直至19世纪后半期，欧洲基本上没有任何一种建筑风格能够长期独领风骚。一种建筑风格刚刚兴起，很快就被另一种建筑风格抢了风头。在此期间，出现的建筑风格有巴洛克式、洛可可式、新古典主义风格、浪漫主义和折中主义等。
其中，巴洛克建筑兴起于17世纪的意大利，是对古典主义建筑对称美学的解构，这一点从其名称上便可猜出一二。巴洛克之名源于西班牙语中的“barroco”，意为“变形的珍珠”。当然，“变形的珍珠”除了强调形状的不规则以外，还强调流于华俗的装饰，且一味追求奇异的审美。巴洛克建筑的代表作是意大利的圣卡罗教堂。
洛可可式建筑在18世纪20年代产生于法国，是在巴洛克建筑风格的基础上发展而来的建筑风格。准确地说，洛可可式对于巴洛克式的主要发展是在室内的装饰与设计上；设计师们穷尽智慧，思考如何以更加繁复、华丽的风格对建筑物的内部进行装潢。洛可可风格比之巴洛克风格，在内部装饰上更趋纤巧与明艳，喜用浅艳的色调。代表作是凡尔赛宫的镜厅。
新古典主义风格，顾名思义，与古典主义有着某种关系。事实上，新古典主义风格在保留了古典主义在材质、用色等方面的风格的同时，通过简化建筑物线条，使得其保有深厚文化底蕴的同时，去除钝重感，从而透出一种简单、轻快的感觉。代表作之一是位于柏林的勃兰登堡门。
浪漫主义建筑兴起于18世纪，主要流行于英国和德国。浪漫主义建筑风格在发展过程中经历了两个阶段。前期有着较浓的异域风格，它既可以是一筑仿东方风格的小品，也可以是一座仿中世纪风格的堡邸，尚未形成一种建筑风尚；浪漫主义发展到后来，在风格上明显呈现出对哥特式建筑的复兴，代表作是英国国会大厦。
折中主义建筑，从其命名上，我们大致能够判断出，其风格是在糅合了多种建筑风格的基础上形成的。事实上，折中主义没有固定的风格特点，基本上是在不影响建筑整体美感的基础上，模仿任何一个或多个建筑风格而建成。折中主义于19世纪前期至20世纪初流行，在法国尤其典型，巴黎歌剧院便是其代表。
现代主义建筑风格时期
到了20世纪中期，欧洲的建筑风格从以审美为导向，转向功能主义，现代主义建筑兴起。处于工业化社会里的人们，不会再耗去几十年甚至几百年时间去建筑一座庞大而完美的建筑，而在建筑中更加强调新材料、新技术、新结构与新功用。现代主义既不复兴传统风格，也不创立新的风格为自己设限，因而，现代派建筑没有统一的风格特征。任何一座建筑，都是现代派建筑独一无二的代表。
8.欧洲三大国际电影节是什么？
欧洲三大国际电影节是享有盛誉的三个国际电影节，包括意大利威尼斯国际电影节、法国戛纳国际电影节、德国柏林国际电影节。其中，威尼斯电影节偏重于“先锋”，戛纳在艺术之外还强调商业，柏林电影节则偏爱政治与社会。三大电影节各有侧重，但都以艺术作为电影评价体系中的最高指标，因而又被称为“艺术家的避难所”。
威尼斯国际电影节，创办于1932年，是世界上第一个国际电影节，所以有“国际电影节之父”的美誉。威尼斯国际电影节的最高奖项是金狮奖，银狮奖次之，此外，还设有最佳导演奖、最佳男演员奖、最佳女演员奖、最佳原创剧本奖、最佳摄影奖、最佳原创音乐奖以及特别评委会奖。威尼斯国际电影节所接纳的，不一定是完美无缺的电影，但一定是有所创新、能够引导电影发展潮流的作品；不管是在拍摄手法上，还是在叙事风格上，只要有独到之处，便可脱颖而出。在三大国际电影节中，中国电影进军最多的要数威尼斯电影节了；自1986年中国台湾导演侯孝贤的《悲情城市》一举夺下金狮奖之后，中国电影屡屡夺得金狮奖。
