印象主义是受到文学和绘画艺术上的象征主义及印象主义而产生的一种音乐流派，也是音乐进入现代主义的开端。它运用了一种抽象的、超越现实的风格，更多地是通过描述一种印象或者感觉，传达出一种朦胧的氛围。
19世纪中期之后，随着资产阶级民主主义运动的兴起，民族民主意识的日益觉醒，在欧洲乐坛，尤其是东、北欧的一些国家当中，出现了一批振兴本民族的音乐家。他们追求鲜明的民族特性，希望通过创作反映本民族的历史，以本民族的人民生活为题材。用本国优秀的民间音乐素材表现爱国主义，因此他们的音乐带有鲜明的民族风格。这批作曲家就构成了民族乐派。
19世纪末是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，它是浪漫主义乐派向现代主义乐派过渡的桥梁，对近现代音乐的发展起了重大的作用。
格林卡：农奴乐队里的音乐家
国籍：俄国
生卒年：1804-1857
全名：米哈伊尔·伊凡诺维奇·格林卡
职业：作曲家
代表作品：《伊万·苏萨宁》、《鲁斯兰与柳德米拉》、《行板与回旋曲》和《降B大调交响曲》、《威尼斯之夜》、《胜利者》、《降E大调钢琴弦乐六重奏》、《祝贺之杯》、《阿杰尔》、《玛加丽塔之歌》、《芬兰湾》、《向祖国致敬》、《苏格兰主题变奏曲》、《卡玛林斯卡亚》、《可怜的歌手》、《安慰》
生平简介：
格林卡出身于俄国西部的一个富裕的地主家庭。他的家里拥有广袤的土地和庄园，小时候的格林卡便在庄园内静谧的环境中，感受到自然的美好。在这里，美妙的俄罗斯民歌伴随他成长。农村的歌手，他的乳娘都会给他唱动听的歌曲，小小的心灵便被那迷人的旋律所打动。
舅舅家里有一支农奴乐队，这支乐队经常演奏西欧的音乐。格林卡就这样慢慢接触到海顿、莫扎特、贝多芬等人的作品，心中对音乐产生了强烈的兴趣。后来，他不满足于只是一个听众的角色，于是开始向农奴音乐家们学习小提琴，甚至加入到乐队当中。农奴乐队给他带来了无限欢乐。在乐队演奏质朴优美的俄罗斯民歌的时候，他眼睛也不眨一下地一坐就是几个小时，痴迷地倾听。10岁的时候，这个小孩子竟然似模似样地说：“音乐是我的灵魂”。在和农奴乐队学习的过程中，格林卡与底层的劳动人民建立了亲切的友情。他在童年时代听到的民歌，也成为他后来创作的源泉。
14岁，格林卡被送入了圣彼得堡贵族寄宿学校，艺术事业一下子开阔了。他能够在课余时间去剧院观看歌剧、欣赏音乐会，参加贵族们的家庭音乐会，接触到了更多更广泛的音乐作品。求学期间，格林卡跟外籍音乐家菲尔德学习钢琴、小提琴以及和声，开始接受了较为正规的音乐教育。当时，新兴资本主义力量不断发展壮大，十二月党人的自由进步思想也广为流传，影响了学校的一些教师和学生的思想。格林卡的文学老师丘赫尔也是十二月党人，对他产生了很大的影响。并且通过这位老师，格林卡认识了普希金，从此两人结下深厚友谊。
从学校毕业后，格林卡先是去了高加索。那里秀美的自然风光，朴素的民风和别具特色的民间音乐舞蹈，都给格林卡提供了之后创作东方特色的音乐提供了丰富的素材。格林卡回到故乡之后，又再次投身加入到农奴乐队，进行演奏和指挥。他的管弦乐方面的知识进一步得到加深和巩固。
20岁的格林卡在彼得堡交通部担任公职，但是他将大部分的精力都投入到音乐活动当中。通过听音乐会、跟随歌唱家学习声乐、参加音乐沙龙等活动，他认识了许多志同道合的朋友，自己也逐渐成为出色的钢琴家和歌唱家。格林卡的兴趣也慢慢转向了作曲，他开始认真地学习作曲理论，以古典主义乐派的音乐为基础进行模仿和创造，创作出了一批质量比较高的作品，如《F大调弦乐四重奏》、《F大调钢琴变奏曲》、《降E大调夜曲》等。同时还有一些诸如《可怜的歌手》、《安慰》等浪漫曲作品。
格林卡深深感觉到，俄国没有真正属于自己的音乐和音乐家。上流社会的贵族们欣赏的是西欧的音乐，歌剧院上演的节目也只有意大利的歌剧，而俄国自身的民歌和民族音乐却被压制和漠视。格林卡从心底想要创作出属于自己民族的风格音乐。而想要俄罗斯的音乐得到世界的承认，便不能故步自封停留在现在的水平上，要真正掌握世界顶尖的作曲技巧。
30年代初期，他怀揣着梦想，远赴维也纳与柏林求访名师，在意大利，他吸纳了当时世界级领先的音乐创作水平，并深深受到了意大利浪漫派风格的影响，这些影响体现在他所创作的浪漫曲、变奏曲以及小夜曲等。他的创作受到了当地观众的好评，随之逐渐成名，可是格林卡却不愿意成为一个意大利人，他要做自己祖国的音乐人，想要创作出真正属于俄罗斯风格的音乐。于是在1834年，格林卡回到了祖国，开始创作歌剧《伊凡·苏萨宁》，讲述农民为保卫祖国而献身的故事。在上演的过程当中，歌剧遭受到了重重阻碍。沙皇命令将歌剧改名为《为沙皇献身》，并让御用文人修改剧本，塞进了对沙皇歌功颂德的句子。尽管这样，作为第一部俄国自己的歌剧，这部作品上演之后还是取得了巨大成功。沙皇任命他为宫廷乐队的指挥。
普希金因此也作诗送给格林卡庆贺他的成功，因为格林卡在俄语里的意思是“粘土”，他便写道：“格林卡不会被踩到泥土下”，可谓语带双关，诙谐又励志。
普希金被誉为“俄国诗歌的太阳”，他的诗作当中充满了俄国的民间风格。格林卡很想将他的浪漫主义叙事诗《鲁斯兰与柳德米拉》改编为歌剧。两人之前已经有过默契的合作，因此普希金十分赞同。正当格林卡准备着手开始创作的时候，一个噩耗传来，普希金在一次决斗中失去了生命。格林卡用了两年时间才消化掉了这个哀伤的消息，才拿起笔来开始创作。
