乐曲曲调也常常带有形象化、象征性等特征。音乐和声对位极为严正，和声色彩浓厚。调性系统的蓬勃发展，给音乐表现带来无限的变化可能，奠定了之后300年音乐的基础。
乐器发展也已经相当成熟，达到均衡完美的程度。巴洛克时代，歌剧和宗教音乐趋向大型化，戏剧化，器乐所占的地位越来越重要，产生了许多种重要的器乐演奏形态。
巴洛克时期的音乐家们，影响了后来古典乐派的创作，为古典乐派音乐的发展铺下了道路，甚至浪漫乐派时期的肖邦等人也都以巴赫的乐曲为蓝图进行创作。所以说，巴洛克音乐是古典乐派音乐的基础，也是浪漫乐派音乐的鼻祖。
吕利：专业化的宫廷乐师
国籍：意大利裔法国
生卒年：1632-1687
全名：让·巴普蒂斯特·吕利
职业：作曲家
代表作品：《阿尔西斯特》、《爱神与酒神的节日》、《法厄同》、《阿蒂斯》、《贵人迷》、《逼婚记》
生平简介：
生活离不开音乐，正如享受音乐的我们离不开创造音乐的人们——那些一生孜孜不倦致力于音乐创作的大师们。本书精选了世界上近50位著名的音乐大师，通过风趣幽默、通俗易懂的语言向读者展现了他们的生活和创作。
1632年11月28日，吕利出生于意大利的佛罗伦萨。他的父亲洛伦佐·鲁里是个磨坊主，母亲卡塔琳娜·迪·加布里埃洛·戴尔·塞尔瓦，是一位磨工的女儿。从童年起，他就开始跟随教堂里的修道士学习文化知识，弹奏吉他，并自学小提琴。后来，他还加入了一个流浪艺人的乐队，跟随着这些流浪艺人们做巡回演出。
1646年，一位名叫吉斯的公爵发现了这个14岁孩子身上所展现音乐天赋，于是将他带到了法国的巴黎。在巴黎，吕利成为了蒙庞西埃郡主身边的侍者。蒙庞西埃郡主是国王路易十四的堂姐，实力雄厚。在她的帮助下，吕利的音乐天分也得到了充分的发掘，开始学习演奏吉他、小提琴和伴舞，并有机会在尼古拉·梅特鲁门下学习音乐理论和作曲。
1652年，吕利进入法国国王路易十四的宫廷中服务。在这里，吕利开始崭露头角，他担任了宫廷的舞者，并专门为皇家晚宴谱写了一些芭蕾舞曲。这些作品使吕利得到了路易十四的青睐，旋即被任命为宫廷管弦乐团的作曲家，并担任了指挥。宫廷管弦乐团号称的“国王的二十四把小提琴”，对当时任何一位乐者来说，能够加入进去都已经是莫大的荣幸。但是，吕利厌倦了大乐团纪律松散等状况，他争得路易十四的支持，成立了自己的16人小提琴乐团，致力于提高乐队的演奏技巧和表现力。
17世纪50年代和60年代的时间里，吕利曾为路易十四谱写了大量的芭蕾舞曲，然后两个人经常在这些剧中扮演角色。其中1653年的《今夜芭蕾》，就是两人一起共舞的芭蕾作品。深得国王喜爱的吕利在1661年加入法国国籍，1662年又被任命为皇家乐长。1664年，与著名剧作家莫里哀合作创作戏剧，写了《被强迫的婚姻》、《爱情医生》、《中产阶级绅士》等一系列芭蕾喜剧音乐，获得了巨大的成功。
随着年龄的增长，路易十四已经不能像从前一样翩翩起舞了，他对芭蕾的兴趣随之逐渐减弱。于是，吕利的创作投向了歌剧领域。1671年，他曾为莫里哀和高乃依的悲喜剧《普叙赫》配乐，并尝试着将它创作成为不带朗诵调的歌剧，几年之后，又将它改编为正式的歌剧。1672年，他买下佩兰的皇家音乐学院（即后来的巴黎歌剧院）。在剧院的开幕式上，演出了他的田园剧《爱神和酒神的节日》，1673年又上演了他的《卡德摩斯与赫耳弥俄涅》，这是法国歌剧史上第一部抒情悲剧。在国王的支持下，之后几乎每年他都会有一部歌剧在剧院上演。
吕利是著名的同性恋者，虽然早在1662年就娶了他的蒙庞西埃郡主的乐长米歇尔·朗贝尔之女玛德莲·朗贝尔为妻，还生了10个子女，但是在事业顶峰时期，却到处宣扬他和男侍童的特殊关系。这些男男女女之间的混乱关系，使他名誉大损，甚至有些传闻都进入到国王的耳朵里。但是吕利还是有办法能够凭借杰出的音乐博回国王的欢心，成为国王的心腹重臣。1681年，他被国王任命为宫廷大臣，并册封为贵族，改了名字叫做让·巴普蒂斯特·吕利，国王又赐他名号为“德·吕利先生”。这样的风光一直持续到了他生命的最后。1686年，吕利完成了两部杰出歌剧《阿尔米德》和《阿西斯与伽拉忒亚》，去世前还与莫里哀合作完成了芭蕾舞剧《贵人迷》。
1687年，为了庆祝国王手术康复，宫廷特别举办了一次演出，吕利更是不遗余力地指挥彩排。但不料，在指挥150人彩排演出《感恩赞》时，被自己指挥用的手杖砸伤了脚趾，而引起了坏血病。吕利不肯进行切除脚趾的手术，结果坏疽迅速扩散，在1687年3月22日去世。他的最后一部歌剧《阿基里斯和波利聂利》，成为没有完成的绝笔。即使是病入膏肓的时候，吕利也没有放弃创作，留下了一部叫做《罪人，你终将走向死亡！》的作品。
主要成就：
吕利本身是意大利人，但是他一生的大部分时间都在为法国国王路易十四的宫廷作曲，这样的身份使他能够控制当时的整个法国音乐生活。在宫廷舞曲方面，吕利颇有建树。吕利对当时法国的宫廷舞曲产生了翻天覆地的变革。自从与莫里哀邂逅，两人共同开创了“戏剧芭蕾”，将芭蕾大量运用于歌剧，让轻快活泼的芭蕾舞曲取代了原来缓慢庄重的宫廷舞曲。
他使法国歌剧摆脱了意大利歌剧的束缚，开创了法国歌剧形式。他的歌剧里，不再刻意强调咏叹调，而是采用了更适合法语发音的宣叙调。他还发展了经文歌以及正规的“法国序曲”，开创了具有法国特色的“矫饰”风格，对当时的欧洲音乐具有巨大影响，这种影响甚至持续到后世的巴赫等作曲家。
为了适应法国听众的品位，他摒弃了原来的不适合法语的意大利风格歌剧，没有了意大利歌剧中背诵式的技术和咏叹调，加快了歌剧的叙事进度，采用了与意大利歌剧序曲相反的“慢——快——慢”法国式序曲，开场时都有一首序曲，这首序曲由带有附点节奏的慢乐段和一个快的赋格乐段组成。序曲之后进行一段牧歌似的开场白，并配上舞蹈以吸引观众的注意力，与此同时，让演员用带有夸张风格的朗诵调高声朗诵歌颂国王功德的诗句，然后是配乐悲剧表演。为了显示有“太阳王”之称的路易十四的君权至上，吕利的歌剧题材大多取自于希腊神话传说，主题往往是爱情或者奇遇。此外，为了更符合法国人的观赏习惯，吕利的歌剧中加入了芭蕾舞，演出服装也极其繁复华丽，并重点出土了合唱的重要地位。这些特点，开创了法国歌剧的新风格，成为新形式的“法国歌剧”，一扫意大利歌剧朗诵调的枯燥乏味。
《阿尔米德》被誉为吕利一生之中最为辉煌的成果。歌剧序曲气势巍峨，具有典型的法国风格，具有极强的表现力和跌宕起伏的戏剧性，显示出成熟的法国歌剧模式。它取材于塔索的史诗《被解放的耶路撒冷》，讲述异教女巫师阿尔米德爱上十字军骑士雷纳多，施展魔法使他爱上自己，而最后以悲剧收场的故事，反映了“智慧”与“荣耀”——胜利超越软弱的爱情——这样一个抽象的主题。
剧中有很多充满想象力的场景，其中最著名场景之一就是雷纳多在牧场河边沉睡的场面，利用了加弱音器的小提琴，演奏低语般的音乐，营造了迷人的气氛。同时，通过演唱者的宣叙调生动了展现了对阿尔米德狂热爱情的描写，从强烈执着，到沮丧绝望，再到愤懑怨恨，细致入微地刻画了角色各种丰富情感的变化。
他的另一歌剧《法厄同》，取材来自奥维德的《变形记》。讲述太阳神福玻斯的儿子法厄同，在自己能量不够强大的前提下，不顾父亲的劝阻，执意要驾着父亲的太阳车，在天空飞行逐日，结果最终被烈焰吞噬的故事。在音乐方面十分招人喜爱。
他与莫里哀合作的《贵人迷》，讲述了这样一个故事：以布料生意发家的儒尔丹先生，希望自己能够有文化，能够有优雅的姿态，高雅的举止，渴望在社会地位上得到晋升，成为贵族。故事通过荒诞色调的音乐对这种虚荣心进行了辛辣的嘲讽，这是当时第一部“音乐喜剧”，将舞蹈和音乐进行了有效地整合，让观众置身于滑稽当中。
