表现主义重在突出人的内心紧张、焦虑的情绪，在这种风格当中，音乐没有了调性，增加了更多的不协和和紧张感，突破了调性体系的束缚。
新古典主义乐派仿效18世纪的作曲风格，反对和排斥浪漫主义音乐中强烈的主观性，否定浪漫主义音乐的标题性，也否定夸大的幻想和表现。新古典主义乐派认为，音乐的目的是建立起自身的秩序，主张“艺术之上”的立场，追求音乐表达上的中立、客观、超然，主张创作应该回归“古典”，提倡发展“纯音乐”，试图摆脱与文学、诗歌、绘画等艺术领域的联系。
主张回归传统调性的新浪漫主义乐派强调音乐的旋律调性，和起辅助作用的传统的和声基础，使用调性语言，注重内在的情感表达，采用现代音乐语言和表现技法，并经常引用19世纪浪漫主义音乐的作曲素材。
勋伯格：十二音体系的创造者
国籍：美国
生卒年：1874-1951
全名：阿诺尔德·勋伯格
职业：作曲家、音乐教育家
代表作品：《升华之夜》、《D大调弦乐四重奏》、《古雷之歌》、《佩里亚斯与梅丽桑德》、《小夜曲》、《乐队变奏曲》、《钢琴协奏曲》、《拿破仑颂》、《一个华沙的幸存者》
生平简介：
1874年9月13日，勋伯格出生于维也纳的商人家庭里。自小家境贫穷，也没有条件接受正规的音乐教育。但是勋伯格对音乐的热爱，却使得他自学成才。8岁的时候，他就开始摸索小提琴和大提琴，之后又广泛地参加乐队实践，甚至自己创作写曲。闲暇无事的时候，他也会常常跑去看歌剧、欣赏音乐会，不放过一切可以学习音乐的机会。
到16岁的时候，家庭环境更加贫困，他便在一家银行谋了份差事以贴补家用。机缘巧合之下，他认识了当时的作曲家亚历山大·策姆林斯基，并跟着学习了几个月。从此，他迈入了音乐殿堂，开始了音乐创作生涯。1897年，他创作出了第一部代表作品《D大调弦乐四重奏》。1901年，勋伯格来到柏林，辗转之后又到斯特恩音乐学院教授音乐。
这段时期，勋伯格的创作风格充满了浪漫主义，并吸收了瓦格纳的一些创作技法，这个时期依旧遵循着调性的原则，代表作品有《升华之夜》、《第一弦乐四重奏》等。
之后，勋伯格回到了维也纳，1910年在音乐学院任职，继续他的音乐教育工作，培养出了大批的优秀人才。他和学生们的创作风格自成一派，逐渐为世人所熟知，被人称为“新维也纳乐派”。一战之后，勋伯格在奥利地军队服役。1918年，他组织成立了一个作品演奏协会，演出的曲目都是具有20世纪新风格的音乐，并举办了许多的音乐理论讲座，在世界范围内的乐坛都有很大的影响力。
这一时期，他个人的独特创作风格已经在作品中反映出来了，音乐作品中也出现了表现主义的特征，并渐渐向无调性的方向发展。《空中花园》、《幸运之手》等作品就是这个时期无调性风格的代表作品。
1925年，勋伯格开始在柏林艺术学院工作，因为工作相对稳定，经济上有了保障，他的创作也比较集中，完成了《乐队变奏曲》等一系列作品，摸索出了“十二音体系”的创作方法。
1933年，德国纳粹分子执掌政权，国内的政治局势变得空前紧张，勋伯格便到了美国，先后在多所高校任教，之后加入美国籍，直到1961年在洛杉矶逝世。晚年的作品当中，偶尔也会加入调性的创作手法，甚至是调性和无调性的结合。
主要成就：
勋伯格的作品中既有19世纪浪漫主义音乐的特色，又有创新性的序列主义，是浪漫主义音乐向现代方向过渡的桥梁人物。他有着开拓进取的创新精神，创立了“十二音列”技法，对新时期无调性音乐的发展起到了重要的作用。经过他的教育和熏陶，大批的年轻音乐家走上了发展现代音乐，表现主义音乐的道路，他的影响力对西方音乐的发展是巨大的。
《升华之夜》是勋伯格早期的代表作，作品根据戴默尔的抒情诗创作而成。这部作品融合了瓦格纳和勃拉姆斯的风格，是勋伯格早期浪漫主义风格的代表作。乐曲是单章奏鸣曲式，表现了爱的升华的主题，可以分成5个乐段和场景。第一个主题描写了行走在月色之下的两个人，月色明朗，漫步于林中的两人亲切私语。第二主题描述了女子向男人讲述自己悲伤过去的情景。为了表现出两人对话的场景，勋伯格运用了复调手法，使人清晰地感受到了两人的行走步伐和交流的对话，简洁明了，清晰凝练。
第四部分是全曲的高潮部分，乐曲转到了D大调，和之前的曲调形成了鲜明的对比。体现了男主人公的高尚品格。最后，乐曲通过美妙的音响效果展现了美丽的月色。
斯特拉文斯基：音乐界的毕加索
国籍：美国
生卒年：1882-1971
全名：伊戈尔·费奥多罗维奇·斯特拉文斯基
职业：作曲家
代表作品：《春之祭》、《火鸟》、《士兵的故事》、《烟火》、《彼得鲁什卡》、《俄狄浦斯王》、《诗篇交响曲》、《乌木协奏曲》、《浪子的历程》
生平简介：
斯特拉文斯基出生于圣彼得堡附近的奥拉宁堡。他的父亲是圣彼得堡帝国剧院的男低音歌唱家，在父亲的影响下很早就显露出音乐方面的才华和天赋，9岁的时候就开始学习钢琴。1903年成为里姆斯基·科萨科夫的学生，开始了作曲生涯。
1906年，斯特拉文斯基大学毕业，与表妹凯瑟琳·诺申科结了婚。1909年，创作了大型管弦乐作品《烟火》。这部作品在圣彼得堡演出，获得了俄罗斯舞蹈团经理佳吉列夫的欣赏。1910年，应邀为芭蕾舞剧《火鸟》作曲，一举成名，并在以后创作了大量的芭蕾舞剧。
1913年5月29日晚，《春之祭》在蒙田大街的香榭丽舍剧院首演，表演者是德吉列夫领导的俄罗斯芭蕾舞团。这部作品带有彻底的反传统性，结果引发了观众的极度不满，在剧场内导致了空前的骚动，观众们吵声鼎沸，几乎要用拳头招呼斯特拉文斯基了。在此情形之下，20岁的斯特拉文斯基情急之下只能仓惶跳窗落逃。从此斯特拉文斯基便被认为是当时最为激进的先锋派作曲家之一。
1915年，一战爆发。斯特拉文斯基所有的私人财产都被没收，在当时经济条件的限制之下，乐器方面十分简约。他移居到瑞士，并将音乐创作转向了新古典主义。虽然瑞士是战争中立国，但是也面临着资源匮乏的难题，斯特拉文斯基甚至找不到合适的表演者来表演他的作品。他的多数音乐出版商大多都是战争中的敌对国家，远在俄国的庄园不能为他提供经济支持，他的生活变得相当拮据。迫于生计，他建立了一个“袖珍剧院”团队，只创作和演出一些不需要太多人的小型剧目，在乡村里作巡回演出。这一时期诞生的作品以《士兵的故事》为代表，在瑞士洛桑首演并获得巨大成功。