但是，不幸又接踵而至。他的弟弟英年早逝；他自己身在宫廷乐队中处处受到排挤和打压，这样的心情和环境之下他便递交了辞呈，这个行动自然又引起上层社会中的一片敌视；之后他和妻子的感情走到崩溃的边缘，甚至达到了离家出走的程度。《鲁斯兰与柳德米拉》的创作过程历尽了艰难，但是真正开始起来，格林卡便以惊人的毅力夜以继日地疯狂地创作。
1942年，《鲁斯兰与柳德米拉》终于创作完成。首演的时候，便受到了沙皇贵族派的攻击和敌视，有人轻蔑地称之为“马车夫的音乐”。但是这部站在平民角度，为人民创作的具有俄罗斯风格的作品却得到了进步人士的好评。他们认为这是“长在俄罗斯音乐土壤上的一朵灿烂的、百年只开一次的鲜花”。
1844年之后，格林卡选择了再次走出国门，和世界顶级的音乐家们做更多的交流与沟通。这次，他在巴黎吸纳了欧洲音乐界的新潮流和新思想，在那里，他遇到了柏辽兹。之后为了追求更加自由华丽的音乐风格，他又去了西班牙，在那里他可以接触到热情洋溢摇曳生姿的西班牙舞曲等音乐素材，从而进一步丰富了自己的视野和创作源泉。这段时间里，他潜心研究当地的音乐，结合西班牙的音乐特色，创作了以西班牙音乐为主题的随想曲《阿拉贡·霍塔》以及《马德里之夜》。
1847年，格林卡回到了祖国，在第2年写出了交响幻想曲《卡玛林斯卡亚》。虽然采风归来的格林卡有了更加旺盛的创作激情和饱满丰富的创作素材，但是归国之后他依然被打压被排挤，难以施展出应有的才华。他酝酿创作的重大大型音乐也成为泡影，他几乎失去了创作的斗志，只依稀留下了一些浪漫曲作品。
1856年，格林卡再次离开国家，却不料，这次成为他人生当中的最后一次出国旅行。1857年2月15日，他在柏林逝世。
主要成就：
格林卡的大型歌剧作品为数不多，但是他却是俄国歌剧的创始人和奠基人。歌剧《伊凡·苏萨宁》是以真实的历史故事为题材。1613年，在抗击波兰侵略者的战斗中，俄国农民苏萨宁为保卫祖国而壮烈捐躯。这部歌剧首次以俄国的农民为主人公，后来被称作是俄罗斯民族歌剧的奠基之作。这个题材反映了作曲家要创作民族英雄悲壮歌剧的愿望，倾注了格林卡的爱国热情。歌剧的音乐是带有俄罗斯民歌特色的优美旋律，其中气势磅礴、令人荡气回肠的剧终合唱《光荣颂》最为著名。《伊凡·苏萨宁》是在格林卡吸收前人经验和广泛学习西欧音乐技巧的基础上，创作的第一部用俄语演唱的歌剧，改变了俄国乐坛的沉寂之风，受到广大群众的好评。
1814年，俄国政府规定12月25日为解放纪念日，要求全国在这一天要鸣钟一天表示庆祝。格林卡的故乡的钟声，从清晨到黄昏一直回荡在村子的上空。代表胜利的钟声，给格林卡留下了深刻的印象。1838年，在彼得堡大剧院首演的《伊万·苏萨宁》的终场合唱《光荣颂》中，观众再次听到了这个象征着俄罗斯民族精神的钟声。
另一部歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》是根据普希金的同名长诗构思创作的神话歌剧，表现了英勇果敢的英雄主义、自信达观的乐观主义主题，具有先民的民族音乐特色，展现了高超的艺术技巧，充满浓郁的东方情调和民间色彩。歌剧的序曲以鲜明、生动的音乐语言概括了主要剧情。那神奇美妙的曲调，仿佛可以将人们带进古老神秘的神话幻境中去，为神话史诗剧的创作奠定了基础。
格林卡既是俄国歌剧的奠基人，又是俄国交响曲的奠基人。在著名的管弦乐曲《幻想圆舞曲》中，他就尝试着将俄罗斯舞曲交响化。在为伊·库科尔尼克的悲剧《霍尔姆斯基》配乐时，又再次为俄国戏剧音乐的交响化提供了宝贵经验。交响幻想曲《卡玛林斯卡亚》是格林卡交响乐创作的顶峰。他成功地将欧洲古典交响乐的艺术成就与俄罗斯民间音乐传统完美地结合，将俄罗斯民歌交响化，使之成为俄国第一部的交响乐作品。这部作品如一盏明灯，照亮了后来的俄国交响乐作曲家的创作之路。
格林卡还创作了自己最有价值的浪漫曲。这些浪漫曲吸收了俄国城市民歌的创作成果，同时又将其进一步发展，抱起了陈旧的伤感情调和刻板的表现方式，展现了自己的创作个性，推动了俄国声乐技术的发展。格林卡曾经将普希金的一篇诗作《我记得那美妙的一瞬》改编成了浪漫曲。音乐与诗歌得到了完美的结合，起初，动人的旋律响起，幸福的激情弥漫流淌开来。当正想沉醉其中的时候，乐曲却又转向了哀伤。要知道，生命当中总有苦痛和波折。然后，毕竟黑暗是暂时的，光明终究会战胜黑暗，而优美动人的旋律也将再次响起。
1845年，柏辽兹等人在巴黎指挥演出了他的歌剧选段，这是西方乐坛上第一次演奏的俄罗斯音乐。格林卡的歌剧作品是俄罗斯民族歌剧的典范，成为俄罗斯歌剧宝库中的珍品，甚至成为世界歌剧史上的杰作。
鲍罗丁：星期日作曲家
国籍：俄国
生卒年：1833-1887
全名：亚历山大·鲍罗丁
职业：作曲家、化学家
代表作品：《伊戈尔王子》、《勇士》、《在中亚细亚草原上》、《为了遥远祖国的海岸》、《睡公主》、《幽暗森林之歌》、《海王的公主》、《海》、《我的歌声中充满了恶意》
生平简介：