戛纳国际电影节，亦即“康城国际电影节”，同时，因为举办地以大海（Sea）、阳光（Sun）和美女（Sex）著称，因而又被戏称为“3S电影节”。戛纳国际电影节由“正式竞赛”“导演双周”“一种注视”“影评人周”“法国电影新貌”和“会外市场展”等部分组成。戛纳电影节创办于1939年，是世界上最大的国际电影节。同样作为一项深具影响力的电影展，中国的影片纷纷进军戛纳，并取得了不菲的成绩。而至今，唯一一部夺得戛纳国际电影节最高奖项——“金棕榈奖”的华语影片，是由中国香港演员张国荣主演、中国大陆导演陈凯歌导演的《霸王别姬》。在这部影片中，张国荣以其对人物角色的准确理解与完美演绎，塑造了一代名伶程蝶衣悲喜起伏、爱恨交织的人生。
柏林国际电影节，于1951年创办于西柏林，所以，其原来的名称是“西柏林国际电影节”。柏林电影节的最高奖项是“金熊奖”，“银熊奖”次之，以柏林熊为标志物。2014年，廖凡以《白日焰火》夺得柏林电影节影帝。
这几大国际电影节为促进世界电影工业的发展，做出了不可磨灭的贡献。
9.什么是“吉赛贝·托纳多雷三部曲”？
所谓吉赛贝·托纳多雷三部曲，是指意大利著名导演吉赛贝·托纳多雷编剧并导演的三部电影代表作品，分别是《天堂电影院》《海上钢琴师》《西西里的美丽传说》。
《天堂电影院》是托纳多雷的成名之作。影片以西西里岛为背景，讲述了一个名叫多多的小男孩，因为热爱电影而与“天堂乐园戏院”的放映师艾费多成了忘年之交。多多不仅在这里看电影，还看艾费多将电影里吻戏等不合宜的情节剪掉。这位放映师在多多的生命里拥有十分重要的地位，后来鼓励多多外出以追寻更远大的前程。时过境迁，多多再回来时，已如艾费多所料有了名气。当他打开艾费多临终前送给自己的一卷胶卷时，发现那是曾经被剪掉的所有吻戏。这一镜头是影片中极具感染力的一个幕。《天堂电影院》取得空前的成功，频频问鼎各大电影节。
与《天堂电影院》相比，《海上钢琴师》少了一些温情脉脉，多了一些宿命的兴味。电影讲了一位名叫1900的弃婴“船上的一生”。男主人公1900是个弃婴，天赋异秉的他自学成长为一名钢琴师。然而，他却对外面的世界怀有深深的恐惧，一生从未也不愿走出那条船。直至最后，废弃的船被炸毁，1900葬身大海。
相较之下，《西西里的美丽传说》的背景更为复杂，对人性的揭示也更为深刻。故事发生在“二战”时期的西西里岛上，从一个处于青春期且暗恋着女主人公的少年的视角展开。主人公叫玛莲娜，是个美得让整个西西里的男人欲火中烧、女人妒火中烧的尤物。她原本与丈夫过着幸福的生活，却不想丈夫不得不参军，而后她的父亲在一次轰炸中丧生。后来，前线传来了丈夫战死的消息，玛莲娜绝望之极，加上失去了一切生活保障，只能一步步地沦为妓女，最终被愤怒的女人们赶出西西里岛。结果后来，她的丈夫却回来了，并把玛莲娜找了回来。此时的玛莲娜，不再拥有傲人的身材和娇俏的脸蛋，也终于被西西里的女人接纳。
三部作品均是以倒叙手法展开叙述，因而又被称为“时空三部曲”。
10.“印象派”得名的原因是什么？
“印象派”绘画于19世纪下半叶兴起于法国，代表人物是法国著名画家克劳德·莫奈。
莫奈对印象画派理论体系的建立以及创作实践都起了十分重要的作用，可以说是印象画派的领袖人物。甚至，连“印象派”这个名字，也与莫奈的一幅画作有关。
19世纪60年代，统治画坛的是学院派美术。此派画风墨守成规、追求严谨，绘画技巧凌驾于感情之上。因而，在当时，莫奈那种模糊物体轮廓的做法，那种看似漫不经心的小笔触，实在入不了学院派的法眼。而面对学院派及其主导下的官方沙龙画展的傲慢，莫奈与其他画风相近且志同道合的画家朋友们完全不以为意，并于1863年举办了一场名为“沙龙落选作品展”的画展。这场画展以其主题对主流的嘲讽和展览作品画风的怪诞，引来一片谩骂之声。