战后，斯特拉文斯基创作了芭蕾音乐《浦契涅拉》，作品转向了温静、古雅的风格。风格的急剧转变令巴黎的观众又一次大感意外。
1920年代，经过一系列探索，斯特拉文斯基创立了新古典主义，喊出了“回到巴赫”的口号。他的新古典音乐风格追求客观、冷漠、理智，他认为对艺术控制、限制得越多，研究得越多，它就越自由。之后，他的芭蕾舞剧的创作逐渐减少，而将创作的重心集中到歌剧及室内乐上。这段时间里，他广泛地同许多艺术大师往来，其中画家毕加索对他的创作影响最为突出，他也因此被称为“音乐界的毕加索”。斯特拉汶斯基在进行新古典主义创作的同时，也对爵士乐产生了兴趣。
1938年，希特勒侵占了波兰，二战爆发，而这一年斯特拉文斯基的女儿、妻子和老母亲也相继去世，孑然一身的斯特拉文斯基便去了美国。1945年，加入美国国籍之后，受到当地文化的影响，他的乐曲中爵士乐的风格日渐浓郁。在这里，斯特拉文斯基有了创作大型作品的条件，于是便重新开始创作大型作品。在完成了歌剧《浪子的历程》之后，斯特拉文斯基又将兴趣转向了序列主义。1950年代初，他开始运用十二音体系进行创作。1956年，开始在作品中运用整体序列主义，形成了个人的创作风格。
1962年，阔别故土48年的斯特拉文斯基重新回到俄国。当时的苏联政府邀请他在莫斯科指挥了两场音乐会。在此期间，他出版了大量的访谈录、回忆录。
1970年，年迈的斯特拉文斯基出于对健康因素的考虑，回到了美国纽约。1971年4月6日去世，死后被葬于威尼斯。
主要成就：
斯特拉文斯基是西方现代音乐的主要代表人物之一，是新古典主义运动的主要倡导者。由于战争和政治上的原因，他长期生活在国外，经历复杂，作品风格多变。他的创作风格经历过原始主义、新古典主义以及序列主义三个不同的音乐流派，因为他一生的创作风格、音乐语言变化多样，如同艺术界的变色龙，被人们誉为是“音乐界中的毕加索”。有人对他的评价是形式大过内容，但是他提出了新的音乐概念，尤其是要求节奏的变化，不平衡的节拍，独特的配器方法等对20世纪的音乐界都产生了很大的影响。
他的作品《春之祭》展现了原始状态下的野蛮与直率，是直接干脆地对19世纪欧洲文化传统的挑衅。虽说这部作品已作为现代派经典永远载入了史册，但创作的起初源自作曲家一闪而过的灵感。斯特拉文斯基就曾经形象地说，他看到的是一个庄严的原始崇拜仪式。年老的长者们围成圈席地而坐，当中有被当作贡献给春神祭品的一位少女在不停地狂舞，舞到死亡。他就是要通过紧张、刺激、激烈的芭蕾舞剧向人们展示这幅史前部落的祭祀图景。
《春之祭》以组曲形式写成，分为两个部分。第一部分表现的是对大地的崇拜。序奏的民歌有着古老的韵味，古朴悠扬，略带神秘，表现了万物萌生之意。低音区的弦乐猛烈急促，似乎反映了春天的生命力。在这一部分里，作曲家还展现了俄国的民俗风情。第二部分叫“祭献”，采用了带有印象派朦胧色彩的夜曲形式，用管弦乐音响效果渲染出黑夜的氛围。音乐的节奏短小，不断地重复、变化，复制出原始人类僵直的舞蹈形态。乐器之间产生强烈的对话，斯特拉文斯基打破了传统观念，以节奏为主导，旋律、和声等都跟随着频繁转换的节奏展开。
《春之祭》展现了原始、古朴、野性的魅力，演绎出远古的神秘感。这部作品的价值和意义，主要在音乐语言上，在不协和音，音色以及节奏多样的运用上，营造出喧闹、沸腾、热烈、刺激的效果，对音响的要求更加突出，需要定位精准，音域宽阔，声部清晰。这部作品在艺术史上起到了里程碑的意义。
《士兵的故事》取材于民间的传说，讲述了士兵与恶魔之间斗争的故事。受当时条件的限制，乐队编制只有七人，但节奏非常丰富跳跃。
作品的新颖独特之处在于使用一种微妙复杂的作曲技术表现手法来表现旋律音调，时刻变换的重音、不协调的和声得到了一种苦涩嘲讽的艺术效果，和恶魔最终得胜的结果相一致。民间传说被一幕幕连接成为一部悲剧哲理舞蹈剧，辛辣嘲讽的表现手法和凄凉黯然的效果，反映出了当时社会客观背景下的心态。《士兵的故事》呈现了新古典主义风格和为避免重音突出而发明的“双重节奏”，都成为斯特拉文斯基独特的创作特征。
斯特拉文斯基的成名作《火鸟》取材于俄罗斯的传说，集中了俄罗斯民族的音乐风格，运用了浪漫主义音乐的表现手法，将俄罗斯的民间音乐素材和华丽的舞曲结合，充分发挥出管弦乐华丽的音色和生动变换的音乐色彩。分明的节奏特色以及娴熟的配器技巧都让这部舞剧成为芭蕾作品中的经典，足可以与柴可夫斯基的《天鹅湖》相媲美。后来，斯特拉文斯基将《火鸟》的音乐编成了组曲，又成为音乐会上经久不衰的曲目。
《火鸟》的剧情讲的是一位王子为了解救被囚禁的公主，而与魔王进行搏斗，却不敌被捉。这时候，他曾经放生的一只火鸟飞回来帮助他战胜了魔王。故事的结局是王子和公主幸福地生活在一起。
《火鸟》的音乐当中，作曲家展现出了精巧的创意和构思。为了表现真实的现实世界场景，斯特拉文斯基将具有俄罗斯民族风格的音乐来描绘戏剧发生的地点，采取了自然的音阶。而表现魔幻世界的时候，则采用了半音音阶的旋律。在当时，很少有作曲家这样大胆的尝试。但是这种尝试却创造出超越现实的梦幻效果，营造出迷离的意境。在整部舞剧当中，音乐并没有沦为伴奏，而是升级为揭示意境的一种思维。
组曲主要有7个部分组成。首先具有开拓气势的引子，音色阴沉，旋律阴暗，在开篇便营造出恐怖苍茫的效果。第二部分“火鸟之舞”展现了火鸟从天而降的场面，用管弦乐器急促地演奏出那种激烈焦躁的“火鸟”特质的情绪，甚至有能让人想象到火鸟羽翼颤动的战栗之音。“火鸟变奏曲”运用了绵延不断、温婉多情的旋律展现了幻想的境地。“公主之舞”采用了俄罗斯民间音乐的旋律，弦乐的轻柔音响清澈澄明。“魔王卡茨之舞”中乐队轰然而鸣，强烈的节奏，不和谐的音符，描绘出疯狂怪异、粗野恐怖的魔王形象。“火鸟的催眠曲”中有一种朦胧魔幻般的感觉，具有强烈的感染力。最后一部分“终场曲”既有幻想世界中的光怪离奇又有一种胜利的喜悦之情在其中。
