名曲《二泉映月》的含义是什么

    《二泉映月》是一首非常有名的二胡曲，是我国着名的民间音乐家阿炳创作的。阿炳，生于１８９３年，原名华彦钧，是江苏无锡人。阿炳的父亲是当地的一名道士，喜欢并擅长演奏各种像二胡、琵琶这样的民间乐器。阿炳很小的时候，就开始跟随父亲学习音乐，这为他成为民间音乐家打下了坚实的基础。

    阿炳的身世很悲惨。在他刚刚４岁的时候，母亲便去世了；在２１岁时，他忽然得了眼病；到２５岁，阿炳的双目就失明了。

    由于他的家境越来越不好，最后竟沦落街头，成了一名流浪艺人。每天，他都身背乐器，穿行在无锡的大街小巷，靠弹奏乐器和卖唱来换取一口饭吃。阿炳能演奏各种乐器，并且演奏得很好听，于是，“瞎子阿炳”的名气很快就传开了，而他的原名华彦钧则逐渐被人们所遗忘了。

    艰难的生活没有让阿炳放弃对音乐的追求，反而使他创作的曲子更加贴近生活，贴近大众。

    江苏无锡的惠山泉，向来就有“天下第二泉”的美称。一个夜晚，卖唱一天却依然衣食无着的阿炳，疲惫地坐在泉水边休憩、沉思。此时，月亮投影在清冷的泉水中，四周一片静寂，凉风拂过，让人不由生出悲凉之情。阿炳的眼睛虽然是瞎的，可他的感应却是敏锐的。此情此景，令阿炳回想起了自己坎坷、艰难的一生，心中不由感慨万千，创作灵感油然而生，于是拉出了这支名为《二泉映月》的曲子。《二泉映月》的曲调时而宁静、婉转，时而如泣如诉、慷慨激昂，恰如一位饱经风霜的艺术家在倾吐内心的深刻感受。乐曲情感真挚，旋律优美，感染着每一位听众。

    《十面埋伏》曲谱出自谁手

    琵琶古曲《十面埋伏》，又名《淮阴平楚》、《楚汉》。它以刘邦、项羽垓下之战为主题，运用琵琶特有的技巧，令无数听众的心灵为之震撼，如今已成为世界名曲。遗憾的是，这一杰作却不知出自谁人之手。

    有关这首琵琶大曲的文字记载，最早见于明王猷定的《四照堂集·汤琵琶传》。传中有人称“汤琵琶”的汤应曾（约１５８５～１６５２年）弹奏琵琶曲《楚汉》的详细记载：汤氏“所弹古曲百十余曲……而尤得于《楚汉》一曲。当其两军决战时，声动天地，瓦屋若飞坠；徐而察之，有金声、鼓声、剑弩声、人马辟易声；久之，有怨而难明者为楚歌声，凄而壮者为项王悲歌慷慨之声、别姬声；陷大泽有追骑声；至乌江有项王自刎声、余骑蹂践争项王声。使闻者始而奋，既而恐，终而涕泣之无从也。其感人如此。”

    有人将《十面埋伏》首段旋律与维吾尔族北疆《古典歌曲》第七套第五曲作了比较，发现两者的调式、骨干音、终止式和气质十分相似，因而认为《十面埋伏》吸收了西北少数民族音乐的精华。而汤应曾确曾到过嘉峪关、张掖、酒泉等西北战场，具备了创作《十面埋伏》的条件。但是，与汤应曾过从甚密并结为知己的王猷定在《汤琵琶传》中，并未说汤创作《十面埋伏》，而将《十面埋伏》列入“古曲”一类。

    有人认为，许多琵琶古曲都是出自民间，经过几代艺人的加工演练才日趋成熟甚或达到炉火纯青境地的，是集体智慧的结晶，《十面埋伏》可能就是如此。

    看来，《十面埋伏》作者之谜难于大白了。

    贝多芬是否真的写过第十交响曲

    １８２３年，贝多芬向世人推出了他的一部综合性体裁的乐曲，既《第九交响乐》。

    这部《第九交响乐》，显示出在此之前贝多芬创作的所有交响乐曲的最高境界，贝多芬的音乐世界，似乎到此已达到顶峰。而贝多芬在《第九交响乐》完成之后，他开始意识到自己构造的音乐建筑业已完成。

    在《第九交响乐》问世一年以后，贝多芬在一封写给他人的书信中称“在我出发去天国之前，必须把精灵启示我们而要完成的东西留给后人。”