19世纪60年代，俄国5位进步青年作曲家组成了“强力集团”，他们致力于挖掘民间音乐题材，创作展现祖国历史、面向现实的音乐作品，为推动俄罗斯民族音乐的发展进行了探索和创新，成为俄罗斯民族音乐创作队伍中的主力军。这5位年轻人分别是米利·阿列克谢耶维奇·巴拉基列夫、凯撒·居伊、莫捷斯特·彼得诺维奇·穆索尔斯基、亚历山大·波菲利维奇·鲍罗丁以及尼古拉·安德烈耶维奇·里姆斯基-科萨科夫。“强力集团”的主要成员当中，鲍罗丁是较为特别的一位。他甚至不是专职的音乐家，但是他在音乐领域所取得的成绩，为俄罗斯音乐的发展起了重大的作用。
鲍罗丁是当时格鲁吉亚的亲王同一位军医的私生子，因此，他被登记为亲王的农奴包里斯·鲍罗丁的儿子。他从小跟随母亲长大，自幼受到了良好的教育。他天资聪颖，精通几国语言，在科学与音乐方面都有惊人的天才。9岁时，鲍罗丁开始接受音乐的启蒙，学习演奏长笛和大提琴。14岁时开始作曲，并发表了一首长笛协奏曲和一首弦乐三重奏。
1850年，鲍罗丁进入彼得堡医药学院学习化学，毕业留校任教。3年后，25岁的鲍罗丁获得化学博士学位，一直在医学院从事教学和科研工作，并在科学领域做出了巨大的成就。1862年，鲍罗丁结识了作曲家巴拉基列夫，即后来的“强力集团”的发起者。巴拉基列夫所倡导的发展俄罗斯民族音乐的主张令鲍罗丁极为赞赏。从此他便利用业余时间积极从事音乐创作，并加入了发展俄罗斯民族音乐的“强力集团”。
但是鲍罗丁的创作之路似乎并不顺利，1867年喜歌剧《勇士》上演遭到失败，1869年他的《第一交响曲》上演，巴拉基列夫指挥演出，首演失败。同年他的《第二交响曲》上演也不成功。但是在李斯特的帮助下，他的作品得以在1880年于德国演出，鲍罗丁的名字终于出现在西方乐坛。
1869年，鲍罗丁开始创作大型体裁的歌剧《伊戈尔王子》，这是一部具有强烈民族主义精神的作品，鲍罗丁对其投入了大量的心思和心血，但是遗憾的是，他的精力被他所从事的科学事业而分割了，所以他最终竟没有将这部作品全部完成。在他离世之后，他的朋友和伙伴们将他的事业继续了下去。
1872～1887年，鲍罗丁创办了女子医科大学并在这所学校里任教。1877年2月27日，在彼得堡参加一个盛大舞会时，鲍罗丁濡染心脏病猝发不久就去世了。去世后，他被安葬在亚历山大·涅夫斯基公墓中穆索尔斯基的墓旁。他的墓碑上刻的是他生前音乐作品的主题和他研究的化学公式，向世人讲述着他同时身为音乐家和科学家那不平凡的一生。
主要成就：
历史上有很多音乐家，他们所学的专业和音乐没有关系，最初学习音乐或者从事音乐都是在课余，但是经过一段时间之后，往往就全身心投入到音乐领域当中，以此为生。但是明显的，鲍罗丁与他们不同。他的职业是化学家，还是位特别称职特别敬业的化学家，他是世界上最早制成苯甲酰氯的人。工作日里，他埋头于实验室中，只有在休息时间或者星期日才有时间从事音乐创作，因此，被称为“星期日音乐家”。
英雄性和史诗性似乎永远是鲍罗丁音乐作品中的主要主题。他的音乐往往带有很强的民族性，有的甚至还带有独特的东方情调。在他的作品中，展现了俄罗斯人民的生活状态与精神面貌，歌颂了俄罗斯古代英雄人物的勇敢气概。
1869年，在朋友的建议下，鲍罗丁参照俄罗斯史诗《伊戈尔远征记》开始了歌剧《伊戈尔王子》的创作。这样的作品充分符合鲍罗丁的民族主义精神，但是由于在创作的同时还得兼顾化学方面的工作，因此脚本进展得很慢，直到他去世时，这部巨作还没完成，而是由朋友继续写完。
歌剧《伊戈尔王子》描绘了古代俄罗斯伊戈尔王为复兴祖国而斗争的故事，展现出了恢宏的历史画面，有带有深刻的抒情气息。虽然没有直接引用民歌，但是运用了俄罗斯民间哀歌的典型音和波洛维兹舞曲的节奏特色，灌注了鲍罗丁多年对俄罗斯民歌钻研的心血。展现了古代东方民族粗犷慓悍的民族特性，并抒发了他深厚的爱国主义精神，凭借优美的旋律，精致的和声，高贵宏伟的气派和奔放的抒情技巧再现历史的辉煌。歌剧中的咏叹调成为著名的唱段，优美的东方韵味的旋律以及动人的歌舞音乐，让人回味无穷。
鲍罗丁的交响音诗《在中亚细亚草原上》，是为一副画面所写的音乐。画面的题材是俄国历史上的传说，作品描述的是在中亚细亚草原上，一支商旅队伍在俄国军队的保护下安全行过沙漠和草原的故事。旋律朴实动人，配器清新独特。乐曲用小提琴在高音区的持续泛音，展现了大草原的广阔无垠，空旷寂静的特点。长笛和双簧管吹奏出俄罗斯民歌旋律，使人联想到一群骆驼和商队从远处行来。音乐在全奏中展开，表现出商队和军队的融洽关系，逐渐消失在远方。这部作品立意明确，结构简练，小巧而优美，被鲍罗丁自己称为“管弦乐音画”。
他的《D大调第二弦乐四重奏》，也是充满了俄罗斯民族风格的作品，旋律柔美，语言新颖，曲调抒情，真挚亲切。第一乐章带用了奏鸣曲式，洋溢着积极向上，催人奋发的精神。 第二乐章是充满活力的谐谑曲。轻快明朗，而又柔和优美，对比鲜明。第三乐章用大提琴的淳雅优美和小提琴清新秀丽展开了对应，像恋人间的私语。第四乐章表现出了对光明的向往。音乐明快又抒情。
鲍罗丁的音乐审美带有明显的西方影响，但在追求民主、进步的世界观驱使下，在追求俄罗斯和东方民族风情的艺术观支配下，他的作品展现出鲜明的民族风格和史诗性、抒情性的特征，为俄罗斯音乐的发展起了重要的推动作用。
柴可夫斯基：旋律大师
国籍：俄国
生卒年：1840-1893
全名：彼得·伊里奇·柴可夫斯基
职业：作曲家
代表作品：《胡桃夹子》、《天鹅湖》、《f小调第四交响曲》、《e小调第五交响曲》、《悲怆交响曲》、《叶甫根尼·奥涅金》、《黑桃皇后》，《睡美人》、《第一钢琴协奏曲》、《罗科主题变奏曲》、《第一弦乐四重奏》、《纪念伟大的艺术家》、《1812年序曲》、《罗米欧与朱丽叶》、《里米尼的弗兰切斯卡》、《哈姆雷特幻想曲》、《四季组曲》