在《火鸟》中，斯特拉文斯基借鉴了印象主义的手法，创造了神幻的音乐氛围而且又吸纳了新世纪的音乐风格，还显露出俄罗斯音乐独特的民族风格。无怪乎有评论家这样评论：火鸟是现代音乐风格的一座宝库！
《彼得鲁什卡》是斯特拉文斯基的又一著名舞剧代表作品。讲述的是3个木偶有了生命之后的恩怨。为了配合荒诞不经的剧情，斯特拉文斯基采用了富有动感的音乐和尖锐的配器，营造刺耳的音响效果。音乐的旋律当中有很多俄罗斯民族元素在其中，在配器方面他进行了大胆的创新，这部作品也成为他个人最喜欢的作品之一。
普罗科菲耶夫：人民的艺术家
国籍：前苏联
生卒年：1891-1953
全名：谢尔盖·谢尔盖维奇·普罗科菲耶夫
职业：作曲家、指挥家、钢琴家
代表作品：《第一钢琴协奏曲》、《第二钢琴协奏曲》、《第三钢琴协奏曲》、《彼得与狼》、《罗密欧与朱丽叶》、《谢苗·科特科》、《真正的人》、《修道院中的订婚礼》、《战争与和平》、《灰姑娘》、《宝石花的传说》、《三桔子的爱》
生平简介：
普罗科菲耶夫是俄罗斯音乐史上的神童。他于1891年4月23日生于乌克兰顿巴斯地区松卓夫卡村。父亲是帮地主打理庄园的农艺家。他自幼跟随母亲学习钢琴，5岁就写出了第一首钢琴独奏曲。9岁就创作了歌剧，让教授他的老师大惊失色。14岁进入圣彼得堡音乐学院学习钢琴和作曲，曾因演奏自己创作的《第一钢琴协奏曲》而获安·东·鲁宾斯坦奖。20岁的时候，举行了个人交响音乐会。
普罗科菲耶夫不是传统意义上的乖孩子，他总是特立独行，有着自己的坚持和想法，因为不喜欢原来的单调的配器方式，他别出心裁地发明了一种“快速配器法”。在音乐学院学习的时候就是出了名的“不守规矩、狂妄自大”。所以他的作品在首演时候总是会因此受到巨大的争议，这一点上和他的挚友斯特拉文斯基很为相似。
在早期的音乐创作当中，普罗科菲耶夫的作品洋溢着青春的朝气，具有强烈的节奏感，带有浓厚的俄罗斯风格。他将主要精力投入到管弦乐和钢琴上，并不断地探索着属于自己的风格。因此，这一时期，也是他的创作风格急剧变化的时刻。1909年，他创作了古典主义风格的《小交响曲》，1912年创作了具有结构主义特色的钢琴曲《托卡塔》，1915年有创作了就有野蛮主义风格的《斯基夫组曲》……虽然风格千变万化，但是无一例外都是和当时乐坛盛行的风格背道而驰，普罗科菲耶夫崇尚刚劲有力、节奏强烈的音乐风格，他不断地在自己的作品中尝试着创新，将新的元素融入到俄罗斯民族音乐当中，对调性、和声以及钢琴创作都有新的处理。他的《第一钢琴协奏曲》和《第二钢琴协奏曲》等作品也都是在这个时期完成的。
1918年，离开了祖国的普罗科菲耶夫开始了在欧美侨居的生活。一开始，他的创作并没有得到美国观众的喜爱和赏识，直到1920年他的舞剧《小丑》上演之后，才逐渐改变了这种局面。1921年，他创作完成了《第三钢琴协奏曲》，这部作品结合了俄罗斯的音乐风格，饱含深情，曲韵悠长，受到了西方观众的欢迎。这段时期里，普罗科菲耶夫继续进行着各种风格的尝试，既有将俄罗斯音乐与结构手法相结合的作品，如1924年的《第二交响曲》、1926年的《钢铁的跳跃》等，又有表现主义特征的作品，如1928年创作的《第三交响曲》等。
1933年，普罗科菲耶夫回到了祖国，进入了创作生涯的黄金时期，他的精力更多地投入到歌剧创作当中。在创作风格上，有了更加鲜明的俄罗斯艺术特征；音乐语言更加清晰明了，旋律带有史诗般的抒情性；并将20世纪的艺术风格与传统的调性进行了有机的结合，更加自然贴切。他的歌剧讲求“贯穿发展”的原则，声乐部分以朗诵调为主，管弦乐部分带有复杂的交响性质，推动着戏剧的情节发展。同一时期，他的舞剧作品也在思想深度上上升了一个层次，代表作有著名的舞剧《罗密欧与朱丽叶》等等。
主要成就：
普罗科菲耶夫的作品当中，有对历史元素的缅怀和传统的继承，如他的《古典交响曲》，充满了朝气，细致流畅，刻画入微。更多的是对现代新颖的和弦效果的偏好。他的作品既有紧凑的和弦和豪放的旋律，也有恬静抒情的旋律。他始终保持一贯的音乐风格，不因时代的变迁而发生变化。他的作品有冷静而辛酸刻薄的讽刺音调，节奏跳跃的旋律以及不连贯的和声，但同时也有舒缓深情的柔板乐章，以及充满戏剧性效果的，突出感情、构思宏伟的音乐，两种风格天衣无缝，总是给人们惊喜和愉悦。
普罗柯菲耶夫尝试着将音乐从文学、玄学等其他形式的艺术领域中解放出来，使音乐真正表现为音乐，而不依附于其他形式。他的管弦乐采用独特的配器，因此会产生独特的音响效果。普罗科菲耶夫是一位电影配乐大师。他为电影《阿历山大·涅夫斯基》的配乐，使之成为电影音乐史上一部里程碑式的作品，对电影配乐的发展产生了深远的影响。
《彼得与狼》是普罗科菲耶夫在1936年为儿童写的一部交响童话，也是普罗柯菲耶夫的代表作品之一。普罗科菲耶夫亲自构思情节，并撰写了朗诵词，风格生动活泼，发人深省，讲述了少先队员彼得凭借勇敢和机智战胜了凶恶的狼的故事。作曲家用长笛、双簧管、大官、定音鼓等乐器的不同音色来区划人物和动物角色，形象而生动地表现了不同角色的性格和表情。而且用高音区表现小鸟的灵活，用双簧管描拟簇鸭子步履蹒跚的姿态，用大管浑厚的声音来刻画爷爷老态龙钟的神态，用圆号来体现狼阴森恐怖的嚎叫声音，形式新颖活泼，旋律通俗易懂，反映了作曲家娴熟的音乐技巧。
1936年，普罗科菲耶夫将大型芭蕾舞剧《罗密欧与朱丽叶》的音乐汇编成了两个组曲。作品的脚本选材源自莎士比亚的原作，通过美轮美奂的音乐，再现了家喻户晓的爱情悲剧。作品保持了普罗科菲耶夫的一贯风格，通过强而有力的快板形式，讽刺地描绘了贵族的高傲拔扈的神气和个性。虽然有人抨击这部作品当中缺少浪漫，感情和旋律，但是音乐中的刺激性和浓烈的色彩使他赢得了不少赞誉。很多人大加赞赏他的音乐扎根于实在的音响、色彩和构思，因此结实而富有弹性。《罗密欧与朱丽叶》被认为是继柴科夫斯基的《睡美人》之后最优秀的俄国芭蕾舞剧，也代表了普罗科菲耶夫舞台作品当中的最高成就。