    在贝多芬逝世不久，贝多芬的秘书莫希尔斯曾收到贝多芬给他的一封信。这封信里有这样一段话：“初稿全部写成的一部交响乐和一支前奏曲放在我的书桌上。”

    这部被后人视为《第十交响乐》的初稿，却始终未被发现。

    贝多芬是否真的写过《第十交响乐》，这始终是一个难解的谜点。

    在贝多芬离开这个世界１６０多年以后，１９８８年１０月，在美国伦敦的一次音乐会上，被命名为贝多芬《第十交响乐》的一首乐曲，首次公开问世。

    这首仅有１４分钟的乐曲，在全世界范围内引起巨大反响。一些人首先怀疑这首乐曲是否是贝多芬的真作。

    据知情人透露，贝多芬逝世后，他的遗物，包括谱写的乐曲手稿，被一些卑劣之徒洗劫一空。数十年之后，贝多芬的手稿被辗转卖到普鲁士王国。

    这首由苏格兰人巴里·库珀认定的贝多芬《第十交响乐》，得到了音乐界一些权威人士的认可。尽管这首乐曲存在着与前九首交响乐完全不同的风格，但人们还是愿意相信，这就是贝多芬那萦绕已久的宏愿：“要完成的东西留给后人。”

    只有这样，才算得上十全十美。

    为什么称京剧为国粹

    京剧是地地道道的中国国粹，因形成于北京而得名，但它的源头还要追溯到几种古老的地方戏剧。１７９０年，安徽的四大地方戏班（简称徽班）——三庆班、四喜班、春公班、和春班——先后进京献艺，获得空前成功。徽班常与来自湖北的汉调艺人合作演出，于是，一种以徽调“二簧”和汉调“西皮”为主，兼收昆曲、秦腔、梆子等地方戏精华的新剧种诞生了，这就是京剧。经过２００多年的发展，京剧在唱、念及字韵上越来越北京化，使用的二胡、京胡等乐器，也融合了多个民族的发明，终于成为一种成熟的艺术。

    人们有时也将京剧称作“东方歌剧”，因为京剧和歌剧这两个剧种都是集歌唱、舞蹈、音乐、美术、文学等于一体的特殊戏剧形式，在形式上极为类似；同时，在各自不同的文化背景中，它们都获得了经典性地位。

    京剧脸谱是指在京剧演员的脸上涂上某种颜色，以象征这个人的性格和品质、角色和命运。这是京剧的一大特点，也是理解剧情的关键。简单地讲，红脸含有褒义，代表忠勇者；黑脸为中性，代表猛智者；蓝脸和绿脸也为中性，代表草莽英雄；黄脸和白脸含贬义，代表凶诈者；金脸和银脸显得神秘，代表神妖。

    除颜色之外，脸谱的勾画形式也具有类似的象征意义。例如象征凶毒的粉脸，有满脸都白的粉脸，有只涂鼻梁眼窝的粉脸，面积的大小和部位的不同，标志着阴险狡诈的程度不同；一般说来，面积越大就越狠毒。总之，颜色代表性格，而不同的勾画法则表示性格的程度。

    脸谱起源于上古时期的宗教和舞蹈面具，今天许多中国地方戏中都保留了这种传统。

    为什么戏曲舞台上的曹操总是白脸

    在戏曲舞台上，当曹操出场时，我们总看见他的脸上涂满了白色的油彩，显得很有点吓人。那么，舞台上白脸的曹操就是历史原型吗？

    当然不是！因为一个人的脸再白，也不可能像舞台上的曹操那样，白得令人又怕又厌。那么，为什么人们要将曹操涂成白脸呢？要搞清这个问题，我们就得从曹操是个什么样的人说起。

    曹操一直是一个很有争议的历史人物。有人说：“曹操是奸臣，是篡夺皇位的大坏蛋。”有人却说：“曹操是大英雄，是很会打仗的军事家。”这两种看法究竟哪一种正确呢？

    其实，评价任何历史人物，简单地说他是好人，或者说他是坏蛋，都是不正确的。评价曹操也是如此。

    首先，曹操的确很擅长打仗。在他指挥的官渡之战中，他曾以１万人马，打败了１０万敌人。官渡之战是军事史上着名的以少胜多的战役。

    其次，曹操对治理国家有很好的办法。他不仅爱惜人才，而且重视土地制度、粮食问题。所以说，曹操堪称杰出的政治家。

    第三，曹操还是一个文学家。至今，曹操的一些名诗，比如《观沧海》等，还是世人传诵的佳作。

    所以说，赞扬曹操的话，并不错。可这并不是说曹操就没有缺点。事实上，曹操的身上存在着不少的缺点。比如，曹操是一个爱使诡计的阴谋家。曹操杀华佗的故事，就很可以说明曹操的这一特点。