1874年，莫奈们再次举办了一场名为“画家、雕塑家和版画家等无名艺术家展览会”的画展，其中展出了他绘制的一幅勒阿弗尔港口的晨景，名为《日出·印象》。画作中，一轮红日穿透厚厚的云层，在水上投下一道金光；雾气尚未褪尽，视线近处的海平面以及海面上的三艘小船、远处的工厂烟囱里冒出的浓烟、天空中密布的层云，都笼罩在一种氤氲不明的氛围之中。画展结束后，一位名叫路易·勒鲁瓦的记者撰文讽刺这场画展，并借莫奈《日出·印象》之名，称这场画展为“印象派画家的展览会”。印象画派由此得名。
以莫奈为代表的印象派画家们，通常都是深入大自然中获取灵感。他们寻找一切静谧却并非了无生机的意象；他们善于描绘浓雾、流云、水波等一切并非静止的东西；他们强调光影与物体刹那交汇时的明暗处置，注重情绪的传达而非所画之物的客观呈现。总之，正是这些稍纵即逝、暧昧不明的瞬间，带给了印象画派以永恒的生命力。
11.什么是“野兽派”？
“野兽派”，也叫野兽主义，是19、20世纪之交兴起的一种现代主义画派。跟印象画派一样，野兽派也兴起于法国，时间比印象画派更晚。这个画派没有明确的绘画技巧，没有纲领，却是置于浩瀚如海的画作中，一眼便能为人认出归属的那一类，风格极其鲜明。
关于野兽主义的定义，曾有一位野兽派画家如此说道：“通过颜色的交响技巧，达到日光的同样效果。狂热的移写（出发点是受到大自然的感动）在火热的追求中建立起真理的理论。”将野兽派定义为“颜色的交响”恰如其分，野兽派画作的颜色十分艳丽、浓烈，且不同色彩之间的对比十分鲜明，而具体所绘之物往往被处理得较为抽象与夸张，所以，初看之下，往往会带给人强烈的视觉冲击。
无独有偶，野兽主义的得名，跟印象画派的得名如出一辙。1905年，以亨利·马蒂斯为首的一批画风相近的画家，带着他们的画作，占据了巴黎秋季沙龙展览上的一整层展厅，赚足了公众的眼球。那一幅幅大胆而夸张的作品，被人们称之为“将颜料掼在公众的面前”，如果不考虑这句话中所含的贬义，这句话倒是十分形象的。野兽派对于颜色的运用，的确是简单、粗暴且直接的。
记者路易·沃塞尔参观了展览，估计他是张大了嘴巴欣赏展厅里的作品的，而当阿尔贝·马尔凯的一件铜像映入眼帘时，沃塞尔惊呼道：“多那太罗（文艺复兴时期著名的雕塑家）被关在了野兽笼中！”自此，野兽主义传开，并迅速占领画坛。
野兽主义的名字，十分贴切地诠释了这一画派作品的风格，用色大胆、夸张，一应光影明暗、渐变透视均以纯色块代替。在野兽派的画作中，我们无法看到衣物的褶皱、皮肤的纹理，更不用说人物表情的细微变化。他们挑战自然法则，不讲求所画之人之物的体积合理或比例协调；画作的题材亦十分粗犷，多以裸体、野外入于意象，与印象画派的静谧形成强烈的反差与对比。这个画派被认为“最先敲开现代美术之门”。
12.欧洲有哪些著名的自画像？
达·芬奇自画像
达·芬奇（1452—1519年），全名列奥纳多·达·芬奇，是意大利文艺复兴时期著名的画家，他的《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》是世界绘画史上不朽的名作。当然，长久以来，关于达·芬奇的自画像也引起了人们广泛的争论。
达·芬奇自画像是于2009年在意大利南部一个名叫布拉达诺的小镇上发现的，这幅油画经鉴定为真迹，在此之前流传的许多版本均是伪托。这幅自画像中的人物戴着一顶帽子，头发散落下来，长须垂至胸前，眼神冷峻、眉头微蹙。2013年10月9日—20日，山东博物馆举办了一场“欧美经典美术大展”，这幅自画像首次来华展出，吸引了众人的目光。
除此之外，还有一幅作于1513年左右的红色粉笔素描版自画像，亦有可能是真迹，但尚存在争议，或说是达·芬奇的最后一幅作品。素描中的人物眼神深邃坚毅，是一位富于智慧的老人。