除歌剧、舞剧作品外，吕利还有嬉游曲、宗教音乐和器乐组曲等创作。吕利的音乐以力量著称，通奏低音成为音乐的主要构成部分。快速的乐章闪现着光辉，灿烂活泼，充满活力；而哀伤的乐章之中蕴含深刻的情感。他最著名的作品包含了帕萨卡利卡舞曲、恰空舞曲等优雅的舞曲乐章。《求主怜悯》则是他为当时一位大臣的葬礼而作的曲子，被认为是一部天才鬼马之作，得到极大地赞誉。虽然吕利没有创作过大型宗教作品，但他创作的小型宗教作品也获得了较高的评价，使他成为巴洛克时期优秀的音乐家。
巴哈贝尔：300年魅力不减
国籍：德国
生卒年：1653-1706
全名：约翰·巴哈贝尔
职业：管风琴家、作曲家
代表作品：《D大调卡农》
生平简介：
约翰·巴哈贝尔，于1653年出生于德国的纽伦堡。童年时期，巴哈贝尔就早早地展露出对音乐强烈地兴趣。他早年就读于圣洛伦兹高等学校，跟随施韦默尔和魏克两人学习作曲和器乐演奏。1669年6月29日，进入阿尔道夫学校接受系统的音乐教育，并在圣洛伦兹教堂担任管风琴师。但短短一年之后，巴哈贝尔就因负担不起学费而被迫辍学，终止了大学教育。
但他的音乐天赋终究没有被埋没，因为在学术知识上所展露的天分，使得巴哈贝尔于第二年的春天便被选入雷根斯堡的一所学校，继续接受学者方面的训练。更因为他在音乐上表现出来的天赋，得以同时跟随普伦茨学习作曲。在普伦茨的影响下，巴哈贝尔的音乐风格逐渐由原来的北德风格转向意大利风格。
1673年，巴哈贝尔追随老师普伦茨前往维也纳。在那里，巴哈贝尔成为圣斯蒂芬大教堂管风琴师克尔的学生和助手，并有机会接触到南德和意大利等地的诸多天主教作曲家所创作的宗教音乐作品。1677年，巴哈贝尔又来到了爱森纳赫，担任了一年的宫廷管风琴师。爱森纳赫是公爵爱森纳赫即约翰·乔治王子的辖地，也是德国音乐的故乡。
1678年巴哈贝尔来到了爱尔福特，在普雷迪格教堂担任管风琴师。教堂对管风琴师有着严格要求，除了要为新教门徒演唱圣歌时提供伴奏和前奏曲之外，不能有乱弹和即兴创作。但是，每天都会有一场精致的演奏会，让管风琴师们能够将弹奏心得和技术得到尽情展现。于是，巴哈贝尔的管风琴技术得到了充分发挥，发表了许多重要的作品，奠定了他成为巴洛克乐派杰出管风琴家的声望。在那里，巴哈贝尔认识了J.S.巴赫的父亲，因为他曾经在爱森纳赫居住，两人很快熟识起来。不久，巴哈贝尔就担任了J.S.巴赫的哥哥J.C.巴赫的音乐老师，教授音乐知识。在J.S.巴赫的双亲去世后，J.C.巴赫就成为J.S.巴赫的监护人，并负责教授J.S.巴赫的音乐。因此，巴哈贝尔和J.S.巴赫之间也有颇深的渊源。
1681年，28岁的巴哈贝尔拥有了第一次婚姻，新娘是芭芭拉·盖布勒，但两年后芭芭拉便与他们的儿子患瘟疫而死。巴哈贝尔悲恸不已，他写下了不朽名作《卡农》以悼念亡故的妻子和孩子。1684年，巴哈贝尔再娶茱笛丝卓默，两人共有七名子女。
1690年之后，巴哈贝尔来到了斯图加特的伍腾堡宫廷。斯图加特是玛德莲娜女爵的辖地，为他提供了很多专业上的自由度。但好景不长，1692年，法军铁蹄入侵，巴哈贝尔只得返回故乡纽伦堡，又辗转来到了戈塔。这时，圣塞巴德教堂的原任风琴师，也就是巴哈贝尔的启蒙老师魏克过世，巴哈贝尔便接任老师之职位，一直在这里度完了余生。在纽伦堡期间，巴哈贝尔写下了《感恩赞歌》等重要的宗教合唱曲和管风琴赋格。这些作品成为了他的晚年代表作。
主要成就：
巴哈贝尔是德国巴洛克时代后期的杰出音乐家，他所创作的管风琴和键盘音乐得到了世人极大的肯定，在新教宗教音乐创作方面造诣颇高。只可惜他的许多作品都未能得到妥善保存，鲜有作品流传于后世。但是，他所创作的《Canon and Gigue in D major for 3violins and Basso Continuo》，即《D大调卡农》，却亘古流传，300年后魅力依然不减。
卡农，不是一首曲名，而是一种曲式，是复调音乐的一种。“卡农”原意是“规律”，字面上是“轮唱”的意思，同一旋律以同度或五度等不同的高度在各声部先后出现，造成此起彼落连续不断地模仿，严格的模仿对位。第一次出现的声部称“起句”，相隔一小节或两小节后出现的重复声部称“应句”。几个声部的旋律依次出现，交叠进行，互相模仿，互相追随，绵延不断。用卡农手法写成的乐曲便被成为“卡农曲”，声乐曲中的“轮唱”也是“卡农曲”的一种。十三、四世纪便出现了这种形式的乐曲。
巴哈贝尔的卡农大约是在1678至1690年之间创作的。有人认为，这个曲子是巴哈贝尔在1680年前后为纪念死于瘟疫的第一任妻子和孩子而创作的一组音乐中的一首变奏曲。乐曲一开始由低音乐器奏出两小节八个低音，接下来有三部小提琴依次出现，低音乐器从头到尾重覆了二十八次同样八个音。一般在这一个曲子之后，还会附加上一首轻快的乐曲Gigue（吉格舞曲来演出）。
这首回旋曲曲式的乐曲，有无穷灵动的元素在里面。带着一丝意大利式的甜蜜宁静的忧伤。婉转的曲调却并不悲痛，似在诉说雨后一尘不染的天空，悠远、纯净，让人心情舒畅，百听不厌，无论何时，都能让人的心灵得到平静。这首曲子注重对位和编排，使人联想到自然、数学公式等演绎的方式，有一种永无止境的理性美感，给人以平和和鼓舞，所以又被称为“人类理性在音乐上的代表作”。
300年后，《D大调卡农》魅力依旧，一再为影视作品借用，不仅成为现代人最喜爱的器乐小品，也成为电影电视广告配乐的常客。电影《凡夫俗子》用它作为配乐，电影《我的野蛮女友》用它穿插在场景之中，动画《金色琴弦》中也出现了这首曲子。潘婷泰国励志广告也运用了这首经典曲目，简单明了而又不会觉得单调，层次丰富，旋律灵动，在历史的长河中魅力永不衰减。
普赛尔：不列颠的奥尔甫斯
国籍：英国
生卒年：1659-1695
全名：亨利·普赛尔
职业：作曲家、管风琴演奏家
代表作品：《狄朵与埃里阿斯》、《女先知》、《亚瑟王》、《暴风雨》
生平简介：
在希腊神话中，奥尔普斯是一位与音乐有着密切关联的人物。他的父亲是太阳神兼音乐之神阿波罗，母亲是司管艺术的缪斯女神卡利俄帕。传说中他首创了诗歌和音乐，有着与生俱来的非凡艺术才能。他的音乐有着不可抗拒的魅力，他的琴声能够让洪水猛兽为之倾倒驯服。奥尔普斯曾凭借琴声的魅力，成功制服了巨龙，帮助伊阿宋取得金羊毛。用自己神奇而美妙的歌声战胜了海妖赛壬，使同伴们能够安全地通过海妖控制的海域。他的妻子欧里狄克死后，他思念不已，追随到冥府，依靠音乐的魅力驯服了冥府神兽三头狗克尔柏罗斯，感动了冥后克尔柏罗斯。
可以说，奥尔普斯就是音乐神祗的化身和代表。而在人间，也有这样一位音乐奇才。他，便是被誉为“英国的奥尔普斯”的普赛尔。
普赛尔的父亲托马斯·普赛尔是英国国王御前乐师，少年时期的普赛尔就显现出他的音乐才华，10岁的年纪就在皇室教堂唱诗班当歌童，并成为著名音乐家汉弗莱与布洛的弟子，跟随他们学习音乐。一直到1673年，他的嗓子因歌唱受损而不得不终止。于是，他转任皇室乐器保管员约翰·亨杰斯顿的助手。1677年，开始为24名弦乐手组成的国王专用小提琴队作曲。1679年，普赛尔担任威斯敏斯特教堂的管风琴师。
现存可以追溯的最早作品可以到1680年。那时候起，他便开始创作长系列的《迎宾颂歌》以及为各种皇家场合演唱而准备的合唱曲，为皇家教堂创作三重奏鸣曲。之后，普赛尔的人生开始发生了变化。他建立了自己的家庭，并开始写作歌剧音乐，为当时伦敦的各大剧院创作戏剧配乐。1682年他被任命为皇室乐队的管风琴师，1683年又任职为国王的乐器管理员。1689年，他为切尔西一所女校创作了一部意大利式小型歌剧《狄多与埃涅阿斯》，这部歌剧描写了迦太基女皇狄多和特洛伊王子埃涅阿斯的爱情故事，展现了高度紧张的戏剧冲突。