    曹操患有头疼病。名医华佗医术高超，他只给曹操扎了一针，曹操的头就不疼了。曹操想让华佗留在自己身边，专门给他看病。可华佗却立志为天下人消除病痛。曹操见华佗不听自己的话，就把华佗给杀了。

    曹操还做过许多类似的不仁义的事。而着名的长篇小说《三国演义》，更是把曹操写成了一个狠毒、奸诈的阴谋家，一个大奸臣。后来，《三国演义》中的故事被搬上了戏剧舞台，这样曹操的坏名声就家喻户晓了。

    戏剧演员化妆时，要使用各色颜料。渐渐地，演员们就用红色表示忠勇，黑色表示粗直，而用白色表示奸诈了。于是，在戏剧舞台上，白脸的曹操就成了最着名的奸臣形象。

    相声起源于何时

    相声是人们喜闻乐见的一种艺术形式，相声无疑是一种语言艺术。

    相声给人带来的欢乐，是其他艺术形式都无可比拟的。在我们身边，几乎没有谁不喜爱这门艺术。

    当我们被相声的逗趣而捧腹大笑，为相声的诙谐而忍俊不禁时，是否想到，这门“笑”的艺术是怎样产生的吗？

    相声艺术在我国可谓历史悠久，但它有据可查的资料实在廖廖无几。然而，苦心钻研的学者们，在对相声追根溯源中，开始对相声的形成逐步加深了认识。

    有一种观点认为，现在的相声是由唐代的“参军戏”演变而来。“参军戏”由两个人来表演，一名叫“参军”性格痴愚；一名叫“苍鹘”反应机敏。两人表演起来一捧一逗，一庄一谐很有些乐趣。

    有人说，康熙年间的“象声”即是现在相声的雏形。那时的“象声”，其实就是“口技”。表演时一个人或几个人，用口摹仿动物鸣叫或世间百态，用其逼真、夸张的声音逗人取乐。也有人说，早期相声其实是指相貌之“相”，声音之“声”。顾名思义，是相貌与声音结合为一体，以声与情去宣泄，以形态表演与语言抒发去鞭挞人世间的丑恶，以幽默与诙谐令人赏心悦目。

    关于相声的起源还有多种看法，但都是一些主观分析，很难成为定论。至于将来能否统一看法还不好说。

    《牧羊记》是马致远的作品吗

    马致远是元初最负盛名、自成一派的散曲家，杰出的元杂剧作家。他的小令？眼越调·天净沙？演《秋思》被誉为“秋思之祖”；杂剧《汉宫秋》被视作优秀的古典悲剧，但他与南戏的关系至今还没弄清楚，南戏《牧羊记》是否为马致远所作，至今还是个悬案。

    《牧羊记》取材于《史记·苏武传》。该戏叙述了西汉时人苏武奉命赴匈奴被扣，后被迁往北海（今贝加尔湖）牧羊的故事。歌颂了苏武不顾匈奴贵族的威逼劝诱，渴饮雪，饥吞毡，十九年坚守汉节不改变的不屈精神。对因无奈而降的李陵既批判又同情，这与《汉宫秋》中流露的民族感情有相近之处。

    明末戏曲理论家吕天成在《曲吕》中说：“《牧羊》，马致远有剧。此词亦古质可喜，令人想念子卿之节。梨园演之，最可玩。”这段话的大意是说：马致远有个《牧羊》的剧本。剧本的词句亦古拙质朴喜人，使人怀念苏子卿（苏武）的气节。戏班排演了这出戏，观赏性很强。

    至清代，《古人传奇总目》、《传奇汇考标目》等都把《牧羊记》归于马致远名下。张大复在《寒山堂新订九宫十三摄南曲谱》中说，不但《牧羊记》是马致远所写，连《风流李勉三负心记》和《萧淑珍祭坟重会姻缘记》也是马致远与人合作完成。