丢勒自画像
丢勒（1471—1528年），全名阿尔布雷特·丢勒，是德国著名的画家、版画家。其作品有《启示录》《基督大难》《小受难》《男人浴室》《海怪》《骑士、死亡与恶魔》等。
丢勒开启了欧洲真正意义上的自画像传统。他的第一幅自画像作于他13岁时，表现出了超高的绘画天赋。这幅自画像以银针刻就，画中戴着帽子的主人公侧身而立，右手置于胸前，食指前倾，并自注道：“1484年，我还是个孩子，我照着镜子画了自己。”自此，他坚持为自己画像，油画、版画、素描，对各种形式与风格都进行了尝试。
丢勒的自画像中，最著名的除了13岁时的那幅以外，还有两幅，即《有风景的自画像》和《皮装自画像》。前者陈列于西班牙马德时的普拉多博物馆，后者藏于德国慕尼黑老绘画陈列馆。
鲁本斯自画像
鲁本斯（1577—1640年），全名彼得·保罗·鲁本斯，是17世纪的德国绘画大师。他一生勤勉于绘画，传世画作多达2000多件，广泛取材于宗教故事与神话传说，同时也有大量的风景画和人物肖像。其中，最为著名的是《阿玛戎之战》《强劫留西帕斯的女儿》《上十字架》《下十字架》等；此外，尤为著名的还有他的一系列自画像。其中一幅藏于维也纳美术史博物馆，这幅画显示了鲁本斯纯熟的绘画技巧；整部作品用色深沉，却并不压抑，这全有赖于画家对于人物面部细节用色上的准确调度。画像中的人物侧身而立，冷静地与观者对望，透出一种睿智与通达之感，是所有传世的自画像中的上乘之作。
伦勃朗自画像
伦勃朗（1606—1669年），全名伦勃朗·马尔曼松·里因，是17世纪荷兰的现实主义绘画巨匠。伦勃朗的一生，半是富足安定，半是贫困潦倒，但不管在什么样的处境之下，都无碍于他对绘画艺术的热爱。不管际遇如何，他都不懈地进行绘画创作，留下了不计其数的画作。藏于卢浮宫中的《木匠家庭》《以马忤斯的晚餐》，以及藏于里昂美术馆的《圣斯蒂芬被石块击毙》，均可视为其代表作。
当然，如果把他的一系列自画像按年代顺序排列起来，我们不仅能够看到他的画风日益成熟，直至堪比鬼斧神工的变化过程，更能从自画像里传达出的情绪，串出他一生的心境变化。
伦勃朗藏于世界各地博物馆或美术馆的自画像有90幅左右，但这还不排除伦勃朗后期落魄时卖掉、而今散落于私人收藏家手里的作品，因而，有人推测，伦勃朗的自画像当超过了100幅。所有这些自画像中，给人最深刻的震撼的，是藏于科隆瓦尔拉夫·理查尔茨博物馆的自画像。在这幅画像中，他背脊佝偻，皮肤干枯苍老，已垂垂老矣。虽然挂着一丝笑意，观者却丝毫笑不起来。此画像作于1665年，距离伦勃朗离世仅剩下4年。
伦勃朗死后很长一段时间，其人、其画都未能引起重视。直至后来，在人们对伦勃朗重新审视与估值时，才发现这位画家的超凡功力。只是，身后功名无关生前事，若是伦勃朗泉下有知，他应当也会给予世人一个跟1665年自画像中一样的笑吧。
凡·高自画像
凡·高（1853—1890年），全名文森特·威廉·凡·高，荷兰后印象派画家。凡·高的画作有三个明显的分期：早期的画作偏于写实风格；到达巴黎后，深受印象主义画风的影响，加上对日本浮世绘作品深有体会，他的画风突变至简洁、明亮；第三个阶段，他已经完全摆脱了印象派的影响，拥有了自己独特的画风，甚至首先开启了表现主义的风气。
凡·高的《向日葵》《星夜》《有乌鸦的麦田》《吃土豆的人》等，均是享誉世界画坛的经典之作。当然，除此之外，凡高还以善于画自画像而著称，且大都作于1885—1889年之间，即先后寓居巴黎、普罗旺斯阿尔以及圣雷米时期。凡·高一共留下了好几十幅自画像，成为世界艺术宝库中一笔巨大的财富——虽然也许当初他画自画像仅仅是因为贫困潦倒而无钱雇用模特。他的自画像里有叼着烟斗的，戴着帽子的，甚至在他一度濒于精神崩溃边缘而拿刀片割掉自己的耳朵后，还为自己画了像。1890年，凡·高精神彻底崩溃，饮弹自尽，享年37岁。