《罗密欧与朱丽叶》组曲中有7个乐章，第一乐章集中描写了蒙太古家族与凯普莱特家族之间的积怨。在一开始就运用了极其不和谐的和弦来表现矛盾冲突，然后用快速的演奏来展现骑士之间决斗的紧张激烈氛围。为了突出森严压抑的气氛，作曲家采用了长号和大号的配器，充满了仇恨的力量。为了表现女主人公朱丽叶的娴静优雅，用长笛演奏出柔美温婉的主题，与之前的紧张形成了鲜明的对比。
第二乐章，着重突出了少女朱丽叶，采用了节奏快速曲调流畅的旋律，表现了少女的活泼浪漫。之后音乐转向舒缓抒情，重在体现少女温存典雅的气质。长笛的演奏营造出充满梦幻般的感觉，好像是少女对未来的美好生活充满了遐想，真挚而纯洁。
第三乐章，形象地表现了劳伦斯神父正直善良的形象，这个乐章充满了庄严神圣的氛围。
第四乐章，详尽地展示了各种舞曲风格。既有双簧管的诙谐主题，又有柔和的抒情性主题。
第五乐章描写了罗密欧和朱丽叶惜别的情景。第一主题是由长笛进行抒情性的轻柔的演奏，表现了分别时万籁俱寂的氛围。之后，旋律开始有了高低起伏的变化，紧接着是激情洋溢的主题，表现了对幸福和美好爱情的向往和追求。在不断反复当中，乐曲走向高潮，然后趋向舒缓阴沉。
第六乐章当中再次集中展现了轻快的舞曲，少女飘逸轻盈的舞姿在打击乐的伴奏下呼之欲出。
第七乐章，也是最后一个乐章，讲述的是罗密欧悲恸地站在朱丽叶墓前的情景，深深刻画出了主人公内心的悲伤，整个乐章在悲剧气氛中结束。
普罗科菲耶夫共创作了13部歌剧，《战争与和平》是他根据托尔斯泰同名小说改编而成的巨作，创作时间长达12年之久。普罗科菲耶夫想要创作出完全来自于自己祖国的题材的作品，多番搜集考量之后才郑重地选择了这部名作来作为创作题材。歌剧共分为两部分，规模浩大，转场过渡十分自然，对人物的性格描绘尤其形象逼真。歌词音乐美妙动人，完全可以体现原作的精髓，因此被认为是俄语歌剧作品中的杰出代表。
肖斯塔科维奇：20世纪交响乐大师
国籍：前苏联
生卒年：1906-1975
全名：德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇职业：作曲家代表作品：《列宁格勒交响曲》、《d小调第五交响曲》、《第十交响曲》、《森林之歌》、《易北河会师》、《黄金时代》、《鸳鸯茶》、《爵士乐组曲》
生平简介：
肖斯塔科维奇于1906年9月25日生于圣彼得堡，父亲是位化学工程师，母亲曾经在专业音乐学院学习过，是一位优秀的钢琴家。9岁时，肖斯塔科维奇便受到母亲的音乐启蒙教育，开始跟随母亲学习钢琴。之后便进入了格拉塞尔的音乐小学。
1917年，11岁的肖斯塔科维奇开始尝试创作。少年时的肖斯塔科维奇经历过一战，经历过十月革命，对一些社会现实有着深刻的体会。在街头徘徊的时候，他亲眼见到沙皇警察打死了流浪儿童。这种种源自生活和社会现实的感悟，成为他创作的源泉。《自由颂》、《纪念革命烈士的葬礼进行曲》、《第二交响曲》当中，都能看到他深深的时代烙印。
1919年，肖斯塔科维奇进入列宁格勒音乐学院，开始学习钢琴与作曲，在毕业之前他就创作了10部作品，其中他的毕业作品《第一交响曲》被布鲁诺·瓦尔特拿来指挥，在俄罗斯境外做了首演，从此肖斯塔科维奇在国际乐坛知名。1927年，在华沙举行的第一届肖邦国际钢琴比赛中，肖斯塔科维奇赢得了荣誉。
20年代的苏联处在内忧外患的艰难发展时期，西方的现代主义音乐流派逐渐涌入，而肖斯塔科维奇的音乐创作不可避免地也受到影响。因此，这位年轻的音乐家的作品在舆论界也引发了不小的争论。1934年，他的歌剧《姆岑斯克县的麦克白夫人》在列宁格勒举行首演，获得好评如潮，作曲家也红极一时。然而，斯大林在观看这部歌剧时未及看完便起身离去，不久《真理报》上一篇题为《不是音乐是混乱》的文章对这部歌剧和作者进行了猛烈的抨击，一时间，肖斯塔科维奇成为了“人民的敌人”，受到了来自各方面的口诛笔伐。往日的朋友变成陌路，这次挫折和冲击，让肖斯塔科维奇的后半生都陷入了惴惴不安的惶恐之中。
他开始尝试广泛地创作不同题材和体裁的作品，慢慢探索从而确立自己的独特风格。1937年，他的创作进入了成熟时期，创作了一系列的电影配乐，并且产生了自己的代表作《d小调第五交响曲》。
卫国战争爆发时，肖斯塔科维奇参加了保卫列宁格勒的志愿消防队，成为一名消防队员。在严酷的日子里，肖斯塔科维奇依然坚持创作，写下了《第七交响曲》（《列宁格勒交响曲》）和《第八交响曲》。l944年4月2日，《第八交响曲》在美国初演，赢得了美国舆论界很高的评价。于是在1945年，当富兰克林·罗斯福总统逝世的时候，《第八交响曲》的第一乐章再次被演奏，用来向已故总统致哀。结果，肖斯塔科维奇在苏联受到了极大的非议和攻击。
二战结束之后，肖斯塔科维奇又创作了以反对战争为题材的《第十交响曲》等，在民间颇受欢迎。50年代之后，肖斯塔科维奇又连续创作了大批声乐套曲和标题交响乐，这些作品都充满了民间音乐的元素，深受苏联人民的喜爱。
1975年9月，他死于肺癌，被葬在莫斯科新圣女公墓。
主要成就：
肖斯塔科维奇的创作遍及各种音乐体裁，无论悲剧性还是戏剧性的主题形象都保持了强烈的兴趣，音乐构思和发展规模都特别宏大，大型的标题性的作品占据了主要位置，特别是15部交响曲使他享有20世纪交响乐大师的盛誉。
他的音乐语言非常大胆且极为复杂，电影音乐和歌曲的风格清澈明朗、纯朴自然，既有丰富的感情又有包含深刻的哲思。《第四交响曲》可是说是他的第一部带有带有哲理性质的悲剧交响曲。《第五交响曲》延续了这一路线，反映了那个时代苏联典型知识分子的精神生活，更加具有崇高的思想境界和特殊的艺术魅力。《第六交响曲》则通过回忆和思考过去的悲哀过渡到当前生活的快乐。《第十四交响曲》也是一部悲剧性作品，以斯维尔昂为内容，尝试了12音音列的旋律，由大小不等的11个乐章组成。鞭笞了邪恶、暴政，赞颂艺术创造的魅力不朽。《第十五交响曲》是他交响乐当中的最后一部，充满了对人生旅程的回顾与思考。