17世纪初，英国宫廷和社交场所曾经盛行一种源自意大利和法国宫廷的假面剧，它综合诗歌、舞蹈、声乐与器乐多种艺术形式，并承袭16世纪上半叶唱诗班歌童音乐剧的传统，逐渐演变为复杂的宫廷娱乐形式。普塞尔的假面剧创作《亚瑟王》，便是摒弃意大利模式，并结合法国芭蕾喜剧特色，将音乐与对白形式融合的新型歌剧。他还通过《戴克里先》、《仙后》等剧的配乐，显示出独特的用音乐刻画激情的天赋，“不列颠的奥尔甫斯”由此而得名。
1685年，他为国王詹姆斯二世的加冕典礼演奏管风琴音乐，他的作品也在典礼上得到演出。之后，1689年威廉姆三世的加冕礼上，他又获得了演出的机会。最后一次为皇室演奏的机会是在皇后玛丽的葬礼上。之后，他便在突然之间感染了风寒，被迫卧床，健康开始恶化，结果一病不起，两个星期之后猝死身亡。去世的那天，他的遗嘱要求将他的房地产全部留给他“亲爱的妻子弗朗西斯”。1695年11月26日，普赛尔被埋葬在他供职一生的威斯敏斯特大教堂。可以说，普赛尔的一生几乎都是在威斯敏斯特教堂当中度过的。
主要成就：
普塞尔是巴洛克时期最伟大的作曲家之一，也是英国最伟大的作曲家之一。他在英国的音乐史上占据了及其重要而特殊的地位，他象征着英国音乐所达到的显赫地位。在他之前，英国音乐已经步入了黄金时代，而由他开始，英国音乐则达到了鼎盛时期。普塞尔被形象地比拟为英国音乐金字塔的塔尖，他的作品将英国的民族风格发挥到了极致。
普赛尔的创作涉足内容十分丰富，他吸收借鉴了法国音乐特点，创作出了独特的英国巴洛克音乐风格。在他短暂的一生中，创作了大量的器乐，歌剧，戏剧配乐、教堂音乐、宫廷颂歌和宗教歌曲、民俗歌曲等。
普赛尔以创作弦乐幻想曲而成名，他所创作的作重要的作品便包括为弦乐创作的15首幻想曲、颂歌和赞美诗。他自己说，他的器乐曲“是对有声望的意大利大师们的一种模仿”。普赛尔的八首羽管键琴，阿勒曼德舞曲和库朗特舞曲，在组曲中，他会加融入英国的舞曲，意大利小步舞曲，咏叹调或幻想曲，有时又会添加布列舞曲和加沃特舞曲等。他的组曲，每个乐章都会出现2-3个声部，形式简单，和声传统，但在装饰音的使用方面，他已经大大超过了巴洛克时期的维吉那学派，多达7种装饰音。
普赛尔对戏剧也有着独到的敏锐感觉，共创作49部音乐戏剧。这些作品综合了英国假面剧、诗歌、戏剧、舞蹈、民间歌曲等多种形式。
《亚瑟王》是一部由独唱、合唱和乐团合演的歌剧，并且是一部围绕爱情和战争的魔幻歌剧。取材来自于英国的传说，讲述了亚瑟王用武力抵御入侵英国的外族撒克逊人，成功统一了古英国的故事。全剧采用了17世纪末英国独有的半歌剧形式演出，用音乐与口语对话贯穿全剧。
歌剧《狄多与埃涅阿斯》的剧情来自于古罗马诗人维吉尔的诗篇，讲述了古希腊传说中的一段故事：特洛伊战争之后，王子埃涅阿斯在迦太基避难，与迦太基的狄多女王相爱。但神的旨意要求埃涅阿斯回国去重建家园。埃涅阿斯不得已之下抛狄多而去，导致狄多心碎而自尽。狄多女王临死前所唱的《当我被埋在地下》平静、庄重，是一首哀婉动人的著名唱段。这部歌剧的全长不到1个小时，但是在西方歌剧史上，却成为一个重要的里程碑。
《仙后》是普塞尔于1692年创作的一部假面剧，也叫做“半歌剧”，取材于莎士比亚的戏剧《仲夏夜之梦》中的部分情节。这是一部运用了道白的戏剧，其中有序曲、幕间曲和很长的芭蕾舞。迷人的旋律、优美的芭蕾，成为歌剧最吸引人的地方。
作为一位作曲家，普赛尔的才华可能是晚熟的，但是他那以音乐刻画激情的天赋，被比作希腊神话中琴声能使猛兽俯首、顽石起舞的诗人和歌手，称为“不列颠的奥尔甫斯”。1876年成立的普赛尔协会开始整理、编辑出版的他的作品全集，到1965年，共出版了32卷。
库普兰：法国键盘音乐之父
国籍：法国
生卒年：1668-1733
全名：弗朗索瓦·库普兰
职业：作曲家、羽管键琴家、管风琴家
代表作品：《羽管键琴曲集》（四卷）、《莫尼克小姐》、《收割者》、《蝴蝶》、《羽管键琴演奏法》
生平简介：
与德国的巴赫家族相似，法国的库普兰也是一个典型的音乐家族。他的家族对法国的音乐界的影响力长达200年，甚至比肯尼迪家族对美国政界的影响力还大。15-19世纪，库普兰家族相继出现了好几位杰出的音乐家，其中最优秀的便是弗朗索瓦·库普兰，他被人们誉为“大库普兰”。
库普兰出身于管风琴之家，伯父是巴黎圣热尔韦教堂的管风琴师。1661年，父亲夏尔·库伯兰接任了这一职位。库普兰最初的音乐启蒙导师便是其父亲。父亲去世之后，教堂管风琴师一职便由拉朗德接替。圣雅各教堂著名的管风琴手、国王的管风琴师雅克·托梅兰照顾了年纪尚小的库普兰，成了他的“第二个父亲”。同时，圣热尔韦教堂委员会同意他18岁时继承其父的职位，以确保到时能接任拉朗德为教堂演奏。由于拉朗德在巴黎的其他两个教堂中也有职位，所以在过渡期间，10岁的库普兰就开始代理拉朗德演奏。1683年，拉朗德成为皇家教堂兼职学监。虽然没有得到正式任命，但是此时，16岁的库普兰已经成为圣热尔韦教堂的全职管风琴师。
1685年，已满18岁的库普兰正式接任了圣热尔韦教堂管风琴师一职，并约定从1685年11月1日至正式签订契约为止，圣热尔韦教堂委员每年都给库普兰八百里弗尔的薪酬。
1689年，在家庭的安排下，他与玛丽·安妮·昂索结婚。妻子的家庭与商界有着重要的联系，库普兰也随之从中获益不少。婚后那年，库普兰得到了首个皇家特许，可以印制和出售他的音乐作品。这一许可六年有效。在老师拉朗德的帮助和支持下，库普兰于1690年发表了第一部《管风琴曲集》，其中包括两首管风琴弥撒。最初的《管风琴曲集》现存只有一个副本，以原稿的形式保存，在题名页标记着“批准”和“特许”的字样。该曲集里的管风琴作品是已知的库普兰所写的最初的，也是最后的管风琴作品。
1693年12月26日，库普兰被任命为国王风琴师，并获得了路易十四“御前管风琴师”之称。进入宫廷不久，库普兰就开始教一些王室成员羽管键琴，在1694年担任皇家大键琴教师，教授皇家儿童。仅用力3年时间，他就得到了自己的贵族勋章。1702年又得到了更大的荣誉，被封为爵士。
宫廷生活的初始阶段后，库普兰的活动更为多样。1700-1717年，他担任了凡尔赛宫的大键琴师，开始参加一些地方举行的音乐会，在巴黎和凡尔赛之间繁忙地奔走。在这一时期，库普兰被认为是当时最重要的作曲家，赢得了同代人的羡慕，人们争相把他作为作品题献的对象。1717年，库普兰成为国王的羽管键琴师，要为每个星期日的“音乐会”准备室内乐，以及王室教堂使用的宗教音乐。
18世纪初，库普兰还从事着羽管键琴音乐的创作。1713年，他又取得了20年的印制许可。于是，在1716年出版了著名的《羽管键琴演奏法》，详细讲解了演奏时应用的指法、触键方法和装饰音弹法等，《哈普西科德曲集》也从这一年起陆续出版。1722年和1730年，他的第三和第四本羽管键琴的书出版。1726年，他发表了小提琴和羽管键琴演奏的四首组曲《国民》。在他第四本羽管键琴书的前言中，库普兰写到他的健康状况“每况愈下”。同年，他放弃了宫廷的委任。1733年9月11日逝世于巴黎。
逝世前不久，库普兰用新的10年许可来印行他余下的作品。他的作品涉猎范围广泛，有弥撒曲、经文歌、康塔塔、室内乐等，还写过许多带标题、非组曲结构的小品，立意鲜明，风格清新流畅，具有法国宫廷艺术典雅、细腻、精美、灵巧的趣味。
主要成就：