13.奥林匹克运动会是怎样诞生的？
奥林匹克运动会是由国际奥委会主办的全球最大的体育赛事，分为冬季奥运会和夏季奥运会，每四年一届。自1904年，美国密西西比河沿岸的圣路易斯在与芝加哥的竞争中获胜，从而获得第3届奥运会承办资格起，奥运会始以城市之间竞争的方式决定举办权。
现代意义上的奥林匹克运动会，以国际体育运动代表大会为标志。这场大会于1894年在法国巴黎的索邦神学院召开，来自9个国家37个体育组织的78位代表参加。因呼吁复兴奥林匹克运动会而被称为“奥林匹克之父”的法国教育家皮埃尔·德·顾拜旦担任国际奥委会秘书长。大会决定于1896年召开首届现代奥林匹克运动会，地点在希腊雅典。
第一届奥林匹克运动会上的运动员，除了2位分别来自智利和澳大利亚的运动员之外，其余全部都是欧洲人。而在所有的欧洲运动员中，2/3是希腊人，因而可以说，第一届现代意义上的奥林匹克运动会，还不具备世界性。
可以说，一切都处于草创阶段：跑道未经专门的修造，坑洼崎岖不平，还时常有上坡路段；游泳比赛没有专门的游泳池，而是在大海里进行。有趣的是，有一位希腊富翁为马拉松比赛的冠军设置了丰厚的奖品，而那位幸运的冠军除了得到一应奖品外，还可以娶这位富翁的女儿为妻。当然，据说那位冠军拒绝了那笔财富以及富翁的千金，可谓是一段佳话了。
除此之外，当时是不存在金牌的，冠军的象征是一枚银牌，亚军是一枚铜牌，亚军之后便算获奖。
现代奥林匹克运动会便是在如此简陋的条件下召开的。但发展到今天，它已经成为一场全世界范围内的运动狂欢。
当然，既是复兴，既是“现代奥林匹克运动会”，那么，在它之前，肯定有一个一度沉息的旧的奥林匹克运动会，即“古代奥林匹克运动会”。古代奥林匹克运动会由希腊城邦伯罗奔尼撒统治者伊菲图斯创始于公元前776年，其将宗教与体育竞争合而为一，是为第1届古代奥运会，并规定了每4年1次的制式。第1届古代奥运会的参与者只有3个古希腊的城邦国家，即伯罗奔尼撒、伊斯利和斯巴达，比赛项目仅仅只是一个赛跑。第1届冠军为斯巴达的多利亚人克洛斯。此后，这场运动会的声势越来越大，参加的城邦也越来越多，至393年，罗马皇帝狄奥多西一世定基督教为帝国国教，并废止一切异教徒活动，翌年古奥运会以其含有“异教徒”活动的成分而被废止。
此后，几经复兴，如泛希腊奥林匹克运动会，但由于主办方狭隘的民族主义，只是一味地复制古代奥运会，使得复兴奥运会之梦几度破灭，直至顾拜旦出现，承担起了复兴奥林匹克运动会的责任。
14.什么是“欧洲三大杯”？
欧洲三大杯是指由欧洲联盟举办的3项足球赛事：欧洲冠军联赛、欧洲优胜者杯以及欧洲联盟杯。
欧洲冠军联赛，简称欧冠、冠军杯、欧冠杯，其前身是创办于1954年的欧洲冠军俱乐部杯，创立初衷是让欧洲顶级的足球俱乐部聚集一堂，开展前所未有的对决。欧冠赛事共分为3个阶段，即资格赛、小组赛以及淘汰赛阶段。欧冠联赛的奖杯叫“圣伯莱德杯”，即人们常称的“大耳朵杯”。但这座大耳朵杯不可被得冠的球队保留，而要在下一届赛事开始之前归还，球队将得到一个复制品。但也有永久保留“大耳朵杯”的例子，如阿贾克斯、拜仁慕尼黑、AC米兰、利物浦，这些球队不止一次得到冠军，所以被允许保留奖杯真品以作纪念。
欧洲优胜者杯是由各国主要杯赛冠军参加的足球赛事，始于1961年，惜于1999年欧洲赛事改革后停办，各国杯赛冠军转于欧洲联盟杯。拥有欧洲优胜者杯参赛资格的，除了各国主要杯赛的冠军外，优胜者杯的上届冠军也有权参赛；另外，拥有欧冠资格的则须放弃优胜者杯。因而，在优胜者杯39年的历史中，从没有哪一支球队能够连续2年卫冕优胜者杯。