他的《第七交响曲》，即《列宁格勒交响曲》是他杰出的代表作品，有着深刻的创作背景。在二战中，德军包围了列宁格勒，在1941年7月造成了城内危机。肖斯塔科维奇在战斗第一线的艰苦条件下，创作了这部作品。这部交响曲的初演，便是在战争中用来宣传、鼓舞士气的。1942年，获得了“斯大林奖”的首奖。
全曲分外四个乐章。第一乐章，加入了长篇的“侵犯插部”。主要描绘了战前的幸福安宁生活。用小提琴娓娓奏来明朗的主题，然后是用木管乐器演奏出气息悠长的独白。然后，象征战争开始的鼓声打破了平静，出现了进行曲风格的音调。通过频繁的转调，和木管的哀鸣，表现出沉闷压抑的情绪。第二乐章，用小提琴奏出轻松的乐思，弦乐器配合以强烈的节奏，双簧管优雅的附和，展现出对美好快乐的回忆，但又有悲伤的情绪萦绕其间。第三乐章当中，充分展现了对俄罗斯大地的崇敬之意，旋律舒缓，优美。第四乐章，先是预示战争的弦乐和木管发出低沉的声部，然后在弦乐器齐奏，表现战争的场面。小号的反复之下，出现了紧张的节奏。之后，弦乐器和木管缓缓奏出主题，音乐音量逐渐增大，最终，达到排山倒海、振聋发聩的效果，小鼓紧张密集的连续音符之后，四个定音鼓铿锵有力地奏出了乐章的中心主题。
肖斯塔科维奇的作品充满了对现实生活的思考，通过音乐满怀激情和鲜明的爱憎去反映生活。他既注重创作的思想性，又懂得利用音乐表达思想。他的音乐语言和风格自成一家，旋律往往是以古调式为基础，采用富于朗诵性的旋律风格。他的和声可以很简单质朴，也可以复杂刺激。他的配器充满了戏剧色彩，生动地描画了剧中角色，有力地展现了戏剧冲突。他的交响套曲结构和各乐章之间的功能关系也总是根据实际需要而灵活变化。
巴伯：守旧的浪漫派作曲家
国籍：美国
生卒年：1910-1981
全名：塞缪尔·巴伯
职业：作曲家
代表作品：《弦乐柔板》、《第一乐队散文》、《造谣学校》、《第一交响曲》、《小提琴协奏曲》、《摩羯宫协奏曲》、《大提琴协奏曲》、《大提琴奏鸣曲》、《瓦妮萨》
生平简介：
巴伯，1910年3月9日出生于美国法尼亚州的西切斯特的一个医生家庭里。同许多伟大的音乐家一样，巴伯在幼年就展示出强烈的音乐天赋，6岁开始学习钢琴，7岁尝试作曲。但西切斯特是个保守的地方，音乐家并不被认为是一个体面的工作。因此，父亲并不希望儿子将来从事音乐工作，便要求他开始进行体育活动，从而改变原来的内向性格。但是巴伯是个目标非常明确的孩子，在9岁的时候他就给母亲写了这样一张纸条，向她标明了自己想要成为作曲家的坚定决心：“首先，我不是运动员的料子，我是应该成为作曲家的。”
事实证明，巴伯不仅成功地做了一位作曲家，还是位成功的音乐家。这也得归功于他的姨夫和姨母。他的姨夫是作曲家，姨母是女低音歌唱家。他们给了巴伯音乐上的支持和指导，对巴伯今后创作中的乐风也产生了重要影响。
在读中学的时候，巴伯同时还进入了费城柯蒂斯音乐学校，跟随乔治·鲍伊尔学习钢琴，跟随意大利小提琴家萨里奥·斯卡莱奥学习作曲，此外还学习到了演唱和指挥。因为他自身所具有的出色的男中音，巴伯还一度考虑过要成为职业歌手。在柯蒂斯音乐学校，巴伯还遇到了生命中另外一个非常重要的人。他就是基安·卡洛·梅诺蒂。
梅诺蒂自小便展现了歌剧方面的天赋。他出生于意大利，12岁便到米兰的威尔第音乐学院接受正规训练。在父亲去世之后，他和母亲来到美国，进入了柯蒂斯音乐学校。18岁的巴伯和17岁的梅诺蒂很快成为了好朋友，此后，他们之间维持了长达40多年的同性伴侣关系。
梅诺蒂受到了巴伯家庭的欢迎，逐渐融入到他们的生活当中。两人互相学习英语和意大利语。1928年，巴伯的一首小提琴奏鸣曲获得哥伦比亚大学巴恩斯奖，他便有了资金到欧洲各国旅行。在意大利，巴伯也受到了梅诺蒂家庭的隆重接待。在夏天的末尾，巴伯便开始进行第一部钢琴协奏曲的创作，受到了好评。他还根据爱尔兰作家谢里丹的喜剧创作出了大型管弦乐作品《造谣学校》序曲。这部作品让他获得了哥伦比亚大学巴恩斯奖。1935年，巴伯获得了美国的罗马奖，1935与1936年，他又两次获普利策旅行奖金，于是在1935-1936年间，巴伯有一次踏上了去往欧洲的旅行。
1936-1938年间，巴伯创作出了他的第一部弦乐四重奏，将其中的慢板乐章改编成弦乐作品，这就是后来著名的《弦乐柔板》。著名指挥家托斯卡尼尼率美国国家广播公司交响乐团为其作了首演，获得了巨大的成功。这一段时间，可是说是巴伯人生中最为轻松快乐的时间，他和梅诺蒂志同道合，埋首音乐之中，事业和名望如日中天。
1938年，巴伯来到美国的柯蒂斯音乐学校教授作曲与配器，并继续着作曲事业，创作出了《第二乐队散文》和合唱作品《秒表与军械图》等作品。第二次世界大战爆发，巴伯应征到德克萨斯州的沃斯美国空军总部服役，在此期间，他为空军写了《第二交响曲》（即《飞翔交响曲》）。若干年后，这位对自己严格要求得近乎苛刻的作曲家认为这部作品缺少交响乐的整体性，于是把乐谱尽数撕毁。在1984年，多得有心人又发现了残存的曲谱稿件，于是这部作品才能重见天日。
1943年，巴伯和梅诺蒂购买了一处房产，是纽约州基梭山的一座大别墅，他们将它称之为“摩羯宫”。这里成为他们的爱巢，两人在摩羯宫里住了将近30年，这里也成为许多艺术家们常常聚会的地方。这里给了巴伯无限的创作灵感，在这里巴伯创作了《摩羯宫协奏曲》和第一部美国“大”歌剧《瓦妮萨》。
然而，巴伯遇到了人生中第一次沉重的打击。大都会歌剧院委托他为林肯中心的新剧场开幕写一部歌剧，剧本由意大利导演泽非瑞利根据莎士比亚的剧作《安东尼和克莉奥佩特拉》改编而成。歌剧完成之后，泽非瑞利希望能够将它制作成一部舞台大歌剧，因此安排了众多道具和群众演员。结果造成演出的时候，舞台上人员众多，庞大而杂乱，设备出现了故障，噪声连天，甚至还有动物的喧闹声。结果可想而知，乐队的声音被彻底淹没了，没人欣赏的到音乐，尤其是巴伯注重刻画人物内心情感的独具匠心的音乐。