生平简介：
1840年5月7日，柴可夫斯基出生在乌拉尔的一个富裕之家。父亲是一个冶金工厂的厂长兼工程师，母亲是一位大家闺秀，有很高的音乐修养。在富裕的家庭环境和母亲的熏陶下，柴可夫斯基4岁就开始学习弹奏钢琴，简直对钢琴达到了痴迷的程度，家里人甚至都管他叫“小疯子”。两年之后，他已经成为远近闻名的“小钢琴手”了。
由于当时艺术家的地位不高，父亲强烈反对他把音乐当作主业。于是10岁的柴可夫斯基被送入彼得堡法律学校从事法律专业的学习。14岁的时候，不幸开始降临。他的母亲染上霍乱去世了，原本富裕的家庭也开始衰落。柴可夫斯基只能到法院担任法庭的书记员，靠微薄的薪金勉强度日。
8年之后，22岁的柴可夫斯基遇见了著名的钢琴家鲁宾斯坦。正好鲁宾斯坦要在彼得堡开设俄国第一家音乐学院圣彼得堡音乐学院，于是柴可夫斯基便辞了职，考入了该学院的作曲系，跟随鲁宾斯坦学习音乐创作。他的毕业作品是以德国诗人席勒的《欢乐颂》为题创作的大合唱，上演后荣获了毕业生大奖。在鲁宾斯坦的邀请下，柴可夫斯基担任了莫斯科音乐学院的作曲系教授。从此，柴可夫斯基便开始了他的音乐创作生涯。
但是，柴科夫斯基的人生尤其是情感遭遇，却从来没有一帆风顺过。曾经有一个来自法国的演出团到莫斯科表演，其中一位女歌手深深为柴可夫斯基的音乐才华所打动，而柴可夫斯基也为她美妙的歌声所倾倒。因为音乐的原因，两个人走到了一起。女歌手要到世界各地区演出，两人便鸿雁传书书信往来。不久两人就发展到了谈婚论嫁的地步，然而柴科夫斯基却又犹豫起来，在感情和事业之间不知道如何取舍，唯恐因为婚姻而荒废了事业。这种犹豫与迂腐的态度令女方十分不满。于是，在去西班牙演出的时候便迅速与当地的一个男子成婚。
爱人结婚了，新郎不是他。准新娘的闪婚让柴科夫斯基措手不及，哀伤、痛苦，都不足以表达他当时内心的那种痛苦。他只能将心中的痛苦通过最为热爱的音乐表达出来。于是，那段时期，他有了源源不断的创作。《第一弦乐四重秦》《第二交响曲》、歌剧《暴风雨》、《罗密欧与朱丽叶》、《钢琴协奏曲》、《第三交响曲》、还有后来我们所熟悉的芭蕾舞剧《天鹅湖》，甚至是根据普希金的诗歌而创作的《叶甫盖尼·奥涅金》、钢琴套曲《四季》等。
再后来，女歌手再次来到莫斯科演出，柴可夫斯基没有与她见面，而是选择独自一个人，坐在包厢里，静静地观看台上的她。
柴可夫斯基继续一个人进行着他的创作事业，直到有一天，一个名叫安托尼娜·米留克娃的女学生打破了他生活的宁静。她为他的才华所吸引，深深为他沉迷而不能自拔，简直可以说是到了非君不嫁的地步。女孩儿的执着终于打动了感情丰富的柴可夫斯基，两人终于走进了婚姻的殿堂。可是疯狂的追星行为往往不能带来好的收场，当少女终于如愿以偿和偶像生活在一起的时候，才发现现实原来并不如想象中美好。更何况，这还是37岁的内心敏感而脆弱的音乐家以及一个才刚刚20岁的未谙世事的妙龄少女的组合。于是佳偶变怨侣，婚后不到10天，两人就反目成仇。
绝望侵蚀了柴可夫斯基，他跳下了冰冷的河水，想要结束这波折的命运，但是他的弟弟发现了，将他救起。
两次失败的婚姻，给柴可夫斯基带来了巨大的精神压力，甚至有人怀疑他是同性恋。精神上极度崩溃的柴可夫斯基被送到国外疗养。
在生活上，柴可夫斯基曾经得到一位梅克夫人的资助。梅克夫人是一位富翁的遗孀，她喜好音乐，精明强干，曾经帮助丈夫富甲一方。在丈夫去世之后，她便守住庄园，安闲度日。当她听到柴可夫斯基的《暴风雨》时，便十分青睐他的才华。于是，便答应每天资助他6000卢布，条件是柴可夫斯基每有新作品，必定首先给她过目，而且两人只能书信联系，不能见面。
梅克夫人的出现是柴可夫斯基一生的转机。柴可夫斯基回国后，辞去了音乐学院的工作，在梅克夫人的资助下专心从事创作。他陆续完成了著名的《小提琴协奏曲》、《意大利随想曲》等作品。
13年的时间里，柴可夫斯基坚守着和梅克夫人的约定，2人往来的信件大概共有2000多封，厚得可以订成一本书了。两人的情感世界通过书信进行交流，但是从来没有在正式场合见过面。唯一能勉强称得上见面的一次，是在的意大利两个人偶然间的相遇。梅克夫人走过柴可夫斯基的旅馆楼下，而柴可夫斯基却刚好行至阳台，目光相遇那一刹那，便匆匆移开，从此再无交集。在这种纯洁情谊的支持下，柴可夫斯基拥有了属于他自己的音乐成就。
后来，梅克夫人的产业上遭遇了低谷，子女和亲属强烈反对她继续资助柴可夫斯基。这样的情况下，梅克夫人不得已只能停止了对柴可夫斯基的资助和彼此之间的书信来往。13年来的联系在一夕之间断得干干净净。对于柴可夫斯基来说，这可能是人生当中最大的磨难了。没有了经济上的资助，他还可以忍受。可是失去了精神上的支柱，他支撑不下去了。
1893年，柴可夫斯基完成了他人生当中最后一部交响曲——《第六交响曲》，柴可夫斯基将它命名为《悲怆交响曲》，似乎暗示了他已经向人生的挫折屈服了。同年11月6日，柴可夫斯基在圣彼得堡的哥哥的寓所中去世。去世的时候，他不让任何人守在他身边。
直到他死后，围绕他的传言还在继续：有人说，他是因为同性恋倾向而被逼死亡的；有人说，他是服食砒霜自杀的；还有人说，他临终前反复呼唤着梅克夫人的名字……主要成就：