库普兰是法国键盘音乐之父，同时也是法国巴洛克时期重要的艺术家，拨弦钢琴音乐家。他的作品包括了4册的拨弦古钢琴曲，大约有230首，此外还有40多首管风琴曲，一些宗教声乐作品和室内乐作品。他的古钢琴曲多为标题性乐曲，内容大多与凡尔赛宫廷的生活相关，或者描绘的风景、人物肖像等。他的作品深入人的内心世界，对人的心理刻画细腻。
他将意大利的三重奏鸣曲形式引入法国，将独特的感受能力溶于器乐表演当中。他的《风格汇集》曲集及在两首《“典范”奏鸣曲》中，就采用了意大利奏鸣曲的外在形式，加强了对音乐的构思，保留了一贯的器乐风格，同时遵循了法国艺术的基础规范，形成了一个自然流畅的简朴旋律和丰富多样的和声的结合。所以后来的法国作曲家德彪西和拉威尔，都称他具有“法国音乐气质的最纯粹和最典型的表现”。
库普兰在键盘装饰音的使用上下了很大工夫。库普兰的羽管键琴音乐在国内外都有很大的影响力。倾毕生精力而创作的《羽管键琴曲集》是他最具影响力的作品。这套曲集共4卷27套组曲，每一套组曲都由同一调性的舞曲组成，而每首曲子都会带有一个充满诗意的标题。著名的《蝴蝶》就是第二组曲中的一首，鲜明的转调表现蝴蝶飞舞的意境。此外还有《闹钟》、《飘动的发带》、《芦苇》、《恋爱中的黄莺》等等。这些作品表现了库普兰的音乐才能和旋律方面的天赋，其丰富的思路可是说是18世纪法国音乐界的翘楚。曲子包含了各种内容，旋律新颖富含意境，回旋曲式形成了对比效果，更加生动地展现了所描绘事物的形象。
库普兰的大键琴曲以优雅华贵的风格著称，提起他的作品，人们往往采用的辞藻是“温柔的”、“有修养的”、“诗意的”，他的音乐精致、细腻、小巧，又有宫廷版的装饰性风格。这种风格对后世的理查·施特劳斯、勃拉姆斯等浪漫派音乐家都有重要的影响，理查·施特劳斯就曾经改编过库普兰的羽管键琴作品，在《嬉游曲》中也选用了他的一些音乐元素。
库普兰具有坚实的对位技艺，不仅对巴赫的键盘音乐产生过重大影响，而且也深深影响了德彪西等后来现代印象派音乐。德彪西等人在其《库普兰之墓》中对库普兰的清澈、平衡和精致的风格进行了公开的颂扬。
《管风琴曲》是库普兰古典管风琴的顶点之作，显现出了他坚实的作曲技术，其中包含了两首弥撒曲，展现了时而深刻内敛时而奔放热情的旋律线。三部曲式作品《c大调弥撒》则充分利用了冗长的礼拜仪式，展现出法国特色的华丽的序曲。
维瓦尔第：红发神父
国籍：意大利
生卒年：1678-1741
全名：安东尼奥·维瓦尔第
职业：神父，作曲家，小提琴演奏家
代表作品：《四季》《和声的灵感》《里拉琴》《奥托尼在维拉》
生平简介：
1678年，维瓦尔第出生在威尼斯一个普通乐师的家庭里。父亲乔瓦尼·巴蒂斯塔·维瓦尔第是圣马可大教堂一位职业小提琴师。那时的威尼斯已经是欧洲的音乐中心之一，空气中到处都飘荡着灵动的音符和优美的旋律，船夫嘹亮的歌喉可以同歌剧院里专业的优秀歌手相媲美，王公贵族府邸丝竹之声不绝如缕。乔瓦尼凭借西西里亚联会会员的身份，在威尼斯的音乐界迅速声名鹊起，成为一名出色的小提琴家。
在这样浓郁的文化氛围里，维瓦尔第从小随父亲学习小提琴，早早地便显示出不输其父非凡的音乐才能，10岁年纪就能代替父亲在教堂里进行演奏。在18世纪初，有一本威尼斯来由手册中出现这样的字句：“……最佳小提琴手巴蒂斯特·维瓦尔第和他的儿子安东尼奥·维瓦尔第”。
15岁时，维瓦尔第便接受了剃发仪式，但这时还没有成为神父，可能当时他的目的只是为了稍微提高一下自己的社会地位。18岁时，维瓦尔第接受了更高一级的圣职——副助祭，这才立下心当神职人员。他在附近的两个教区接受了神职教育。
1703年，25岁的维瓦尔第开始接受神职，两年后因身体原因离职。维瓦尔第因长着一头红发，被称为“红发神父”。在威尼斯，如果提起维瓦尔第，有人可能不认识，但是如果说到“红发神父”，那便无人不知无人不晓。在30多年时间里，维瓦尔第先后数次在威尼斯仁爱教养院任职，担任过指挥、作曲家、音乐教师、音乐总监。在维瓦尔第的悉心指导下，仁爱院乐队和唱诗班的水平蒸蒸日上，他本人作为一个作曲家和小提琴演奏家的声望也越过了阿尔卑斯山，传到了山的那端。期间，一些爱好音乐的贵族们便跋山涉水千里迢迢来到威尼斯，聆听维瓦尔第的演奏。
维瓦尔第的主要职责是为仁爱教养院举办的音乐会提供大量新作品，包括清唱剧和协奏曲。由于这类音乐会频频举行，需要的作品数量庞大，更新速度也必须很快才能适应需求。因此，维瓦尔第再一次展现了他惊人的创作速度。据说他写一部歌剧只需5天时间，而写一首协奏曲的速度竟比抄谱员誊写分谱的速度还要快。威尼斯有四家类似的教养院，而以仁爱教养院的演出最受欢迎，也最为精彩。
在维瓦尔第任教几十年的岁月里，大量音乐作品源源不断地从他的鹅毛笔端流淌出来，最出色的还是他的器乐作品。他一生写了近500首协奏曲和73首奏鸣曲，其中相当一部分在他在世时就出版了。在威尼斯发表过两部奏鸣曲集，分别是1705年发表的12首三重奏鸣曲和1709年的12首小提琴奏鸣曲。之后，维瓦尔第在1711年发表了协奏曲集《和声的灵感》，这部作品为他赢得了欧洲范围内的名声。直到1729年他共写有12部曲集，第三部之后的作品都在阿姆斯特丹印制。其中最著名的是1725年的《和声与创作之争》，当中前四首即是著名的《四季》。另外，其中的第五首《海上风暴》、第六首《愉悦》和第十首《狩猎》带有浓郁的巴洛克风格，意境深远，也是非常美妙的曲子。
1713年，维瓦尔第完成了第一部歌剧《奥托尼在维拉》。从此他似乎想往歌剧的方向发展，但是他一生所创作的近50多部歌剧中，存世的只有21部。所以，人们更为欣赏的是他的协奏曲。
1718年，维瓦尔第迁移到曼图亚，担任音乐会主持并创作歌剧。1721年，多次在罗马逗留，两次在教宗面前演奏，因此赢得了大量的歌剧和宗教音乐的委托。1726年他以圣安格洛剧院音乐总监的身份返回威尼斯。这一次，身为作曲家和提琴演奏家的他重新赢得了全欧洲人的敬仰。
18世纪中叶，欧洲音乐正经历著一次巨大的变革，巴罗克时代复杂费解的复调音乐正逐渐被单纯自然的主调音乐所取代，而维瓦尔第也遭受到了前所未有的挑战。1728年，维瓦尔第似乎已经开始“反击”，他出版了第9部曲集《里拉琴》。比起贵族化风格的作品来说，他更有自由民的思想，有些早期古典主义的风格。1730年左右，维瓦尔第在风格上进行了更彻底的变化，将从前的巴洛克风格转向优雅，但似乎不怎么成功，听众们渐渐对他的音乐失去了兴趣。1730年，维瓦尔第出版最后两集协奏曲作品，这两部作品的风格已经趋向于保守。
1739年以后，维瓦尔第在威尼斯已无法继续他的事业，打算决定离开威尼斯。在他动身之前，卖掉了他大部分的协奏曲作品和宗教乐谱，作为维瓦尔第本人最后离开旅行的路费。对他来说，可能这次旅行就是最后的一次赌博。维瓦尔第于1741年抵达维也纳，投奔早年听过他演奏并很赏识他的查理六世皇帝。可在1740年10月这位爱好音乐的皇帝就去世了。失去了依靠的维瓦尔第穷困潦倒，一病不起，1741年7月28日，死于维也纳。他死去的当天，就被草草埋葬在圣查尔斯教堂的贫民公墓里。
主要成就：
由于意大利从文艺复兴以来积淀了深厚的人文主义传统，因此维瓦尔第虽然身为神职人员，但是在作品里并没有太多的神迹，反倒经常洋溢著清纯蓬勃的气息，就像亚平宁半岛的煦暖阳光一样，给人带来温暖和快乐。维瓦尔第大胆地进行试验和创新，以他火热的性格、娴熟的技巧、清新的构思、独特的手法创作了大量乐曲，对器乐体裁，特别是协奏曲的发展做出了巨大贡献，他的协奏曲几乎囊括了当时所有的主流乐器的组合。他的天才创作大大丰富了协奏曲的表现手法，其小提琴高把位的运用也为日后的炫技技术的发展作了铺垫。