于是批评似潮水般铺天盖地向巴伯涌来，巴伯的创作斗志受到了打击。同时，他的感情上也出现了危机。美国的指挥家马斯·施佩尔斯出现在了梅诺蒂身旁。为了纪念这段无法挽回的恋情，巴伯创作了组歌《义无反顾》和声乐管弦乐作品《恋人们》，表达了他对走到尽头的爱情的不舍与痛苦。
1973年，巴伯卖掉了留有他和梅诺蒂共同回忆的“摩羯宫”，离开了伤心地，来到了曼哈顿。饱尝人生打击的巴伯沉溺于酒精的麻醉，甚至还会有间歇性的失忆。他的创作进入了停滞期。
1978年3月，巴伯迎来了他的68岁生日。他的伴侣瓦伦丁·赫兰茨和众多好朋友们为他精心准备了生日晚会。在好心情的衬托下，巴伯似乎又恢复了激情与活力。这一年，他创作了《第三乐队散文》，让人感觉到了他的信心。
然而，巴伯被诊断出了多重骨髓瘤，在1984年去世。他的墓地旁留下了空位，似乎在等待某个人。他曾经说过，如果梅诺蒂葬到别处，那么就在此处放一个牌子，上面写：“怀念两个朋友”。
主要成就：
《弦乐柔板》几乎已经成为巴伯的标签了。提起巴伯就不能不联想到这部感伤哀婉而不流于多愁善感的音乐。一种如歌的感觉渗透到他的音乐当中，给人以别样的刺激。
1936年，巴伯创作了《弦乐四重奏》，《弦乐柔板》是其中慢板乐章，在1938年，巴伯把它从弦乐四重奏里剥离出来，将其改编为弦乐，成为可以让管弦乐团独立演奏的小型音乐会作品。托斯卡尼尼指挥首演后一举成名，从此成为世界各国音乐会舞台上常演不衰的保留曲目。
《弦乐柔板》的篇幅并不长，演出时间大约10分钟。但全曲的旋律极其优美，线条绵远有偿，缠绵悱恻，如诉如泣，百转千回，自始至终仿佛在寂寥苍茫的旷野中，从遥远处传来的呼号，应和着心底那份无法排解的忧郁和伤感。这首忧伤的曲子由主奏小提琴引领，大提琴和低音提琴则在一旁连续奏出沉重的音符。之后乐团的各种管弦乐开始进入，并且交替转换角色，曲子的力度也开始增强，规模逐渐增大。尤其是后半部分，大提琴表现得宏大、沉稳、肃穆，小提琴的旋律在其衬托下，不断上行几近极限，宛如伤心欲绝弦凝绝。高潮过后是短暂的沉寂，在结尾处又恢复了平静，音乐恢复到肃穆而又平静的诉说，直至最后的沉静不语，绕梁之音不绝于耳。
整曲自始至终沉浸在难以排遣的悲哀之中，充满了感人至深的悲情色彩，在各种追思和纪念音乐会上，人们往往借助它来表现对逝者的怀念和感伤。美国总统罗斯福去世后，电台在向全国播送讣告通知时播放了这首曲子。肯尼迪总统遇刺身亡，纪念音乐会上也演奏了这首曲子。“9·11”事件发生后，美国的交响乐团在哀悼音乐会又奏出《弦乐柔板》，抚慰了受难者亲人遭受重创的心灵。在众多的影视作品中，它也常常被用来作为烘托气氛的背景音乐，像知名的电影《象人》，《野战排》等等。巴伯也许写过更为伟大和重要的作品，但就声誉或广受欢迎的程度而言，没有一首可以和他创作的弦乐柔版相提并论。《弦乐柔板》成了耳熟能详的曲子，而它的创作者巴伯则成了家喻户晓的名字。
罗克伯格：序列主义大师
国籍：美国
生卒年：1918-
全名：乔治·罗克伯格
职业：作曲家
代表作品：《狂欢节音乐》、《夜乐》、《随想曲》、《第一弦乐四重奏》
生平简介：
罗克伯格出生于美国的新泽西州的帕特森市。青年时期，曾经在蒙特克莱州师范学院和纽约的曼内斯音乐学校进行音乐专业的学习，主要是作曲和理论方面的知识。
二战之后，罗克伯格进入了军队，担任中尉的职务。在1945年二战结束后复员，又到柯蒂斯音乐院及宾夕法尼亚大学进行系统地音乐学习。在那里，他得到了名师名家的指导，取得了显著的进步。1948年，被柯蒂斯音乐学院聘用。他在那里担任了8年的授课老师，还获得过弗尔勃莱特奖学金。1949年，从宾夕法尼亚大学毕业，获得了硕士学位。
1950-1951年，罗克伯格还曾经到意大利罗马学习。回国后，被聘为普雷塞公司的音乐编辑、宾夕法尼亚大学的音乐系主任，并不断地帮助多所基金会和音乐学院完成创作。1953年凭借《夜乐》获得格什温纪念奖，1961年又因为《第二交响曲》获瑙姆堡唱片奖。
罗克伯格算是位大器晚成的音乐家，他自幼开始学习音乐，但是到了70年代才在乐坛成名。他的创作风格受到不同美学思想的影响，在不同的阶段不断转轨，形成了现代音乐的不同发展倾向。但是每个风格的作品，都会有比较成功的代表。
40年代，他受到斯特拉文斯基等人的影响较为突出。这一时期他的代表是《随想曲》和《第一弦乐四重奏》等作品。50年代，开始深入研究音乐结构的逻辑性，开始也能用十二音音列进行创作，并发表不少音乐论著，1955年编写成了《六声音阶以及它与十二音音列的关系》。
1957年后，他转向了序列主义。紧接着，他对复合速度产生了兴趣，要用它来破除序列主义对表达方面的限制，构想出“存在空间”的理论。60年代初，他又摆脱了序列主义，回归到了调性音乐语言当中，与当时所谓的“新潮”音乐形成了极大的反差，再现了传统的自我风格。
于是在他的器乐作品当中，渗透着现代主义音乐的观念技法同浪漫主义的抒情风格，可以感受到巴赫等音乐大师的旋律风格，他将前人的风格和自己的风格巧妙地糅合，丝毫没有违和感，是一种完美的二次创作，形成了新浪漫主义的特征。
主要成就：
罗克伯格在现代主义音乐的喧嚣中冷静地思索探讨，摸索出了自己的一条“回归”之路。在他的音乐当中，体现的是一种融合的气氛，调性和无调性的区分没有那么严格，完全为音乐表现服务。
他的钢琴组曲《狂欢节音乐》就是新浪漫主义风格的代表作。作品中，作曲家营造出充满了现代气息感的的背景，在现代音乐思维的理念下，柔和了巴赫和勃拉姆斯的曲调旋律，充分发挥出了拼贴式的手法，组织了各个时期不同风格的音乐语言，将他们的风格文化提升到了现代的高度，显示出独具特色的艺术风格。
在音乐结构上，采用了传统曲式的“回旋曲式”，借鉴了浪漫主义的那种“散文”般的形式。为营造出朦胧意识当中的现代气息，罗克伯格在一开始就使用了延音踏板，使音符有了飘逸的感觉。
罗克伯格将巴赫的f小调创意曲和勃拉姆斯的随想曲曲调构成了音乐的发展，并用卡农调式让音乐循环发展，将直线上行的音乐推向高潮，在高超当中实现移位，实现了乐曲余音绕梁的效果。