欧洲联盟杯的前身是1955—1971年间的博览会杯，创建于1971/72赛季。欧洲联盟杯历史上的最佳射手为瑞典足球运动员亨里克·拉尔森，共进37球。至今，这项纪录无人打破。欧洲联盟杯的奖杯叫“贝尔托尼奖杯”。
可以说，欧洲三大杯代表了欧洲足球俱乐部的最高水平。
15.维也纳为何被称为“音乐之都”？
奥地利首都维也纳位于多瑙河畔，整座城市与音乐有着不解之缘，享有“音乐之都”的美誉。至于这个名称的由来，则有着多方面的原因。
维也纳美丽的自然景观与丰富的人文景观，涵养了维也纳人的艺术细胞。许多伟大的音乐家的名字都和维也纳分不开，他们或是诞生于此，或是在此展现了才华；如舒伯特、约翰·施特劳斯父子、兰纳、克热内克、勋伯格、韦伯恩和贝尔格，便是出生在维也纳；而海顿、莫扎特、贝多芬等，则在这里大大地施展了自己的音乐才华，在创作出无数世界名曲之后长眠于维也纳，护佑着这座城市的音乐之灵。
正是因为维也纳与大量音乐巨子不解的渊源，使这里成为古典音乐的滥觞之地。18世纪后期至19世纪前期，以海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特等古典作曲家为中心，形成了维也纳古典乐派；而老约翰·施特劳斯则通过对维也纳农村盛行的“兰德勒舞曲”的改编，创制了一种独特的舞曲，男女互为舞伴，欢快地跳舞，这就是著名的华尔兹圆舞曲。
因而，维也纳人的骨子里流淌着一股音乐之泉。他们的衣、食、住、行、思、坐、忆均离不开音乐，简直可以用出口成唱、动辄起舞来形容了。他们尊重自己城市的音乐传统，并深深地引以为傲。你看那遍布维也纳市区的音乐家雕像，你听那一个个以音乐家名字命名的街道、公园和建筑物，便能知道，这个城市对于音乐究竟有多热爱。
此外，每年，维也纳在当地时间1月1日于维也纳金色大厅举办维也纳新年音乐会，这更是一场音乐的盛宴，一直以来吸引了全球的瞩目。
16.欧洲诞生了哪些著名的音乐家？
巴赫（1714—1788年），即约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，享誉世界的德国作曲家。当时，巴赫处于巴洛克时代的德国，而西欧各个民族的音乐风格繁缛复杂。巴赫在吸取了巴洛克音乐风格精华的基础上，将各种不同的西欧音乐加以融汇，形成了自己全新的音乐风格，以娴熟的复调技巧著称。巴赫既是西欧传统音乐的集大成者，也是现代音乐的开山立派者，因而，他被称为“西方现代音乐之父”。巴赫一生未怠于创作，流传于世的音乐作品十分多，除去流传过程中散佚的作品而外，仍然有500多部传世，著名的有《勃兰登堡协奏曲》《马太受难曲》《b小调弥撒曲》等。
海顿（1732—1809年），全名弗朗茨·约瑟夫·海顿，维也纳古典音乐奠基人，此外，由于海顿对古典音乐交响曲的体裁完善起了重要的推动作用，而被称为“交响乐之父”。他曾经指导过年代稍晚的莫扎特、贝多芬等，被亲切地称为“我们的父亲”。海顿也是一位多产的作曲家，作品广泛涉及歌剧、清唱剧、交响曲、协奏曲等，代表作有《创世纪》（清唱剧）、《皇帝四重奏》以及大量的交响曲，如《惊愕交响曲》《午别交响曲》《时钟交响曲》《伦敦交响曲》等。