维瓦尔第近500部协奏曲中，有超过241部是为小提琴独奏而写的。另外，他对巴松管也有着浓厚的兴趣，写有39部协奏曲。其他则是为不同的木管乐器创作的乐曲，少部分为大提琴而写的，其中还有为抒情维奥尔琴或曼陀林而写的乐曲。他协奏曲很多要求一把或多把小提琴独奏，大约70部协奏曲是为两把或多把小提琴独奏而写的，组合多样，甚至在协奏曲中将独奏组扩展到16人的规模。
维瓦尔第将独奏协奏曲变成了巴洛克音乐的最佳表现形式，他还使三乐章作品走向成熟。在快速的开始或终末乐章，独创性地引入了重复乐段，让乐队不停地重复一个音乐桥段，每次转换成不同乐器，乐曲都显得自由而且多角度。维瓦尔第作品中的慢乐章则以悠扬如歌的旋律著称。此外，他还有55部的伴奏协奏曲（无独奏协奏曲）和近21部室内协奏曲（无乐队协奏曲）。这些作品都可以反映出维瓦尔第对协奏曲这种形式的多番尝试。因此后世也有人将他称为“协奏曲之父”。
1710年起，维瓦尔第开始写歌剧。他的歌剧传世的仅有21部，但是他的歌剧是当时威尼斯剧院中上演频率最高的，并在佛罗伦萨、费拉拉、罗马、维罗纳等城市享有声誉。除了歌剧以外，他还创作了大量的康塔塔、清唱剧和经文歌。
维瓦尔第的影响力不但集中在北意大利，甚至远在德国的音乐家也对他钦佩有加。约翰·乔治·匹森德在宫廷中就应用了维瓦尔第的技术。早在魏玛时期，约翰·塞巴斯蒂安·巴赫就曾改变过他的几部协奏曲，维瓦尔第清纯甜美的意大利风格对巴赫音乐风格的形成也产生了不小的影响，使其向更深层次发展。此外，巴赫还改编了维瓦尔第的作品用于羽管键琴和管风琴演奏，在巴赫后来的《勃兰登堡协奏曲》里，也有维瓦尔第的影子。
维瓦尔第作品的风格，具有火一样的热情和辉煌的色彩。但是，在他去世后的100多年时间里，他的名声沉寂下来，他的作品逐渐被人遗忘。直到20世纪中叶，人们开始重新认识巴洛克音乐，才又对他的音乐感兴趣。他的大批乐谱在故纸堆中尘封多年后重见天日，让人们可以欣赏到这些200年前回响在欧洲大地上的动人篇章。直到今天，他的《四季》以及一些弥撒曲还是很受欢迎，而且是经常被演奏的曲目，音乐魅力也越来越多地被揭示出来。
《四季》是维瓦尔第的代表作，是颇有新意的标题音乐，因此表达方式上更加自由。草木荣枯，冬去春来，世间万事万物，似乎都有可以描摹的形态，唯有时光，四时更迭的季节，自顾自地行走，不可捉摸，难以触及。但是，时光依然留有印象，它的所过之处，大自然便展现出了四季轮回。维瓦尔第借助音律的玄妙，用令人振奋的节奏，给世人绘出了听觉中的四季，纵是音乐，也画意盎然，让人体会到四季的壮美影子。
《四季》当中，《春》的主题华丽洒脱，轻快愉悦的旋律，仿佛春天的活泼俏绿。春回大地，万物复苏，鸟儿欢唱，林叶婆娑。独奏小提琴用优美恬静的旋律展现了一派静谧悠闲的田园风光。阳光下，乡间里，春光明媚，快乐的气氛中，弦乐器渲染出舞曲的情绪。回旋曲形式写成，其主要主题华丽而洒脱，具有欢快的春天气息。开曲即展开轻松愉悦的旋律，使人顿时联想到春天的葱绿和生机。描写的是春光重返大地，小鸟欢愉地歌唱，森林枝叶随风婆娑，呢喃私语。突然，电光乍闪，春雷惊蛰，万物苏醒。
《夏》则反映出慵懒烦躁的情绪，隆隆闷雷惊醒好梦，一场大雨突至，荡涤了所有烦闷不安情绪，酣畅淋漓。《秋》是一派丰收景象，充满了收获的喜悦和快乐；《冬》的第一乐章，将寒风凛凛的情境刻画到了极致；第二乐章，却让人仿佛突然走进了温室，从窗户眺望窗外雪景。这样独特的构思，让《冬》的第二乐章格外出名，甚至被改变为轻音乐而流传开来。
泰勒曼：“前卫”作曲家
国籍：德国
生卒年：1681-1767
全名：格奥尔格·菲利普·泰勒曼
职业：作曲家，风琴家
代表作品：《a小调组曲》、《汉堡的潮汐》
生平简介：
泰勒曼，1681年3月14日生于马格德堡fe50他没有出身于音乐世家，而是来自一个牧师家庭。家族当中只有曾祖父担任过指挥，其他人从事的工作和音乐完全没有关系。家族中的大部分都是上层中产阶级家庭，大多都在教堂工作。1685年，泰勒曼的父亲便早早地撒手人寰，母亲便担负起教育子女的重任。但是不知为什么，泰勒曼小小年纪便展现出了音乐方面的天赋，10岁就开始学习小提琴fe51长笛和键盘乐器。12岁时fe50就创作出了自己的第一部歌剧。但是，泰勒曼的音乐学习并没有得到家庭的支持和认可。1693年，母亲没收了他所有的乐器fe50将他送到泽勒菲尔德的学校。但是，泰勒曼并没有放弃对音乐的学习，在学校校监的支持下，他继续进行对音乐的自学。通过研读名家总谱fe50分析曲式fe51和声fe50领悟作曲原理fe50自己尝试作曲。到他毕业的时候，泰勒曼已经学会了演奏直笛、管风琴、小提琴、维奥尔琴、长笛、双簧管、单簧管、低音提琴、低音喇叭等众多乐器。并到各处游历，学习各种新兴音乐风尚。
1701年，泰勒曼进入莱比锡大学读法律fe51文学。似乎是注定的，天才的光芒总是难以被掩饰。一次偶然的机会，泰勒曼的作品被同学发现fe50在尝试公演之后获得了好评。莱比锡市长惊为天才fe50便给泰勒曼机会，让他每两周创作出一部清唱剧进行公演fe50由此名声大噪。之后，他建立了一个有40名成员的业余音乐团体——“音乐之友社”，并为该团体创作协奏曲作品，课余时间进行演奏fe50大开欧洲大学音乐风气之先河。他开始全身心地投入音乐创作，1702年被莱比锡歌剧院聘为音乐总监，拥有左右整个城市音乐的影响力。1704年被聘为新教堂管风琴手fe50并上演了他的圣乐清唱剧fe51室内乐和歌剧等。其中最成功的为歌剧《坚忍的苏格拉底》。1705年，泰勒曼离开莱比锡，担任厄德曼伯爵的宫廷音乐指挥。在这段时间里，泰勒曼接触到了吕利等人的音乐风格，创作了相当多的序曲和组曲。
由于战乱，瑞典入侵德意志，伯爵也不得不遣散宫廷的随员。1707年，泰勒曼来到了巴黎，并被任命为爱森巴赫宫廷的歌唱主管，同样是在这里，他遇见了巴赫，两人成了挚友。1721年，泰勒曼被任命为汉堡5座主要大教堂的音乐主管，并在这一职位上服务终生。在任期间，泰勒曼要为每个礼拜天创作两首康塔塔，也要为各种宗教仪式、节庆、特殊场合创作不同的音乐。与此同时，他还教授歌唱音乐理论知识，以及指挥另外一个音乐团体。因此，他拥有了比较多的固定演出机会。
1722年，莱比锡圣托马斯大教堂乐章职位出缺，泰勒曼便提出了申请。在6名竞争者中，当时声望如日中天的泰勒曼独占鳌头，脱颖而出。但是，由于汉堡方面承诺给以更加优厚的薪水，泰勒曼最后还是退出了竞争，将职位让给了挚友巴赫，令巴赫拥有了开创一生当中最重要的莱比锡时期的机会。1737年后，泰勒曼开始到巴黎、柏林等地游历，采风创作。
18世纪40年代起，泰勒曼开始专著于音乐理论的创作。因此，他后期的创作数量也就相应地减少了。在这段时期，他还与一些青年音乐家们进行合作，比如本达和C.P.E.巴赫。1755年，泰勒曼的大儿子安德烈去世，泰勒曼又担负起养育小孙子格奥尔哥·麦克尔·泰勒曼的重任，并力图把他培养成新一代的作曲家。泰勒曼的很多宗教神剧就是在这一时期创作的。后来，由于年老，泰勒曼的视力开始减退。1762年之后，他的创作数量再次开始减少。但是，泰勒曼仍然没有放弃音乐创作；直到1767年6月25日以86岁高龄去世。
主要成就：
泰勒曼处在巴罗克时期与古典主义时期之间的过渡阶段，是当时德国最重要的作曲家、管风琴家，被公认为18世纪中叶的权威作曲家之一。他的创作突出主调音乐的特点，注重旋律写作的主调织体，常常抛开精致的对位技法，强调轻盈优美的旋律、明快对称的节奏、简洁平实的伴奏。因此他的作品往往曲调优美流畅，结构清晰明快，作曲技巧和内涵也很多样丰富、并且带有一种幽默练达的人生观。同时，他也是音乐理论的权威和极有影响力的音乐教育家，长期从事社会音乐教育工作，培养了市民的音乐审美素质。他在那个时代被看作是“前卫”的作曲家，建立了音乐从教堂中独立出来公开演奏的音乐会模式，将教堂音乐搬上了市民阶层的舞台，打破了宗教音乐不能出教堂的禁忌，使歌剧的演出成为现代的剧院舞台以供公众欣赏的形式，使音乐更加贴近民众。