创作当中，罗克伯格没有将调性和无调性截然分开，而是综合运用各种音乐素材，并“剪贴”巴赫、勃拉姆斯的调性音乐的语言，用一种回归的理念将现代思维对其进行组织、加工，有机地表现了出来，赋予音乐新的生命。
贝里奥：意大利先锋派代表人物
国籍：意大利
生卒年：1925-2003
全名：鲁契亚诺·贝里奥/卢恰诺·贝里奥
职业：作曲家，指挥家
代表作品：《模进》、《虚构的日记》、《第一弦乐四重奏》、《同步》
生平简介：
1925年10月24日，贝里奥出生在意大利北方的小城市欧内尼亚的一个音乐世家，他的祖父和父亲都是音乐家，贝里奥跟着他们学习钢琴、乐理、和声、对位技法等，直到19岁他的手指意外受伤而终止。
1945年二战结束后，他进入米兰大学学习法律，同时也在米兰音乐学院学习作曲，并在乐队里演奏，指挥歌剧等。1950年毕业后，贝里奥获得了作曲文凭，同年同美国歌唱家凯茜·贝贝里安结婚并移居美国。在美国，贝里奥获得了库谢维茨基基金会的奖学金，并且获得了机会进入到伯克郡音乐中心。在那里，他接触到十二音作曲技术，也是在那里，他开始对电子音乐产生了兴趣。
1954年，贝里奥认识了先锋派音乐的代表人物。1955年，在米兰广播电台成立了“音乐声响工作室”，这也是意大利第一个电子音乐工作，他尝试着进行了早期的电子音乐创作，产生了经典之作《主题“向乔伊斯致敬”》。在1956-1960年之间，他还创办了刊物《音乐爱好者》，推动了先锋乐派的音乐发展。60年代，贝里奥主要在美国从事教学的工作，由于他的作曲风格和流行的音乐语言同当时小众的现代派形成了鲜明的对比，所以他也被称为“前卫音乐的罗西尼”。在创作手法上，贝里奥也喜欢采用“拼贴”技巧，作品中会借鉴使用其他音乐家的旋律或者风格。
1974-1979年，贝里奥担任了法国蓬皮杜艺术中心音乐声学协调研究所电子音响部的主任。1975年，他凭借《虚构的日记》荣获意大利奖，1989年又获得了国际恩斯特·冯·西门子音乐奖。2003年5月27日，贝里奥在罗马去世。
主要成就：
贝里奥是创作、指挥、教学等各个方面的全能音乐家，他的创作，几乎遍及各种音乐形式。在他的作品里，可以看到各种被广泛应用、熟练操作的现代音乐技巧和各流派的风格技法，因此，贝里奥本人也被称为是一部现代音乐的“小百科全书”。
贝里奥广泛地从诗歌、文学等艺术作品中取材，从中提炼音乐语言素材，充分运用到他的创作当中。1964年创作的《民歌》，就是根据世界范围内不同地区9首传统民歌改编完成。他的作品《交响曲》中，第三乐章就是以马勒的《第二交响曲》的谐謔曲为核心素材，另外还可以感受到对斯特拉文斯基的《春之祭》、贝多芬的《第六交响曲》和德彪西的《大海》的引用和借鉴。
贝里奥在弦乐四重奏的创作上颇为拿手，将其视为承载音乐语言的最佳载体。当他在米兰电子音乐实验室工作的时候，就创作出了《第一弦乐四重奏》。这部作品展示了序列技巧，注重了离散、短促的音乐元素的对位。1964年创作完成的《同步》进一步整合了各种音色和技巧，形成了强烈的对比。由于贝里奥对于电子音乐格外的痴迷，因此在弦乐器上也追求别样的音响效果。1993年，他的《小夜曲》更加统一、协调，在情感表达上更加丰富，和早期的作品形成了强烈的反差。
虽然贝里奥的作品具有浓厚的时代气息，而具有不可避免的“世界主义”倾向，但他始终都保持着意大利音乐传统中由来已久的抒情性和戏剧性。在他的独奏作品中，以技巧华丽的《模进》为代表，先后展示了声乐、钢琴、竖琴、提琴等各种乐器的表现，被称为集中了20世纪下半叶音乐语言和乐器性能开发的“微型百科全书”。
《模进》系列在音乐语言上，突出了风格的多元；曲式创作上，尽显自由开放；此外作曲家还充分运用了复调因素，极大地挑战了演奏者和表演者的能力极限。独具匠心的创作和大师级别的表演技术，使《模进》系列被称为独奏作品中的经典，因此贝里奥凭借这一系列作品成为当之无愧的模进大师。
亨策：不拘绳墨的音乐家
国籍：德国
生卒年：1926-
全名：汉斯·威尔纳·亨策
职业：作曲家、指挥家
代表作品：《第四交响曲》、《第六交响曲》、《梅杜萨之筏》、《乡村医生》、《孤寂的林荫道》、《第五交响曲》
生平简介：
1926年7月1日，亨策出生于威斯特伐利亚的居特斯洛。亨策的童年时代，便和犹太邻居们一起学习钢琴，弹奏室内乐。1944年他应征入伍，先在波兰短期服役，然后加入了一个宣传影片小分队，战争结束时沦为英国战俘。
1950年，亨策担任威斯巴登州立歌剧院的芭蕾音乐指导。1952年以《第一钢琴协奏曲》获得舒曼奖，同年又凭借歌剧《孤寂的林荫道》誉满全球。1953年，他对德国日益反感，移居意大利，他的歌剧《乡村医生》获得了意大利奖。60年代初，担任萨尔茨堡莫扎特音乐馆任作曲研究班主任，这时开始为纽约爱乐乐团创作《第五交响曲》。1963年首次访美，目的就是参加伯恩斯坦指挥的《第五交响曲》的首演。
60年代，亨策逐渐对马克思主义以及新左派产生了兴趣，他表示要在音乐上致力于“人类最伟大的艺术事业——世界革命”。1968年的清唱剧《梅杜萨之筏》就是为了表现这一宗旨而创作。他的一系列作品开始反映他的激进理想和信条。
1969和1970年，亨策的事业发展重点移到了古巴。他在古巴教学、研究，并推出了《第六交响曲》。这部交响曲只有一个40分钟的乐章，还包含了越南等地的自由之歌，而且被评价为极端复杂且令人困惑。直到他的晚期作品中，他的好战立场才得以软化，这时的孤儿《我们来到河边》便充满了抒情意味。1990年，亨策荣获国际恩斯特·冯·西门子音乐奖。
主要成就：
亨策是二战之后德国的重要作曲家之一，他的创当中表现出了丰富的想象力和不拘绳墨的风格，集各家之所长于一体，在他的作品当中，可以看到广泛的题材，多样的体裁，感情丰富而细腻的声音色彩和抒情的技巧。他的创作范围有协奏曲、弦乐四重奏、器乐作品、声乐作品等。