柴可夫斯基几乎是全世界最受欢迎的作曲家了。他将民族音乐与西欧古典音乐融汇贯通，创作出大量的优秀作品。在作品中流淌出的情感时而热情奔放，时而细腻婉转。他的音乐抒情而又华丽，充满了激情，带有强烈的管弦乐风格，具有十分强烈的感染力，他的作品当中也可以反映出作曲家极端情绪化、具有忧郁敏感的性格特征——会突然萎靡不振，又会在突然非常积极乐观，这与他的人生境遇有很大关系，反映在音乐上则可以看出他的音乐一会儿慷慨激昂、热情奔放，一会儿又辗转细腻，忧伤悱恻。但不管怎么说，柴可夫斯基的音乐真挚、热情，对人的心理的刻画生动细致，既有强烈的、震撼人心的戏剧性，又感人肺腑。从他的旋律中，可以感受到俄罗斯民族独有的风格，感受到他饱满浓重的和声当中那难以言传的特有魅力。
柴科夫斯基的《第一钢琴协奏曲》是他早期的著名钢琴协奏曲，一开始它并没有得到公众的认可。直到1875年，德国钢琴家彪罗在美国巡演时，首次演奏这首作品才获得很大的成功。《第一钢琴协奏曲》是一部通俗的协奏曲，但是其构思宏伟广大，作品规模庞大，几乎可以算是一部交响曲。由于是较为早期的作品，它反映出作者对生活的热爱，积极向上的人生态度，而且乐曲当中引用了乌克兰曲调，因此带有深厚的民族特点。
《第一钢琴协奏曲》的思想内容和艺术形象十分丰富，继承了贝多芬协奏曲交响化的思想，让乐队发挥了重大的作用，让它详尽地向观众描绘生活或自然中的形象，而通过独奏乐器来展现个人的情感。
柴科夫斯基采用了较为传统的三乐章结构。第一乐章最为交响化，在全篇起主导作用，奠定整部作品的感情基调；在第二乐章当中是一首抒情的间奏曲，音乐温雅而悦耳，反映了人与自然的和谐融洽，充分展现了作曲家的抒情性。第三乐章中，奏鸣曲式的音乐光芒万丈、富丽堂皇，是欢乐的颂歌，充满了蓬勃向上的生命力，发挥了作曲家最大的想象力。《第一钢琴协奏曲》表现了柴可夫斯基的乐观开朗的情绪，称得上是19世纪俄罗斯钢琴音乐的一个顶峰。
作为著名的舞剧音乐大师。柴可夫斯基的《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》等都是长盛不衰的曲目。
柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》作于1876年。这是他的第一部舞剧，取材于民间的童话。一位公主在天鹅湖畔被恶魔施法变成了白天鹅。后来一位王子到了天鹅湖，深深爱上了这位白天鹅公主。为了欺骗王子，恶魔让他的女儿黑天鹅伪装成白天鹅公主。王子险些上当，但最终及时发现了事情的真相，打败了恶魔。白天鹅得以恢复公主原形，与王子幸福地生活在一起。当时的芭蕾音乐一般是由剧院的专属作曲家来完成，服务于编舞的需要。这部作品是柴可夫斯基在芭蕾舞曲的一个尝试。作品中相同的旋律反复转调演奏，在音调和音色上都有鲜明的对比反映不同情景下人物的内心。柴可夫斯基将芭蕾处理得如同想象力丰富的音乐作品。
《睡美人》也是一部短小精悍的佳作，是一部带有浓郁的俄罗斯风情的三幕芭蕾舞剧。这部组品根据童话故事改编：美丽的公主受到巫婆的诅咒，在16岁时被纺锤刺伤手指而倒地不起，沉睡百年。百年之后，有位白马王子经过，用热烈的吻唤醒了沉睡中的公主。在整个芭蕾舞剧的历史上，《睡美人》都占据了主要的高度，可以说它代表着古典舞剧的高峰。柴可夫斯基将全剧中精彩的片段改编为组曲，即《睡美人》组曲。
其中，第二首曲子是《玫瑰花的慢板舞曲》，讲述的是公主在16岁的生日宴上接受众多追求者赠送玫瑰花的情景，旋律柔美温婉，满含深情，让人感受到公主华贵优雅的气质。组曲中的第五首曲子是弦乐队演奏的轻松而充满活力的圆舞曲，表现了王子们热烈而踊跃地向公主求婚的场景。
芭蕾舞剧《胡桃夹子》是柴可夫斯基创作的最优秀的芭蕾舞剧之一，有人将它称之为“圣诞芭蕾”，那气势宏大、华丽壮观的舞台场面和诙谐生动打动人心的精湛表演，具有强大的魔力，深深打动了观众的心。
剧本来源于德国作家霍夫曼的童话《胡桃夹子和鼠王》，全剧充满了传奇的神话色彩，带有儿童音乐的特色。剧情简单有趣，小女孩玛丽在圣诞节得到一只胡桃夹子的礼物。在夜里，胡桃夹子变成一位王子，带领她经历了玩具、舞蹈和糖果之旅。虽然是一部儿童作品，但是柴可夫斯基在作品当中发挥了弦乐技巧，使乐曲更加生动逼真。在序曲当中，他运用了小提琴和中提琴来划分声部，并用三角铁和短笛来模仿古典乐团，使得序曲生动异常，充满了童真童趣，富含饱满清亮的音色。
柴可夫斯基在《胡桃夹子》当中还充分展现出了他的创意，有哪个作曲家能够用音乐来描绘饮食的感觉呢？柴可夫斯基就能，在《胡桃夹子》里，西班牙舞曲是巧克力，阿拉伯风格的舞曲是咖啡，而中国风的舞曲自然象征了“茶”。柴可夫斯基发挥出他强大的音乐功力，让旋律充满了强烈的情感，令人难以抗拒。《糖果仙子之舞》、《花之圆舞曲》都是柴可夫斯基最知名的圆舞曲代表作。
《叶甫盖尼·奥涅金》是柴可夫斯基根据普希金诗体小说取材创作完成的歌剧，带有俄罗斯抒情浪漫曲的鲜明特征，旋律优美，诚挚动人，以精湛的现实主义艺术手法深入、细腻地塑造了这个奥涅金“俄罗斯社会的多余者”的形象，还展现了俄罗斯民族世态的风情画卷。