泰勒曼没有拜访名师，甚至没有接受过系统地专业培训，完全靠自学成才，这在音乐史上是极为罕见的。而且他的风格变化多端，初期作品受到法国、意大利的影响较深，后来在配乐、和声等方面，又有和巴赫异曲同工之处；在歌剧方面，他努力倡导法国式的采用按谱长处的咏叹式的朗诵调，使之通行于大歌剧中，成为与轻歌剧题材区别的重要标志之一。泰勒曼以协奏曲的创作而著名，但他的协奏曲使用的主乐器总是与众不同，比如喇叭或者多种不同的维奥尔琴。可能正是因为没有受到什么正规的音乐学习，思维上没有受到束缚。而且经常到各个城市游历，接触不同的音乐风格，结合百家所长，能够在创作上达到不一样的境界。他对各种题材的创作都得心应手，以纯熟的作曲技巧把巴洛克传统的对位法、意大利的歌剧色彩和优雅的法国管弦乐组合起来，保持着巴洛克乐派优雅清新的风度。可以说泰勒曼是以为神剧、歌剧、清唱剧、管弦室内独奏、声乐、器乐、意法德各国风格一手包办的多才多艺的作曲家。
泰勒曼的音乐风格优雅华丽，自然率真，令人愉悦，别具风采。《a小调组曲》有7个乐章，用一种被称为“柔美笛”的次中音竖笛来演奏，全曲情感丰富，变化多端。组曲《汉堡的潮汐》有10个乐章，包含了庞大的序曲和9首舞曲，每一乐章被刻意安排了古代神话中的人物和故事作为描写的主题，而序曲令人感觉开阔，气势雄浑，作品的编排通过给不同乐章不同氛围表达主旨，最终形成了统一完整的作品。
泰勒曼的作品丰富，产量惊人，据他自己在1739年做的统计，就有600多首序曲、三重奏、协奏曲fe51哈普西科德曲与合唱曲，40部歌剧、清唱剧，44部受难乐、12首全套礼拜音乐以及100多部礼仪用曲，还有给婚丧嫁娶用的3000首小曲。这之后的创作数量还没有进行统计，作品总数无法确定，但是他个人的作品数量就超过了同时代音乐家巴赫与亨德尔的总和。18世纪，他在世的时候，其声誉甚至超过巴赫，但其作品的流传广泛程度上比巴赫要稍逊色。他在世时作品很受欢迎，但逝世后长期被人遗忘，作品不再像以前那样被频繁地演奏，直到20世纪30年代后才再次被人发现，作品开始重登舞台和演奏会，并且很多作品开始被录音。自20世纪40年代以来fe50他的乐谱出版的有200多种fe50研究他的传记与作品的专著多达10余种fe54他的作品风靡欧美乐坛fe50成为音乐会中经常上演的曲目。
巴赫：西方音乐之父
国籍：德国
生卒年：1685-1750
全名：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫
职业：作曲家、管风琴及羽管键琴家
代表作品：《勃兰登堡协奏曲》、《b小调弥撒曲》、《平均律钢琴曲集》、《d小调托卡塔赋格》、《马太受难曲》、《约翰受难曲》
生平简介：
1685年，约翰·塞巴斯蒂安·巴赫出生于德国图林根州的一个美丽的小镇——爱森纳赫。巴赫家族是一个人丁兴旺的音乐家族，从16世纪中叶起，家族就开始不断涌现出音乐家，一直到19世纪末，300多年中涌现了数十位技艺高超的音乐家。在图林根州，“巴赫们”甚至曾成为音乐家的代名词。
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的祖父和父亲都是音乐家。因此，他自幼就耳濡目染，接受音乐的熏陶，得以在良好的音乐环境中成长。巴赫9岁时母亲去世，10岁时父亲去世。他的哥哥约翰·克里斯多夫·巴赫是一名出色的管风琴手，曾经师从当时德国的著名音乐大师巴哈贝尔。在父母离世之后，哥哥就担负起教授巴赫学习音乐知识的重任来。所以，巴哈贝尔和巴赫之间有着颇为深刻的渊源。
少年的巴赫经济拮据，靠奖学金进入了吕讷堡的圣·米歇尔学校学习。1702年他从圣·米歇尔学校毕业。1703年，在阿恩施塔特的教会里，担任风琴师一职，同时也为宫廷创作曲目。从此，巴赫开始了他的创作生涯，并很快有了成果。在1704年创作的d小调托卡塔中，他出色地运用了许多减七和弦技法，让音乐的风格似狂风般有力。
1708年，巴赫来到穆尔豪森，担任圣布拉修斯教堂的风琴师。次年，22岁的巴赫与表妹玛利亚·芭芭拉结婚。返回魏玛后，担任安斯达公爵宫廷乐队的风琴师兼小提琴师，一呆就是10年之久，开始了他人生当中的魏玛时期。那个时候，音乐艺人的社会地位很低。虽然此时的巴赫依然身份卑微，但是是作为一名专业的风琴师，他的地位和名声却得到显著提高。巴赫甚至有机会在德累斯与法国演奏家作即兴演奏，一较高下。从这时开始，巴赫就被世人推崇为大师。
1717年，巴赫来到柯登，担任雷奥博亲王的乐长。亲王十分喜好音乐，甚至抽出了国家支出的30%作为经费组建了一支18个人的乐队。才华横溢的巴赫得到了亲王的宠信。巴赫在柯登宫廷服务了6年之久，他的许多名作尤其是器乐方面的创作就是在这个时期写成，如献给勃兰登侯爵的《勃兰登堡协奏曲》。这部作品充满了生活的气息，同时也深深流露出高傲华丽的贵族风格。此外，还有1721年的C大调、d小调的管弦乐组曲以及在1722年创作的《平均律钢琴曲集》第一册等。期间，还有《半音阶幻想曲与赋格》、若干奏鸣曲、创意曲等等。这一时期巴赫的创作，居于广阔的意境，运用了大胆的技术手法。但是，不幸地的是，巴赫1720年在卡尔斯巴德旅行期间，妻子芭芭拉去世。
1723年，38岁的巴赫来到了繁荣的商业城市莱比锡。莱比锡是个自由的地方，在那里巴赫演奏了一曲他自创的教会康塔塔，赢得了莱比锡议员们的好评，从此开始在莱比锡的圣·托马斯教堂任歌咏班领唱，另外还兼任着其他三个教会的音乐指导此后27年一直在莱比锡工作，直到逝世。在这期间，巴赫为教堂创作了大量的优秀作品，有清唱剧、神剧、受难曲及管风琴曲。他为莱比锡教堂创作了5套，近300部供礼拜演奏的宗教康塔塔，著名的《马太受难曲》、《约翰受难曲》和《平均律钢琴曲集》第二册都在此时写成。为了谋得宫廷作曲家的职位，巴赫还曾写了一部伟大的作品《b小调弥撒》。这部作品虽然是宗教作品，但是它体现出来的音乐精神十分广阔，已经远远超过了宗教的局限。这些作品可以说是巴赫一生中最伟大的声乐作品，此外还有《戈尔德堡变奏曲》、《音乐的奉献》、《赋格的艺术》等大量器乐作品。
巴赫与玛利亚·芭芭拉婚后生下了7个孩子。在玛利亚去世后，巴赫又与女歌唱家安娜·玛格达蕾娜结婚，这次婚姻又给巴赫带来13个孩子。在众多的孩子当中，有10人得已长大成人。其中有不少继承父业，从事音乐事业，成为颇具影响力的音乐家。巴赫的次子卡尔·菲力普·巴赫，因为长期地点为德国汉堡，得到“汉堡巴赫”的称号，有人也唤他为“柏林巴赫”；他的第11个儿子约翰·克里斯蒂安·巴赫因为长期生活于伦敦，便被人称呼为“伦敦巴赫”，他们在音乐史上都赫赫有名，甚至对后世著名的音乐家海顿、贝多芬等人的创作都产生了重要的影响，使巴赫家族在德国音乐史具有颇为传奇的色彩。
巴赫有两套音乐手稿是专门为他的第二任妻子安娜·玛格达蕾娜所创作的，即《安娜·玛格达蕾娜·巴赫的笔记簿》。这两套手稿分别编定于1722年和1725年。其中第二套规模更大，也更加著名，内容涵盖了巴赫和家人以及当时其他一些著名音乐家创作的大量小步舞曲、序曲、进行曲、咏叹调等等。
主要成就：