    但是，明文学家徐渭在《南词叙录》中，将《牧羊记》归入“宋元旧篇”，未标明作者，说明徐对此说持怀疑或否定态度。

    徐渭的学生王骥德在《曲线》中直截了当地指出：《牧羊记》鄙陋庸俗，决不是哪一位着名杂剧作家写的。

    尤为值得注意的是，关于《牧羊记》出自马致远手笔的说法，在马致远死后２００多年才出现。

    《牡丹亭》诞生在哪里

    传奇剧本《牡丹亭》，又名《还魂记》，与《紫钗记》、《南柯记》、《邯郸记》并称《临川四梦》，是明代大戏曲家汤显祖的代表作。

    多少年来，这部戏曲名着是在哪里创作的，说法各异。

    一种说法是作于临川家中。焦循《剧说》记载：相传汤显祖创作《还魂记》时运思很苦。一天，家人发现他不见了，到处寻找，结果发现，他竟躺卧在庭院中的柴草垛上掩面痛哭。家人吃惊地问他，你怎么了？他回答说：“我填词填到‘春香还是旧罗裙’一句。”

    另一种说法是“于路日撰”，即在途次——途中住宿的地方进行《牡丹亭》的创作活动。江熙在《扫轨闲谈》中说：汤显祖的老师文肃公王锡爵在家赋闲，听说汤显祖到了他所居住的娄县东，流连多日不来拜谒，便径自去探个究竟。王锡爵心里十分诧异，就暗地里买通了汤显祖的随从，看汤显祖都在干什么。原来汤在途次每天撰写《牡丹亭》，他的随从也每天把他写的稿子偷偷拿给王锡爵看。等到汤显祖撰写完毕，放在衣袖中，拿去给王锡爵看。王说：我早就看到了。汤显祖内心羞惭，辩解说：我本来要写《四梦记》，这只是其中的一个，还有三个未写完。王锡爵急切地想要来观看，汤显祖就一天写成了余下的三个剧本。

    上文对“于路”即途次的具体地点未作交待。但在《昆、新两县续修合志》卷十三《第宅·园林》部分，却有一段十分重要的记录：在昆山县中有个太史的府第，是太仆少卿徐应聘居住的地方，地址在片玉坊内，坊中有个拂石轩。徐应聘与汤显祖在万历十一年（１５８３年）同科进士。汤显祖曾客居在拂石轩中，创作《牡丹亭》传奇。

    汤显祖创作《牡丹亭》的地点到底是在临川还是昆山，尚需专家学者继续考证。

    名画《向日葵》是谁的作品

    《向日葵》是着名画家凡·高的名画。凡·高，荷兰人，１８５３年出生在一个小村庄里。１６岁时进入一家美术公司工作。到１８８０年，已经２７岁的凡·高才开始下决心学习绘画。从此他就把精力都集中在了绘画事业上，并且经常废寝忘食地画着，几乎达到了痴迷的程度。

    在绘画方面，凡·高很有独创性，他大胆地按照自己的想法去作画。然而遗憾的是，当时的人们根本无法理解凡·高的作品。凡·高画了大量的画，却几乎没有卖出去一张。

    卖不出去画，就意味着挣不着钱；挣不着钱，就意味着没有饭吃，没有地方住。但贫困没能使凡·高屈服，靠着弟弟和朋友提供的一点生活费，凡·高仍利用一切时间画着、画着。

    凡·高实在是太穷了，以至于连作画的颜料和画布也买不起。汤佳大爷是一个经营绘画用具的小店主，他很赏识凡·高，他认为凡·高肯定会成功的。尽管自己并不富裕，汤佳大爷还是尽可能为凡·高提供一些绘画用品。

    然而，汤佳大爷的妻子对此却很不满，她抱怨道：“凡·高浪费了那么多颜料和画布，他画的油画却卖不出一分钱。”

    由于日夜不停地作画，再加上经常挨饿、营养不良，凡·高的牙齿掉了许多，而且身体疲乏，面容异常苍老、憔悴。接着，凡·高又患了精神病，并在疗养院里呆了一年。

    尽管如此，凡·高依然没有停止绘画。１８９０年，贫病交加的凡·高自杀身亡，而凡·高的成名，却在他的死后。

    黄色是明媚、充满活力的颜色，在《向日葵》里，凡·高就使用了大量的黄色。在黄色的画布上，向日葵像火苗般鲜艳、夺目，远远看起来，整幅画就像熊熊燃烧的火焰。《向日葵》给人的感觉就是：火热、狂喜、充满生机。