柴科夫斯基的《第六悲怆交响曲》深刻表现了作曲家内心的彷徨，用成熟的交响乐手法宣泄了内心深处的难以言说的悲怆，有着忧郁的抒情性风格，是他的传世代表之作。在结构上，它遵循了交响套曲的结构，分为四个乐章。第一乐章是快板，但是表现的确实苦闷彷徨。第二乐章是圆舞曲风格，亲切温暖，似是对生命中曾有的美好的回忆；第三乐章采用了弦乐曲加进行曲，由弱渐强。而后转换到第四乐章，变成了强烈的旋律，音乐所带来的巨大的悲怆震撼到了人的心灵。
德沃夏克：波西米亚的舒伯特
国籍：捷克
生卒年：1841-1904
全名：安东宁·德沃夏克
职业：作曲家
代表作品：《水仙女》、《新大陆交响曲》、《茨洛尼斯的钟声》、《b小调大提琴协奏曲》、《狂欢节序曲》、《美国弦乐四重奏》、《国王与煤工》、《斯拉夫舞曲》、《摩拉维亚之声》、《鬼新娘》、《圣洁的鲁米那》、《雅各宾派人》、《午时女巫》、《金纺车》、《野鸽》、《魔鬼与凯特》、《阿米达》
生平简介：
1841年9月8日，德沃夏克诞生在波西米亚的一个小村庄米尔豪森，父亲开了一家小客店，是位屠户。贫苦的生活不能给幼小的德沃夏克专业的音乐培训环境，童年里只有辛勤的劳动，但是他想成为一个音乐家，波西米亚的农民们会在劳作的间隔时唱歌跳舞，他们的音乐和民族舞蹈对的德沃夏克的影响很大。
通过在学校里音乐课的学习，德沃夏克在14岁就已经会弹奏风琴、钢琴和拉小提琴了，他还参加了村庄管弦乐队。但父亲却并不支持他的选择，为了说服父亲，德沃夏克创作了一首管弦乐队的波尔卡舞曲。但是可怜的孩子并不了解小号是移调乐器，演奏时需要将谱子上写的调子移到一个不同的调子，因此结果可想而知。在13岁时，他成了和父亲一样的屠户学徒。
可是，德沃夏克无法从屠户的生活当中寻找到快乐。终于，在16岁的时候，他去了布拉格风琴学校学习演奏风琴。在布拉格，他没有钱生活，只好到一个旅馆的管弦乐队去演奏，周日则去教堂。这段时间里，他的进步还是提高很快的，学到了许多不同的乐器。但是在音乐鉴赏方面，整天充斥在耳旁的只有教堂里和餐馆里劣质的曲调，他没有机会听到更高水平的音乐。德沃夏克没有钱，甚至只用4分钱就可以欣赏到的《自由射手》，他也拿不出钱来。有时为了求得一个听音乐会的机会，他不得不苦苦哀求交响乐队的定音鼓手，让他躲在鼓后面偷听。
而在风琴学校，除了一些乐理知识，也没有学到更有价值的东西。德沃夏克买不起著名作曲家的乐谱，找不到可以用的图书馆。直到20岁，仍然不知道贝多芬的作品。后来，幸运的德沃夏克在捷克国家歌剧院管弦乐队里谋得了一个职位，剧院的指挥是作曲家斯美塔那。德沃夏克遇到了生命里的贵人，斯美塔那非常支持他的音乐学习，慷慨地将大师们的曲谱借给他，并积极指导他作曲。受到斯美塔那的影响，德沃夏克逐渐树立了要致力于发展捷克民族音乐的决心，并在捷克民族运动的影响下，为捷克的民族音乐文化事业作出了巨大贡献。
1865年，德沃夏克的第一交响曲《茨洛尼斯的钟声》问世，从此他的创作便源源不断地开展进行了。1870年，他创作了一部在他有生之年都没有上演的歌剧《阿尔弗雷德》，这部歌剧全部用德语写成，是他的第一次尝试。1874年上演的《国王与煤工》是他在歌剧上的成功之作。同一年，他开始在一家私立音乐学校教课，并且从事管风琴师的工作。
1878年，他创作的《斯拉夫舞曲》让他一举成名，从此成为捷克著名的作曲家。1892年，60岁的德沃夏克应邀担任美国纽约国家音乐学院院长。在美国任教期间，他对美国的黑人音乐和印第安人音乐产生了浓厚的兴趣，他结合美国的黑人音乐，创作出了著名的《F大调弦乐四重奏》和他的代表作《新大陆交响曲》。
1884年，德沃夏克接受了爱乐协会的邀请到了伦敦。1889年，应邀到莫斯科和圣彼得堡访问。然后，又有了一次伦敦之行。1892年，被美国纽约国家音乐学院聘任为院长。在美国期间，德沃夏克深入研究了美国黑人音乐文化，并且将印第安的旋律特色引入到自己的音乐作品当中。在纽约期间，他写出了很多优秀的作品，如他的第九交响曲，《感恩赞》以及《美国弦乐四重奏》等。
1895年4月，德沃夏克回国了。之后，他便在布拉格音乐学院工作。之后，他用优美的音乐语言创作了《水仙女》、《阿米达》等音乐作品。在《阿米达》首演期间，德沃夏克便已身染重病，卧床不起。1904年5月1日，在布拉格与世长辞。
主要成就：
在一生的音乐创作中，德沃夏克始终坚持把民族性第一的原则，无论在歌剧、交响乐或其他类型的作品中，都可以看到民族性、抒情性和古典音乐的密切结合。在美国任教期间，德沃夏克还力图发掘音乐的内在精神，他受到黑人和印第安人音乐的启发，创作出他自己的主题，创作出了伟大的《新大陆交响曲》。
《新大陆交响曲》中体现了德沃夏克少年时期耳熟能详的民俗歌曲特质，其中一个片段优美的旋律还透露出浓浓的乡愁。序奏部分宏大，成为全曲精神的中心旋律。在第一和第三乐章欢快的曲调的闪现中，可以感受到美国移民者们朝气蓬勃的谷库舞曲。第二乐章是整部交响曲当中最有名的乐章。英国管独奏的美妙的“慢板”也许是所有交响乐中最动人的旋律，得到了全世界人民的喜爱。充满无限相互凑的美丽旋律，表现了黑人灵歌的精神。后来这首歌曲被加上了词，被改编为《念故乡》，传唱于美国上下。第三乐章当中，带有典型的捷克民间音乐风格。第四乐章乐曲气势恢宏，威武雄壮，同时副部柔美抒情，交织成感情的洪流，形成辉煌壮丽的结尾部分。