巴赫是一名虔诚的新教徒，他的音乐中毫不掩饰地洋溢着对上帝的崇拜，歌颂上帝所创造出来的世界的和谐美满，更倾向于是一种信仰而非情感的表达。在巴赫看来，世间万事万物上帝之手创造的，是来自于上帝的恩赐，沐浴在上帝的光辉下，而音乐所起的作用，就是要对上帝创造的和谐进行歌颂，对上帝的光辉抬头仰望。巴赫认为，音乐就是带领他步入天国，与上帝进行对话的云梯。音乐本身的存在就是来自天堂的奇迹。通过音乐，人们可以通过隐蔽而且更加理性的方式感受到上帝的存在。
那个时代，德国在政治上分崩离析、经济上贫穷落后，文艺领域万马齐喑，黯然无光。因此外来文化，如法兰西、意大利、英吉利的文化，占据了德国文化领域的绝对优势，而自己的民族文化反倒遭受轻视，德国人民普遍产生了卑微的心态。这样的情形之下，人们对上帝的依赖感加强，教堂自然而然地成了人们寄托精神情感的圣地。因此这片宗教的土壤滋生了德国音乐的诞生。巴赫的音乐作品，深沉、内敛、气势宏大而悲壮，充满了对当时德国现实生活的气息，通过各种受难曲、弥撒、经文歌、康塔塔等宗教音乐形式表达了悲天悯人的情怀和对未来美好幸福生活的渴望，更加贴近人的内心世界。巴赫的成名作是他的受难乐。受难乐往往通过表现耶稣的悲剧经历，来反映现实生活中情感，寄托哀思，彰显沉重。因此，也最能代表当时德国人民最为深刻的感情。宗教和上帝也是巴赫的情感寄托，巴赫在受难题材的音乐中营造的宗教氛围，深深结合了当时社会当中的情感和普遍心态。在音乐表达中，生动地刻画了耶稣受难的细节感受，同时又兼具了宏大壮阔的史诗般感受。巴赫的受难乐在莱比锡上演时，如同一部歌剧引起了巨大轰动。所以在某种程度上讲，受难曲已经和巴赫的名字连接到了一起。
巴赫的代表作《马太受难曲》的取材来自于《圣经》中对耶稣受难过程的叙述。整部作品布局宏大，包括78首分曲。分为两大部分：第一部分的35首分曲，描述了耶稣被门徒犹大出卖和被捕的过程；第二部分有43首分曲，对耶稣受审，被钉十字架和被埋葬等场景进行了描述。
在《马太受难曲》中，巴赫运用了两组合唱和两组管弦乐以及八个声部，详尽刻画描述出耶稣下葬时人们的感情。并精心地将各个声部按照不同的曲调和音响组合起来，产生戏剧性地的对立效果。独唱、合唱、乐器、和声以及节奏各种音乐手段，都被充分运用，各种曲调交织起来的繁复和声，更是增加了作品的抒情性。结束部分的合唱特别具有特色，非常有力量。低音部与庞大的合唱交相辉映，相得益彰。无怪乎有人说，《马太受难曲》对“耶稣受难的深刻描绘，关于人性挣扎的苦楚和神性救赎的恩宠”，简直就是登峰造极之作。
巴赫是一位多产的作曲家，他的作品烟如浩渺，共有800多首严肃乐曲，题材包括大合唱曲、赋格曲、前奏曲、大键琴乐曲、小协奏曲、序曲、奏鸣曲、弥撒等等众多形式。一生创作了近300部教堂康塔塔，现存只有195部，而据他本人所记载，前后共写了5部受难曲中，而现在得以完整保存的只有两部：《马太受难曲》和《约翰受难曲》。
可以说，巴赫熟谙他所处的那一时代的所有音乐形式，对其中任何一种都能做到手到拿来，运用自如，浑然天成。旋律组合法是一种同时演奏两种或两种以上不同曲调的方法，巴赫在这方面艺术上的精通程度堪称前无古人，后无来者。此外，他的管弦乐作品逻辑性强，变幻多样，主题贴切感人，旋律丰富多姿，因此他愈加倍受赞颂。
巴赫的性格当中也有艺术家那种骨子里的倔强与清高，曾和宫廷、教会中的恩主发生冲突。虽然在当时的社会，他的身份地位并不高，但是总是让自己尽全力地虔诚地为信仰服务。在他的器乐作品中，如《半音阶幻想曲和赋格》、《d小调托卡塔赋格》，也能感受到这种力图冲破束缚、极富冲击力的情感。其中，半音阶幻想曲赋格》着重刻画了内心的情感和感受；而《d小调托卡塔赋格》曲调自由豪放，并且采用了幅度较大、音域较宽的旋律线的使作品整体跌宕起伏，情感亢奋激越。
巴赫使巴洛克时期的器乐发展到巅峰，他确立了键盘乐器十二平均律原则，有大量的各种体裁的管风琴曲，并且将维瓦尔第的小提琴协奏曲改编成管风琴协奏曲和古钢琴协奏曲，古钢琴方面有作品《平均律钢琴曲集》、《法国组曲》、《英国组曲》、《帕蒂塔》等，是钢琴协奏曲的奠基者，并为钢琴演奏中大拇指的解放作出重要的贡献。此外还有《六首无伴奏小提琴奏鸣曲》、《六首无伴奏大提琴组曲》、《独奏长笛奏鸣曲》以及6部《勃兰登堡协奏曲》和4部《乐队组曲》和等重要的乐队作品。
在巴赫的创作中，仍然保持着复调音乐的典型性，复调音乐俨然发挥着主导性的作用。但是，与过去教会调式的复调音乐不同，巴赫是在主调和声音乐发展到相当水准基础上建立起来的复调音乐思维方式，其中包含了清晰的和声结构与功能。巴赫的器乐曲节奏对比突出，通过强烈的对比来表现复杂的均衡关系。通过这种均衡关系而作复调处理，对位、变化，形成丰富的循环，将复调音乐的技巧发挥到极致。在他的作品《他生命中最后的作品《戈德堡变奏曲》、《音乐的奉献》和《赋格的艺术》被看做是300年来复调技术的总结性作品。其中，音乐的奉献》和《赋格的艺术》中，对中世纪以来的复调音乐写作技术进行了概括总结。巴赫将高度的复调思维与新颖生动的主调手法相结合，把复调音乐发展成主调音乐，大大丰富了音乐的表现力，标志着巴赫成为西方音乐史上一个继往开来的关键人物。
虽然终身未走出国门，但巴赫的作品将西欧不同民族的音乐风格浑然融为一体，融合了意大利、法国和德国传统音乐中的精华。他确定了大、小调功能体系的和声，被后来的贝多芬成为“和声的创造者”。除了声乐作品外，巴赫奠定了现代西洋音乐几乎所有作品样式的体例基础，对后来将近300年的德国音乐文化乃至世界音乐文化产生了深远的影响。因此巴赫被后世尊称为“西方音乐之父”。
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫去世后的半个世纪里，他的音乐几乎无人问津。直到1892年，年轻的门德尔松在柏林上演了沉睡将近100年的《马太受难曲》。一曲结束，满座皆惊。此时，巴赫的艺术价值才被人更多地了解，“复兴巴赫”的运动就此开始。从此，他的声誉和名望与日俱增。20世纪，随着新古典主义音乐的兴起，巴赫在现代音乐创作中的地位进一步得到提升，到了今天，巴赫同样受到了世界范围内的广泛颂扬。
亨德尔：清唱剧天才
国籍：英国
生卒年：1685-1759
全名：乔治·弗里德里希·亨德尔
职业：作曲家
代表作品：《水上音乐》、《皇家焰火音乐》、《弥赛亚》
生平简介：
在18世纪中叶，可以和巴赫并肩而立、平分秋色的，是英国籍德国的作曲家乔治·弗里德里希·亨德尔。
1685年2月23日，亨德尔出生于德国萨克森哈勒城的一个小市民家庭，与巴赫不同的是，他的家庭当中并没有多少音乐气息。他的父亲是理发师兼外科医生。亨德尔从小酷爱音乐，小小年纪便显示出了音乐天赋。但在父亲眼中，音乐师是一种卑微的行业，因此并不赞成儿子学习音乐，反倒希望他能学习法律，得到一份比较体面的工作。但是对音乐有着强烈喜爱的亨德尔，还是偷偷地开始练习弹古钢琴。
后来一次偶然的机会，萨克森领主魏森斯菲尔大公见到了亨德尔，被他表现出来的毅力和音乐天分所深深打动，于是说服了亨德尔的父亲，让他天才的儿子认真学习音乐。于是，亨德尔便被送到哈勒的圣母马利亚教堂，开始跟随作曲家、风琴演奏家查豪学习键盘乐器和作曲，并学会了演奏双簧管和小提琴。在名师的指导下，亨德尔凭借自身过人的天资，进步迅速。后来担任了哈勒礼拜堂的风琴师，并开始创作。