    １９８７年，《向日葵》被卖到了２２５０万英镑，这是一个惊人的价钱。对比凡·高生前的穷困潦倒，又怎能不令人感慨、深思呢！

    着名漫画《父与子》是谁创作的

    在许多杂志和报刊中，我们都可以看见这样的一对父子：父亲穿着黑色的背心，白色的裤子，他最大的特征就是肚子圆鼓鼓的，显得既滑稽又可亲；与身材胖大的父亲相比，儿子则显得又瘦又小。当这对外表差异极大的父子站在一起时，的确令人情不自禁地发出会心的微笑。

    《父与子》是德国漫画家卜劳恩的重要作品。卜劳恩１９０３年生在德国的一个小村庄，长大后开始学习绘画。他曾为许多报纸、书籍做过插图。１９３１年，卜劳恩的儿子降生了。卜劳恩非常高兴，他决定将发生在自己和儿子之间的故事，用画笔画下来，让所有的人都来分享他与儿子之间快乐的情感。

    １９３４年１２月，第一幅《父与子》发表了，立刻，人们就被这一对可爱的父子所吸引，被他们之间的父子真情所打动了。人们喜欢《父与子》，喜欢知道他们之间的趣闻、逸事。而卜劳恩也不断将发生在他与爱子身上的故事，用画笔传达给广大读者。《父与子》的名气越来越大，很快就从德国传向了全世界。

    人们都衷心祝愿，这对带给千家万户的父子，能永远快乐。然而，事实却不是这样的。１９４４年，卜劳恩被德国法西斯抓进了监狱，最后死在了监狱里。

    尽管卜劳恩死了，可是他的漫画《父与子》不仅没有消失，反而在随后的５０多年的时光里，依然在世界各地长盛不衰。

    卡普阿的《我的太阳》所指何人

    “风雨过后天空晴朗，阳光灿烂辉煌，空气清新精神爽。啊，多么耀眼的阳光；啊，美丽的太阳，我的太阳。”

    意大利着名作曲家卡普阿创作的这首题名《我的太阳》的意大利民歌，经过了１００年历史，如今仍然被世人传唱。当这首民歌在１９５２年赫尔辛基奥运会上，被临时替代意大利国歌而奏响时，全场观众掌声雷动，齐声高唱。这说明《我的太阳》这首歌曲，在全世界范围内普遍受到欢迎。

    《我的太阳》也是我国较为流行的一首外国歌曲。

    《我的太阳》中的“太阳”究竟所指何人？

    有人认为，这个太阳就是作曲家卡普阿钟情的爱人那美丽的笑容。

    心爱的人，笑容如灿烂阳光，既辉煌又美丽。情人的微笑，似阳光般温暖，既温馨又迷人。爱情是阳光，温暖了心房；爱情是空气，充添着营养。作曲家心中的太阳，是他深爱着的情侣；小伙子心中的太阳，无疑是他钟情的姑娘。

    也有人说，卡普阿创作《我的太阳》，源于世间流传的一则爱情故事。

    这个故事讲的是：有一对兄弟，同时爱上了一位漂亮姑娘。哥哥不忍心与弟弟争夺，毅然离开了他心中的“太阳”远走他乡。弟弟为哥哥的风格所感动，他将哥哥与情人一起视为心中的太阳，为之歌颂，为之吟唱。

    卡普阿创作的《我的太阳》，其中“太阳”究竟所指何人，大家已无意去争讨，每个人都有各自的理解。但有一点是共同的，那就是个人的心中最美好的偶像，即是那光辉灿烂的“我的太阳”。

    《摩西》的生活原型是谁

    １６世纪初叶，意大利文艺复兴时期，最负盛名的艺术大师米开朗基罗，创作了一尊名为《摩西》的雕像。这尊雕像以其精湛的艺术形象，成为闻名于世的不朽之作。

    几百年来，人们从《摩西》那充满睿智和刚毅的脸上，以及同时迸发的爱与憎的神情，深切领会到艺术给人带来的巨大魅力。

    米开朗基罗何以会有如此完美的构思，《摩西》的生活原型是谁？这是后人格外关注的问题。

    据前苏联一位学者多年的潜心研究，他大胆地提出，《摩西》的原型是大画家达·芬奇。

    米开朗基罗与达·芬奇交往甚密，俩人曾长期居住同地。《摩西》就是在那个时期完成的。米开朗基罗十分欣赏达·芬奇漂亮的仪表，对达·芬奇骄人的气质、风度崇爱有加。歌德曾赞誉：“达·芬奇是全人类的楷模。”