德沃夏克有10部歌剧创作，其中歌剧《水仙女》是其代表作。该剧于1901年3月31日在布拉格民族剧院首演，演出获得了极大的成功。这部三幕悲情歌剧由捷克作家克伐比尔所创作。剧情是：湖里的水仙女爱上了一位王子，为了要和王子在一起，前去向女妖求助。女妖开出了条件，水仙女必须变成哑巴，而且一旦失去王子的爱必将遭遇到不幸。水仙女义无反顾地答应了，来到人间和王子相爱。结果，在婚礼的当天，王子移情别恋，爱上了邻国的公主。水仙女只好回到了湖水深处。之后，后悔的王子来到了湖边祈求她的原谅，但是已经来不及了，最后他死在了湖边。
歌剧包含了四个音乐主题，水仙女悲伤的爱恋主题贯穿了歌剧的始终。其中，水仙女在湖边如怨如诉的咏叹调，演绎得婉转优美，抒情动人，扣人心弦。这首《月亮颂》成为了传世曲目。
“幽默曲”是在19世纪之后兴起的一种音乐体裁，各个段落的表情变化极为丰富。德沃夏克的《幽默曲》却有小夜曲的风格，朴实、自然，不见丝毫“诙谐幽默”。曲调优雅舒缓，采用了复三曲式。第一部分的音乐活泼幽默，俏皮中还略带丝丝犹豫，细心品味之下轻轻拨动人的心弦，引人入胜。中间部分带有浓郁的民族风情，连贯、流畅、唯美、动听，让人陶醉其中，难以自拔。同时又有令人兴奋的感觉，曲子达到了高潮。随后是对第一部分的重现，然后归于沉寂。乐曲的结尾干净利落，却又让人回味无穷，意犹未尽。
格里格：享有“国葬”礼遇的音乐家
国籍：挪威
生卒年：1843-1907
全名：爱德华·格里格
职业：作曲家
代表作品：《培尔·金特》、《来自祖国》、《祖国之歌》、《水手之歌》、《乡土在望》、《挪威民间生活素描》、《挪威农民舞曲》、《茅舍》、《游吟艺人之歌》、《母亲的忧伤》、《a小调钢琴协奏曲》、《创伤》、《晚春》、《第二小提琴奏鸣曲》、《第三小提琴奏鸣曲》、《g小调弦乐四重奏》、《e小调钢琴奏鸣曲》、《霍尔堡康塔塔》、《霍尔堡时代》、《g小调钢琴叙事曲》
生平简介：
1843年，格里格生于挪威西南部的城市贝尔根。父亲是位成功的商人，母亲则出身于名门望族，是位有才华的诗人，会弹奏很优美的钢琴曲，外祖父曾经担任过贝尔根爱乐学会首任音乐总监，这样家庭长大的格里格有着与生俱来的音乐天分和学习音乐的优越条件。
格里格6岁便跟着母亲学习弹琴，虽然他自小喜欢音乐，可是和大多数的音乐家的家长一样，格里格的父母也不希望他从事音乐这一行业。因此将他送去了一般的学校。格里格讨厌上学，为了逃避去学校，顽皮的小男孩便暗暗耍起了小聪明。雨天，他故意躲到屋檐下，让从屋顶流下来的水滴，淋透了衣衫。这样子就可以向老师告假回家换衣服。但是有一次，露出了马脚。那天的雨下得并不大，格里格身上还是淋个遍，老师便疑心了。于是偷偷暗中观察，发现了他的小花招。最终的结果是老师狠狠地痛打了他一顿。
格里格不喜欢去学校的原因可能跟老师的教育方式有很大关系，他是那么的喜欢音乐作品，但是他的这一天赋却不被老师所认可。老师要求学生们将写好的作文带来学校，结果12岁的格里格却带来一首音乐作品。结果老师大发雷霆。格里格后来写道：“她抓住我的头发摇晃我，直到我的眼前什么都发黑了，并且告诉我把那愚蠢的废物留在家里。”
1858年10月，格里格终于进入莱比锡音乐学院开始专业的音乐学习。在这里，他如鱼得水，跟随著名钢琴家莫歇勒斯学钢琴，跟随莱涅克和豪普曼学作曲与和声对位。在学校里，格里格从舒曼的师兄弟温泽尔那儿领略到了舒曼音乐的精华，对他之后的钢琴曲创作产生了很大的影响。
1862年，格里格毕业了，然后到丹麦首都哥本哈根谋求发展。在那里，他遇见了哥本哈根音乐院院长盖德和作曲家哈特曼，他们给了格里格音乐创作上莫大的支持和鼓励。在哥本哈根，格里格认识了歌唱家妮娜。妮娜的母亲是丹麦著名的女演员海歌雅，妮娜也出生于贝尔根，但在很小的时候便迁回了丹麦。格里格与妮娜很快坠入情网，然而由于格里格才刚开始开创事业，经济情况尚不稳定，没有能力结婚，所以他们两人先在1864年7月订婚，3年之后才结婚。在订婚期间，格里格就为妮娜创作的许多优美的独唱曲，妮娜也成为他事业上坚定的支持者和拥护者。
1865年春天，格里格与挪威作曲家诺德拉克等人组成一个名为“优特培”的组织。目的就是为了帮助年轻的北欧作曲家能够获得机会演出自己的作品。诺德拉克是一位强烈的爱国主义者，他的爱国主义深深感染了格里格，让格里格形成了发展民族音乐的信念。两人曾约好要一起去意大利旅游，但是诺德拉克却因为身体不适而未能与之同行。1866年，24岁的诺德拉克英年早逝。格里格听说了这个消息后，写了一首《怀念诺德拉克的送葬进行曲》来悼念友人。
1869年，李斯特寄来一封信，在信中他表达了对格里格强烈的赞赏之情。李斯特是当时出名的音乐家，能够得到他的认可那可是无上的荣耀。在李斯特的声望影响之下，挪威政府便给了格里格一笔钱，让他能到罗马会见李斯特。格里格把他的作品《a小调钢琴协奏曲》给李斯特做评价，获得了李斯特的肯定与赞扬。这首钢琴协奏曲也是格里格的代表作品之一。
1872年，格里格成为瑞典音乐学院的院士，从1874年起挪威政府开始赠予他生活年金，他才可以安心创作。同年，大文豪易卜生邀请格里格为他的五幕幻想剧《培尔·金特》配乐。在1876年戏剧公演的时候，这些配乐作品得到了空前的赞美，格里格也因此而誉满天下。
1885年起，格里格开始了隐居生活。他也经常和妻子一起到国外旅行演出，并获得了不少的荣誉，其中包括英国剑桥大学和牛津大学的名誉音乐博士学位。1903年，他的胸像被放到了莱比锡布商大厦的音乐厅，对音乐家来说这是无上的殊荣。1907年夏，格里格再次受邀到英国指挥演奏，但是却在贝尔根不幸病逝。数日后，挪威政府为他举行了庄严的国葬典礼。丧礼上，回响起来的音乐是那首他曾经为诺德拉克所写的《送葬进行曲》。