1697年亨德尔的父亲去世，临终时还是希望儿子能学习法律。1702年，为了遵守父命，亨德尔进入哈雷大学学习法律，但同时也没有放弃音乐理想，在当地的教堂里担任兼职管风琴师。1703年，亨德尔正式开始了他的音乐生涯，只身远行到汉堡，担任了歌剧院的提琴师。同一年巴赫开始了管风琴师的职业。亨德尔的才华不久就引起了注意，一些人打算资助他去意大利学习歌剧和作曲，希望他学成归来后为他们服务。但是志向远大的亨德尔不想把自己的前途卖给别人，而是想要依靠自己的努力挣足学费去留学，于是婉言谢绝了这些赞助。
1705年，他的歌剧作品《阿尔米拉》和《尼罗》在汉堡歌剧院上演并获得成功，使得他能够实现自己的留学梦想。当时的意大利是世界歌剧艺术创作的圣地，在1706年至1710年，亨德尔翻越了阿尔卑斯山，在意大利四处游历，广泛接触了意大利的音乐文化，同斯卡拉蒂和科雷利等艺术大师交往，开阔了艺术眼界，学到了意大利歌剧的精髓。1709年他新创作的歌剧《阿格里皮娜》在威尼斯上演，得到了意大利歌剧界的一致好评。归国后，亨德尔在德国处处受到欢迎。1710年，这个25岁的年轻人就任汉诺威选帝侯的宫廷乐长。
但他并没有满足于这个在别人眼里看起来还不错的差事，而是把眼光投向了海外。英国经济更为发达，歌剧艺术更受欢迎。但自从1695年普赛尔逝世后，英国的歌剧艺术就止步不前，急需新鲜的血液。亨德尔看准了这个机遇，请了1年的假，远走英国，此后几年亨德尔就开始了往返于英德之间的生活。如亨德尔自己所料，他的到来给沉闷的英国歌剧界带来了一股清风，他的歌剧《里纳尔多》在伦敦一经上演，立刻大获成功。1712年，亨德尔再次向宫廷请假去英国。得到了宫廷的批准，但要他必须及时回来。亨德尔到伦敦后，取得了英国宫廷作曲家的职位，于是常住英国，久久没有返回汉诺威。1714年，安妮女王驾崩，但是她生前没有子女。于是，德国汉诺威选帝侯乔治以英王亲戚的身份继承了英国王位。乔治因为亨德尔曾经逾期不归而心存不满。为迎接新王，亨德尔精心创作了一部《水上音乐》献给乔治。新国王对乐曲的华贵典雅赞叹不已，忙问这首曲子出自何人之手。当得知正是由亨德尔所作时，不仅原谅了他的不辞而别，还增加了他的年俸。
得到了新王的支持和肯定，在此后的十余年时间里，亨德尔迎来了他创作生涯上的高峰期，更在1726年加入了英国籍。这个时期，大量的声乐和器乐作品出现，尤其是歌剧，为他赢得了在整个欧洲的知名度和美誉；在管风琴领域，当时世界范围内放眼望去，只有巴赫才能与他匹敌。这时候的亨德尔在英国乐坛，可以说是风头正盛，一时无两。但18世纪末期，意大利语歌剧在英国开始呈现衰落的趋势。意大利语限制了英国听众对歌剧的理解，而总是取材于神话故事、贵族恩怨的歌剧题材也难以吸引新兴市民的兴趣。1729年，一部英语对白的喜歌剧《乞丐的歌剧》在伦敦上演。它取材于市民阶级的日常生活，一经上演立刻吸引了观众的眼球。似乎专门为了讽刺亨德尔和他的意大利正歌剧，该剧的曲作者普佩什特意在歌剧中设计安排了亨德尔的成名作《里纳尔多》中的《十字军进行曲》一段曲子。这段曲子响起时，恰好是一群盗贼出场。随着意大利歌剧的颓势，亨德尔也遭受到了前所未有的冲击。上演的歌剧相继遭受失败，甚至他经营的歌剧院也不得不关门大吉。祸不单行，1737年，在亨德尔事业上遭受最大打击的时候，他偏偏又中风偏瘫。一时间，所有人都认为亨德尔已经到了山穷水尽的地步，他的音乐生涯将要从此结束。
让人始料未及的是，亨德尔居然又奇迹般地站起来了。通过温泉疗法，他成功战胜了偏瘫，同时经过几个月的沉淀，他对未来做出了新的决定。毅然放弃萧条的意大利正歌剧市场，将精力转向了清唱剧的创作。亨德尔判断，清唱剧没有复杂的舞台情节，而主要依靠音乐来表现，取材往往来自英国人所熟知的圣经故事，并且可以用英语表达，所以将更加容易吸引观众。1742年，亨德尔应邀到都柏林访问有人詹姆斯，当他看到詹姆斯所撰写的描述耶稣生平的清唱剧《弥赛亚》英语脚本时，便决心为它谱曲。于是，在不可遏制的激情之下，亨德尔用令人难以置信的速度，在24天内创作出清唱剧《弥赛亚》长达354页的曲子。同一年，《弥赛亚》在都柏林尼尔斯音乐堂低调地上演，紧跟便一炮而红。很快，伦敦地人民也迫不及待地想要一睹这位天才的转型之作。1743年3月，当《弥赛亚》终于在伦敦上演的时候，英王乔治二世亲临现场，观看了演出。听众被音乐深深地感动。当最终乐章《哈利路亚》中“主上帝全知全能的统治”奏响的时候，听众不约而同肃然起立。乔治二世也激动地站了起来，直到终曲结束。从此之后，每逢演出《弥赛亚》，《哈利路亚》要站着听就成为了一条不成文的规定。为了保护《弥赛亚》的艺术价值，乔治二世特意下令只准每年春天演奏一次，而且只有亨德尔本人才有指挥演奏的资格。从此，亨德尔继续在音乐领域发光发热。
1750年，一代音乐大师巴赫去世，而年迈的亨德尔不幸在车祸中受了伤。之后，他的视力开始衰退，不久完全失明。但他仍然凭借着顽强的毅力，拖著病体进行各种活动，甚至包括每年春天的《弥赛亚》的演出指挥。1759年的春天，74岁的大师照例指挥了那部《弥赛亚》。演出结束后，亨德尔倒下了。几天以后，在1759年4月14日，即复活节的前一天的造成，亨德尔与世长辞。亨德尔享受了国葬的待遇，长眠于威斯敏斯特教堂墓地，那是历代国王圣贤下葬的地方，至今在那里有一座亨德尔纪念像耸立。碑文是《弥赛亚》第四十五曲的第一句：“我知道我的救赎主活着”。
主要成就：
在巴洛克时期，音乐作品多如繁星，其中有三部取材于圣经的神剧，被公认为是音乐史上永垂不朽的旷世佳作。分别是巴赫的《约翰受难曲》、《马太受难曲》和亨德尔的《弥赛亚》。巴赫虔诚的路德教派信徒，主要创作大型的清唱剧。而亨德尔的《弥赛亚》则更为大众化，它以客观的视角和感情描写耶稣出生、受难和救赎的一生，广泛调动了听众的想象，将圣经故事推往戏剧性的高峰。在两个半世纪之后，《弥赛亚》仍然广受欢迎，魅力不减，最大的原因就在它能将高雅庄重的宗教理念与单纯的世俗化美感圆满地融合，实现雅俗共赏。
据说在《弥赛亚》最初完成的时候，亨德尔曾眼含热泪说道：“我看见了天国和伟大的上帝”。《弥赛亚》能够让人感受到心灵的无比纯净，那应该是最接近神的声音。第一部分的《田园交响曲》，还采用了意大利阿勃鲁齐山区吹奏的风笛音乐。全剧分三部分，有57首分曲，包括序曲、咏叹调、重唱、合唱、间奏等。三个部分分别叙述了耶稣的诞生、传播福音以及受难和显圣复活的故事于，实际上，比起对宗教的虔诚感情来讲，这部作品更注重对音乐和人性的宣传。全剧采用主调和声风格，经典迭起，旋律优美，和声华丽，具有极高的技术训练价值。
亨德尔是乐坛上的常青树，他所创作的清唱剧是戏剧般的英雄史诗，对英国音乐产生了重要影响。他的音乐曲风雄伟、崇高、优雅、华丽，熔德国严谨的对位法、意大利的独唱艺术和英国的合唱传统于一炉，在德、英、意三国甚至整个欧洲都获得了巨大的声誉。同时，亨德尔还是一个多产的作曲家。在他将近60年的音乐生涯中，创作了46部歌剧，32部清唱剧，11首管弦协奏曲，42首大协奏曲，管弦乐《水上音乐》、《森林音乐》、《烟火音乐》等，另外还有室内乐、组曲、序曲等器乐曲。亨德尔，被人们称为与巴赫齐名的巴洛克乐派当中最伟大的代表。
在他的作品当中，《水上音乐》是深受大家喜爱的一组管弦乐曲。《水上音乐》全部组曲由20首小曲组成，内容丰富，形式多样，既有法国式的前奏曲，又有布莱舞曲、小步舞曲等。乐器种类也极为丰富，有小提琴、低音提琴、横笛、双簧管、圆号、小号等。弦乐的音色层次分明，木管乐器的声音通透玲珑，铜管乐器的音色具有活力，轻盈又扎实稳重，亲切文雅而又温暖。虽然是庆典音乐，但却不是一般的应景音乐，它所散发的不可思议的魅力，纵贯古今。
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