    雕像《摩西》不仅在外表，就连神情也同达·芬奇极为相似。因此，有人相信米开朗基罗是以达·芬奇为模特儿而创作《摩西》的。

    有些学者则认为，《摩西》的原型就是创作者本人。我国的一些学者也有人持这种观点。

    米开朗基罗的作品，无一不深刻地反映他本人内心深处的内涵。从这个意义上讲，米开朗基罗是用自身去塑造心灵上的追求。

    是否可以说，米开朗基罗创作的《摩西》是作者本人心目中所有美好形象的综合体。

    这样认为或许更确切。

    名画《查理四世一家》的含义是什么

    弗朗西斯科·戈雅是１８世纪末期，享誉全球的西班牙绘画大师。

    戈雅的画，其造诣深邃，技艺精湛，堪称世界艺术珍宝。

    西班牙国王查理四世，是个喜好他人阿谀奉承的家伙。当他见到戈雅创作的《查理四世一家》这幅画时，简直高兴至极，他马上授与戈雅为“宫廷第一画师”。

    明快和谐的光线，错落有致的布局，交相辉映的着装，各具神态的表情，尽显珠光宝气富丽堂皇。一幅惊世之作，博得查理四世国王的欢心，也给世人留下说不清道不尽的话题……

    前苏联学者阿尔巴托夫认为，《查理四世一家》这幅作品，是“戈雅以当时所绝无仅有的勇敢揭露着当代社会的沉疴痼疾。”

    美国艺术史学者托马斯史弟，在其《大画家传》一书中坦言：《查理四世一家》是“一幅衰微的王室的图画”。

    艺术家指出的戈雅的“画外之音”，查理四世国王及其家族却全然不知。就连那些嫉恨戈雅荣登“宫廷第一画师”宝座的幕僚们，也对此仅仅是忿忿不平而已。如果当时宫廷内有谁发现这幅画另有弦外之音的话，那戈雅恐怕就要引火烧身了。

    戈雅是否真有勇气抨击至高无上的君主？戈雅与查理四世及王族是否有深刻的矛盾？

    在世人的眼里，看不出《查理四世一家》这幅画对王室有什么不恭，更难以确定作品所包含的讽刺意义。

    大概只有戈雅自己才知道创作这幅画的真正意图，但他却始终没有说出来。

    包兹名作《报喜》是否赝品

    荷兰人迪利克·包兹，是１５世纪欧洲着名画家。他一生创作的大部作品，在其身后成了收藏家眼中的珍宝，也因市场价格不菲，倍受名画商的青睐。

    １８７２年，意大利米兰举办了一次名画展览，观众有幸一睹包兹的《报喜》、《复活》、《埋葬》等名作。

    此后一个世纪的时间，包兹的作品再未在市场露面。

    １９８５年，美国名画商人强斯，在他的拍卖商行拿出一幅包兹的油画《报喜》，一时间，人们对这幅包兹的名作是否赝品而议论纷纷。

    圈内权威人士塔瑞卡认为，强斯手上的名画《报喜》，是他人模仿包兹的画法而伪造的。

    塔瑞卡自称，他曾经见过一名意大利画匠画过《报喜》中的两个人物。其中一个是天使，一个是圣母玛丽亚。

    另据官方的一项调查，擅长修复旧画的画匠曾有机会接触到这一名画。如果是他从中作假还是相当方便的。

    就在人们怀疑强斯手上的《报喜》是赝品的时候，美国“盖蒂”艺术博物馆，竟然以六百万美金认购了《报喜》。这一惊人之举，在社会上引起轩然大波。

    “盖蒂”的行为对塔瑞卡等人无疑是个挑战。塔瑞卡跑到美国，想找回自己的面子。

    在“盖蒂”博物馆的化验室里，进行了一次辨别《报喜》真伪的科学鉴定。

    检验的初步结果，认定这幅油画是包兹的真迹。这一鉴定结果是依据同包兹另外一幅真迹作品比较后作出的结论。

    塔瑞卡等人对鉴定后的结论表示了异议。他们认为，仅从两幅作品比较中下断言是不准确的。尤其是在科学检验中，明显发现有几处的油彩是包兹那个时代不曾具有的。

    《报喜》是真迹还是赝品，在双方的争执中始终不清不白。

    着名雕塑《大卫》是谁创作的

    米开朗基罗是世界上最伟大的雕塑家之一，而雕像《大卫》就是他的一个杰出作品。

    米开朗基罗，１４７５年诞生在意大利的一个官员家庭。他刚生下来，由于母亲身体很弱，小米开朗基罗便被送到了一个村庄里，交给奶妈喂养。在奶妈家附近，有一个采石场，而奶妈的丈夫正是采石场的工人。当小米开朗基罗刚学会走路时，他就整天与石块、凿子为伴了。