他创作的年代跨越了半个多世纪，他的作品交织着随意和专业的严谨，交织着质朴与激进，既有意大利的华美又有德国的理性，有西欧的典雅之风又有南美的粗犷豪迈，在各种时空元素的交错之中，形成了自己的风格。
他所创作的10部交响曲在创作当中占有重要的地位，以气势恢宏的音响和强烈深切的感情，给听众深刻的音响。其中，第一到第五交响曲是抒发和表达个人情感为主的，第六交响曲之后，作曲家选择了更为宽阔的社会题材。他的交响曲技法复杂，风格多变，充满了活力和气魄，也表现出了作曲家与社会思考之间的关系。
清唱剧《梅杜萨之筏》是一部鞭笞人性之作，在机构上选择了带有表演色彩的喜剧样式，所以有些“复古”情绪。在西方音乐史上，这部作品也是带有革命性的清唱剧。亨策充分发挥出乐队的音响效果，采用了巨大的配器编制，作品演奏技巧复杂，成为20世纪无法超越的一部著作。
《梅杜萨之筏》带有明显的写实风格，在表演时，舞台中间为乐队，两侧则是代表“生的一面”与“死的一面”的合唱团，在开场时选择了怪异的管弦乐声调，通过朗诵、女高音独唱、合唱等展开剧情。作曲家才用细腻的笔触展现了“梅杜萨之筏”上的人们在死亡来临时的不安与惶恐，在终曲时曲风神秘诡异，营造了压抑的气氛，最终，在打击乐器沉重的节奏之下整部歌剧戛然而止。
潘德雷茨基：让音乐直接进入听众的感情和思想国籍：波兰生卒年：1933-全名：克里斯托夫·潘德雷茨基职业：作曲家代表作品：《广岛受难曲者的哀歌》、《路加受难曲》、《颂神歌》、《放射》、生平简介：
潘德雷茨基，于1933年出生于波兰登比查，曾在克拉科夫音乐学院学习。50年代后期的波兰，艺术政策逐渐走向开放。尤其是在1956年创立的“华沙之秋”音乐节，为波兰现代音乐和年轻音乐家的发展提供了便利的条件，客观上也促进了波兰现代音乐的发展。
1958年，潘德雷茨基从克拉科夫音乐学院毕业后，便留校任教，第2年，他参加了全国作曲比赛。他用了3个不同的名字交上了3首参赛作品，结果获得了3个一等奖。从此，潘德雷茨基的名字传遍了全国。
潘德雷茨基对试验新的音响有强烈的兴趣，在作品当中不断尝试发掘弦乐器的音响美丽，在《颂神歌》、《放射》等作品中都体现了他在音色方面丰富的想象力。在弦乐曲《广岛受难曲者的哀歌》当中，他还使用了新的音块手法。他对音色的处理手法，往往让人感觉耳目一新，更好地理解他的作品。
60年代后期，潘德雷茨基的创作风格开始转变，呈现出越来越多的“新浪漫主义”。他从过去的传统的音乐当中寻找素材和灵感。他在1963-1965年间创作的《路加受难曲》便可以令人想起巴赫的《受难曲》。
主要成就：
在潘德雷茨基所处的时代，流行的音乐大部分还拘泥于序列、程式，虽然有复杂的音响效果，但是干涩抽象的内容往往使音乐和观众之间产生强大的隔阂。潘德雷茨基虽然也在积极探索音响上的创新，但是他却紧密地将这种创新和音乐的内容联系在一起，让音乐更能为观众所理解。在潘德雷茨基看来，音乐应该能直接进入听众的感情和思想，深入到观众的内心当中。因此，他的音乐往往富有极强的感染力，受到了广大听众的欢迎。
1961年创作的《献给广岛受难者的哀歌》中，使用了许多先锋派的手法，进行了微分音的滑奏，在乐器上将微分音集成音簇以及使用不固定音高和弦乐的极限音高等等，形成了动态效果的音响结构。利用弓根和指尖敲击乐器，在琴码和弦柱上刻意造出具有表现性的声音，通过这种类似噪音般的尖锐刺耳的声音，营造一种紧张的气氛，表现痛苦的感情，造成独特的音响效果。
《路加受难曲》是继《广岛受难者的哀歌》之后的另一部著名的作品。这部作品当中也使用了音块和滑音，合唱队除了要歌唱主要的旋律之外，还要发出喊叫声、笑声等等音响效果，也是一部音响效果实验的作品。
潘德雷茨基的作品还有歌剧《劳登的魔鬼》、《失乐园》等。歌剧的选材均来自于17世纪的故事。《失乐园》中，用小提琴独奏作出铺垫，大提琴独奏的部分简洁朴素，大提琴和中提琴演奏出流连感伤的双重乐思，舒缓的旋律当中隐隐含有一丝尖锐的对抗。乐曲的前半部分悠扬洒脱，后半部分进行快速激越，在将要结束的时候，飘出了余音袅袅，令人感怀不已。
特里迪西：仙境里的爱丽丝
国籍：美国
生卒年：1937-
全名：大卫·德尔·特里迪西
职业：作曲家，钢琴家
代表作品：《爱丽丝交响乐》、《古典的爱丽丝》
生平简介：
德尔·特里迪西，出生于加利福尼亚州克洛弗代尔，从小就开始学习弹钢琴。16岁时，便跟随旧金山交响乐团首次登台表演弹奏钢琴。之后，便开始接受了系统的音乐训练。他曾在加州大学伯克利分校学习音乐，还在普林斯顿大学师从罗格·赛森斯学习作曲。毕业之后，德尔·特里迪西在波士顿大学和纽约城市大学等几所学校教授音乐。
60年代，他的音乐作品反映的还是他早期的音乐修养。而从1968年开始，他为列维斯·卡洛尔的《爱丽丝漫游奇境记》谱写系列音乐作品。1969-1972年，他创作完成了《爱丽丝交响乐》。然后在1972年开始创作《古典的爱丽丝》，1975年又开始了《地下历险》的创作。他曾经为爱丽丝的历险创作了四个部分的作品，分别是《儿童艾丽丝：夏日纪念》、《离奇的事件》、《快乐的声音》以及《金色午后的一切》，其中《夏日纪念》获得了1980年的普利策音乐奖。
主要成就：
作为新浪漫主义音乐家的代表，特里迪西在发掘现实题材的同时，还大胆引用了前人作品，在创作中激发了自己的联想，激发出灵感。
受到列维斯·卡洛尔的《爱丽斯漫游仙境》的启发，他创作了一系列管弦乐，并让他一举成名。
他借鉴使用了列维斯·卡洛尔的《爱丽丝漫游奇境记》中的一段文字，《祝福圣玛丽亚》中的祈祷文甚至还有巴赫清唱剧中的赞美诗，来创作专门为乐队、女高音使用的《流行曲集》。他的清唱剧《最后的爱丽丝》是著名的代表作。全长65分钟，乐队规模庞大，有讲述者，萨克斯管、手风琴、曼陀林和一个大管弦乐队组成。作品颇具交响乐的力量，按照歌剧形式进行，既有民间乐器的风格展现，又含有新的流行音乐元素，是一部巧妙融合了前人风格的再创作。
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