肖邦（1810—1849年），全名弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦，是19世纪波兰著名的作曲家和钢琴家。肖邦自童年时代，就已经显现出非凡的音乐天赋。他6岁开始学习音乐，7岁即可创作波兰舞曲，8岁便登台演出，20岁便已家喻户晓。与其他的艺术家相比，肖邦的艺术生涯可以算得上顺风顺水。肖邦的创作包括奏鸣曲、协奏曲、练习曲和叙事曲，其练习曲堪称浪漫主义钢琴技术的宝典。肖邦作为欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物，作品大都是钢琴曲，因而被称为“浪漫主义的钢琴诗人”。代表作有《钢琴协奏曲》和《叙事曲》等。
莫扎特（1756—1791年），全名沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特，1756年出生于奥地利萨尔茨堡，后来居于维也纳；曾求教于海顿，与贝多芬交好，是欧洲伟大的古典音乐家。莫扎特拥有极高的音乐天分，他的传世作品涉及各种音乐形式和体裁，如歌剧、交响曲、协奏曲、钢琴小提琴协奏曲、弦乐四重奏、小提琴协奏曲、嬉游曲、小夜曲、舞曲和宗教乐曲。后来的古典音乐基本都是按照莫扎特作品里的形式发展的。1791年，莫扎特于维也纳突然离世，享年35岁。
贝多芬（1770—1827年），全名路德维希·凡·贝多芬，1770年出生于德国波恩，是欧洲伟大的音乐家，欧洲古典主义音乐的杰出代表之一。其代表作有《命运交响曲》《英雄交响曲》《田园交响曲》等。作为一名音乐家，贝多芬是不幸的，因为自26岁起，他就发现自己的听力在下降，直至45岁时完全失聪。但贝多芬的伟大之处也正是在此，失聪后他仍然坚持创作，并留下了大量音乐作品，连他的代表作《命运交响曲》和《田园交响曲》都是在失聪之后完成的。
17.撒尿小男童为何被称为“布鲁塞尔第一公民”？
在比利时首都布鲁塞尔市中心的恒温街和橡树街转角处，立着一尊身高半米的小像，这个铜塑的小男孩，正右手叉腰、旁若无人地撒尿。没错，这就是“布鲁塞尔第一公民”——小于连的铜像。人们常常称其为撒尿小童。这尊铜像是由比利时著名雕刻家捷罗姆·杜克思诺于1619年建造的。
为什么给一个小孩子如此之高的礼遇呢？这要从一段惊险的战争故事说起。
话说，古代西班牙人入侵布鲁塞尔，将此地的财富劫掠一空，之后打算撤离，并决定将这里炸为平地。当天夜里，西班牙军队在布鲁塞尔城里埋下了巨量的炸药包，等火一点，这个城市连同城里的人便都灰飞烟灭了。正巧，一个叫于连的小男孩夜里出来，也许是为了撒尿吧，正好看到了这一幕。他眼见着引线被点燃，而西班牙人扬长而去，身边却没有水源可以扑火。小男孩灵机一动，开始冲嗞嗞冒着火星的引线上撒尿；火线被浇灭了，布鲁塞尔幸免于难。后来，人们为了感谢这个聪明的小男孩，便创作了塑像，并称其为“布鲁塞尔第一公民”。
当然，关于小于连的故事，还有很多其他的版本，如小于连夜里准备去撒尿时，看到邻居家起火于是撒尿浇灭，个人感觉这个说法杜撰的可能性较大。
作为布鲁塞尔第一公民，小于连不仅受到了布鲁塞尔人的喜爱，更是受到了世界各地人的喜欢。据说，因为小铜像光着身子，所以总有人为他设计衣服并远道送去或寄去。可以说，小于连是世界上拥有最多衣服的小朋友啦。
18.诺贝尔奖是怎样产生的？
说起荣誉，世界上恐怕没有哪个奖项如诺贝尔奖那般，受到学界精英的向往和普通民众的瞩目。每年，诺贝尔奖授奖期间，全世界所有主流媒体悉数出动，科学、文学、数学等相关领域所有的关注目光都集于其上。而对于诺贝尔奖的得奖人及其国家来说，则是无上的荣光。
诺贝尔奖是以瑞典著名化学家阿尔弗雷德·贝恩哈德·诺贝尔的3100万瑞典克朗遗产作为基金，于1900年设立的，用以表彰那些在物理、化学、医学、文学以及在全人类的和平事业上做出突出贡献的人。因而，其下设物理、化学、生理或医学、文学、和平奖5个奖项，1901年正式颁发第1届。