    小米开朗基罗１０岁时，父亲将他送入学校念书。然而，此时艺术已经开始在小米开朗基罗的心里扎了根，他对父亲说：“我要做一个艺术家。”

    父亲大惊失色：“现在，艺术家的地位与劳工的地位差不多，你竟然想做艺术家！我决不允许！”尽管父亲强烈反对，但倔强的米开朗基罗还是迫使父亲将自己送到一个艺术家那里当学徒。

    米开朗基罗将精力集中在雕塑方面。经过专心的学习，１８岁时他就赢得了名气。后来，有人请他将一块巨大的大理石刻成一座雕像。在认真考察这块大理石时，米开朗基罗的心中已经有了初步的设想：塑一座大卫像。

    大卫是古代的一个英雄。相传，在大卫还是个放牧的少年时，一队敌军侵入了大卫的家乡。家乡的战士们奋起反抗，可是因为敌军的首领是一个很有力量的巨人，战士们无论怎样英勇，也没法将敌人击退。

    年轻的大卫也投入了战斗，他的任务是给战士们送饭。看到战士们难以抵挡巨人的袭击，大卫就提起巨石，向巨人掷去。巨石砸死了巨人，敌人大惊失色，只好逃跑了。

    想法明确之后，米开朗基罗就关上工作室的大门，全身心地投入了工作。在雕塑的过程中，他拒绝了一切拜访，只允许几个助手观看他的工作。

    经过４年的奋斗，一座高达５米半的宏伟塑像完成了。凡是见过大卫像的人，无不为塑像体格的完美、线条的流畅、神情的逼真所震撼。人们惊叹说：“这真是一件伟大的艺术品啊！”而雕像的创作者米开朗基罗，从此也成了名震世界的雕塑大师。

    中国舞蹈起源于劳动吗

    世界许多民族都有各具独特风格的舞蹈，中华民族也不例外。中国舞蹈已有几千年历史了，关于它的起源，各家说法不一。

    一种说法是起源于劳动。持此说者为数众多。权威性的大型工具书《辞海》中说：“舞蹈起源于劳动，与诗歌、音乐结合在一起，是人类历史上最早产生的艺术形式之一。”一些学者认为，我国古代劳动人民在丰富的生产实践中，自然会产生表达思想感情和社会生活的需求。如表达兴奋的情感时，便会不自觉地手舞足蹈；表达悲伤和悔恨的情感时，则捶胸顿足等等，久而久之，形成了一定的模式，民间舞蹈便应运而生。后来，有人对民间舞蹈进行加工、改造和提炼，创造了宫廷舞等其他舞蹈形式，最后形成专业舞蹈。

    另一种说法是产生于武术。持此说者认为，武术的起源是原始社会的狩猎活动和部落之间的械斗。为了提高狩猎效率，增强械斗实力，就要进行武术训练。这种训练形成套路之后，技艺娴熟者则应邀、奉命或自愿进行表演，供人欣赏。这种表演就成为中国舞蹈的前身。舜的时代，有一种《干戚舞》，舞者手持盾牌（干），举着斧头（戚）蹦蹦跳跳，它很形象地说明了中国舞蹈同武术的关系。在殷代，形成套路的武术开始演变为“戒”，据郭沫若考证“戒”是宗庙表演的乐舞。到了周代，周公旦吸收了《干戚舞》和《戒舞》的精华，创作了以武王伐纣为主题的《大武舞》，这是中国舞剧的雏形。

    还有一种说法是说产生于巫术。持此说者认为，春秋战国时期，民间流行一种“傩舞”，这种舞是民间巫师跳的。至汉代，“傩舞”传到宫廷，成为每年腊祭时表演的由一百三十多人参加的大型舞蹈。这种舞蹈直到建国初期在江西等地农村还很盛行。

    上述３种说法各据其理，令人难分真伪。

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