1968年，瑞典国家银行在成立300周年之际，捐出巨额资金给诺贝尔奖基金，增设“瑞典国家银行纪念诺贝尔经济科学奖”，于翌年首发，人们习惯上称其为“诺贝尔经济学奖”。
既然诺贝尔奖的授权创立者、诺贝尔奖基金第一笔的资金来源于诺贝尔，那么，我们就简单地了解一下诺贝尔。诺贝尔于1833年降生于瑞典斯德哥尔摩，作为瑞典杰出的化学家、发明家、工程师和企业家，他既拥有坚实的科学理论基础，还拥有355项发明专利。凭借这些优势，他在世界各地的20多个国家里创办了100多处实业，所积累的财富之多无法想象。
当然，这个世界上拥有很多富翁，但并不是所有的富翁都像诺贝尔那般，对人类怀着“爱”和“悲悯之心”。因此，他在辞世之前拟了一份遗嘱，明确交代了要设立的5种奖项及其颁奖机构：
“我所留下的全部可变换为现金的财产，将以下列方式予以处理：这份资本由我的执行者投资于安全的证券方面，并将构成一种基金；它的利息将每年以奖金的形式，分配给那些在前一年里曾赋予人类最大利益的人。上述利息将被平分为5份，其分配办法如下：1份给在物理方面做出最重要发现或发明的人；1份给做出过最重要的化学发现或改进的人；1份给在生理和医学领域做出过最重要发现的人；1份给在文学方面曾创作出有理想主义倾向的最杰出作品的人；1份给曾为促进国家之间的友好、为废除或裁减常备军队以及为举行和平会议做出过最大或最好工作的人。物理和化学奖金，将由瑞典皇家科学院授予；生理学和医学奖金，由在斯德哥尔摩的卡罗琳医学院授予；文学奖金，由在斯德哥尔摩的瑞典文学院授予；和平奖金，由挪威议会选出的一个5人委员会来授予。……”
当然，遗嘱公布之初，因为这个奖项无任何国界限制，从而引起瑞典人的不满与谴责。但是，通过遗嘱执行人的努力，诺贝尔奖仍然于1901年正式颁发，自此成为全世界各界顶级精英们终生的奋斗目标。
值得一提的是，中国作家莫言于2012年获得由瑞典皇家文学院授予的诺贝尔文学奖，成为第一位获得诺贝尔文学奖的中国籍作家，授奖词是：“通过幻觉现实主义将民间故事、历史与当代社会融合在一起。”
19.什么是游吟诗人？
游吟诗人也叫游唱诗人或游唱歌手，是11—13世纪兴起于欧洲的一种职业。很多朋友初识这个名词时，会将其与流浪汉归为一个阵营，事实上，游吟诗人非但不是流浪汉，反而处于较高的社会阶层——他们大都是王公贵族或骑士，拥有较显赫的社会地位。当然，许多底层社会但才高八斗之人也可作游吟诗人。
据2005年《艺术教育》所刊之文《谈中世纪欧洲世俗音乐的发展》（作者：何丽丽）所述，游吟诗人是在游历之中，在各地风物或自身经历的感召下创作出作品，同时，再雇用一些所谓的“艺人”帮他们演唱。笔者猜测，这样做的目的，一来或许为了维持其身份颜面，二来也可以借助这些艺人的“粉丝”，助力于他们的作品能够更加广泛地流传。
关于游吟诗人的产生，学术界公认的说法是：十字军尚武精神和骑士风度的衍生的音乐表现，促使游吟诗人群体的形成与发展。
当然，将游吟诗人作为一种职业，似乎有点类似于中国古代的“采诗官”——他们受命深入民间采集民歌，一方面可以了解民情，一方面也有利于民间文化的收集、整理与保存传世。所以，欧洲的游吟诗人大都非富则贵，领受一个“游吟诗人”的头衔，仅仅是为了创作作品并让人加以传唱；笔者则更愿意相信，他们亦是背负着与中国“采诗官”同样或类似任务的一群人。
现存的游吟诗人的作品中，较为著名的有法国南部游吟诗人伯尔纳·德·旺塔多恩（约1130—1190年）创作的《我看见云雀高飞》。这是一首倾诉失恋之苦的情歌，在当时流传颇广。
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