格里格深深爱着自己的祖国和人民，他广泛借鉴欧洲各国音乐传统，创作出具有挪威民族特色和浓厚乡土气息的音乐。曾经有这样一个故事，格里格在贝尔根的森林里，遇到了守林人8岁的小女儿达格尼。格里格向小女孩儿许诺：在她18岁生日的时候将会送给她一份礼物，可是却不告诉她是什么礼物。10年后，小女孩儿长大了，她来到剧院听音乐会。这次是她一生中第一次听音乐会，忽然听到台上的主持人说道：“下一个节目是格里格的作品——献给守林人的女儿达格尼，当她年满18岁的时候”。一位伟大的音乐家，就这样用10年的时间为一个守林人的女儿兑现了诺言。
主要成就：
在音乐创作上，格里格将西欧的音乐技术以及19世纪浪漫主义乐派的和声特点与挪威民间音乐融为一体，结合自己对祖国自然风光和民间生活的感受，形成独特的北欧音乐风格，因此格里格也被称为“北欧的肖邦”。
他的创作集中于钢琴抒情小品和独唱曲等声乐作品，他的歌曲往往带有淳朴的民间曲调，表达了对祖国的赞美和热爱之情，赞颂了民族和历史的光荣传统。在他的创作题材当中，最为突出的是他用音乐表现了挪威的秀美壮丽的自然风光和民间生活感受，如《挪威民间生活素描》、《挪威农民舞曲》等作品。
格里格还有许多以个人精神生活为题材的抒情歌曲，表达了人生的悲欢离合之情，友情、亲情和爱情成为旋律的主题。他擅长用细腻的笔法进行心里刻画，营造出别具一格的意境，简洁真切，带有典型的挪威民族的浪漫主义色彩。
他为易卜生诗剧《培尔·金特》配乐的旋律也显示出与挪威民歌深深的血缘关系。《培尔·金特》取材于挪威民间故事传说，讲述了青年农民培尔·金特遭遇了同山魔斗争、到异国漫游等一系列冒险故事，嘲讽了追求权力和金钱的利己主义，歌颂了淳朴自然的生活理想。
格里格为戏剧创作的配乐充满了诗情画意，丰富色调，共有两部组曲。第一组曲由四段组成，分别是《晨景》、《奥丝之死》、《安妮特拉之舞》和《在妖王宫中》。其中《晨景》展示了一幅令人心情愉悦的挪威树林的清晨静谧的音画，牧歌风格的音乐像清甜甘畅的泉水，散发出勃勃生机。《奥丝之死》描述了培尔母亲奥丝临终前，他为母亲所做的追求和幻想，忧伤的旋律悲壮肃穆，令人感受得到生命的慢慢衰竭。《安妮特拉之舞》轻盈奔放，直接参与到戏剧的内容，是剧中重要的组成部分。《在妖王宫中》的音乐狂野粗暴、咄咄逼人，形成了怪诞的听觉感受。
第二组曲当中，也有四段，分别是《英格丽德的悲叹》、《阿拉伯舞曲》、《培尔·金特归来》以及《索尔维格之歌》。《英格丽德的悲叹》是一曲典型的挪威哀歌，展现了一种激动和无奈的情绪。《阿拉伯舞曲》充分展现了东方的异国情调。《索尔维格之歌》是整部组曲的名片，也是作曲家最成功的作品之一。乐曲旋律优美，荡漾着一种哀愁，同时又洋溢着希望。
《a小调钢琴协奏曲》里包含了格里格音乐中的所有魅力，乐曲当中既有纯美的旋律，又有新颖独特的和弦和奇妙精彩的节奏。素材新颖活泼，散发着活力。格里格充分运用了钢琴的性能，塑造了乐曲奔放多姿的风格。在曲式上注重细节，基调浪漫，展现了北欧清丽脱俗的自然风光。
全曲共有三个乐章。第一乐章当中，主题清纯朴实，展现了北欧的民族情调，充满了对未来的美好憧憬，将作曲家的浪漫风格发挥得淋漓尽致。第二乐章中，由弦乐器奏出沉静的冥想性的主题，再用钢琴华彩弹奏出快速的华丽而技巧性的旋律。节奏逐渐由急速变为平静，慢慢消逝。第三乐章中，挪威的民间舞曲般的热情升腾开来，构成了宽广如史诗般的感觉，在热烈喧腾的氛围当中结束了全部乐章。
普契尼：真实主义的歌剧创作者
国籍：意大利
生卒年：1858-1924
全名：吉亚卡摩·普契尼
职业：作曲家
代表作品：《蝴蝶夫人》、《曼侬·列斯科》、《艺术家的生涯》、《托斯卡》、《西方女郎》、《光荣弥撒》、《埃德加》
生平简介：
普契尼出生于卢卡的一个音乐世家，父亲就是专业的音乐家，既能演奏乐器，又能进行作曲创作，同时还从事着音乐教学的工作。按理说，这样的家庭氛围很容易熏陶出一位音乐天才，但是普契尼却是个例外。在童年的时候，他一点也没有表现出应有的音乐天赋。
6岁的时候，父亲去世了，普契尼被送到叔叔那里学习音乐，但是叔叔却对他评价甚低。之后在母亲的鼓励下，普契尼到卢卡音乐学院学习，这时候，他才渐渐对音乐入了门。因为曾经得到过管风琴比赛的第一名，19岁时，普契尼到圣马丁教堂担任了管风琴师的职务，同时还兼任了合唱队的队长。但是直到这时，音乐对于普契尼来说，可能还只是一份差事，还没有走到他的心里。
虽然在教堂里任职，但是普契尼的生活过得还是很艰难。有一次他听说比萨要上演威尔第的歌剧《阿依达》，便和朋友两个人徒步走了30公里的路去。这次的歌剧让普契尼大为震动，这时候，他才真正决定要成为一位歌剧创作家，将音乐作为自己奋斗一生的事业来进行。
21岁的时候看，普契尼创作出了《安魂曲》，也就是后来著名的《光荣弥撒》，虽然这部作品属于教堂音乐，但是却展现了歌剧化的风格倾向。男声独唱者的表现力和感染力都超出了一般教堂音乐的范围，更加类似于歌剧的表演，编曲也更加歌剧化，从这部作品当中，可以看出普契尼成为优秀歌剧作曲家的必然性。
1882年，普契尼参加了歌剧作曲方面的一个竞赛，然而没有获奖。但是他的作品《群妖围舞》却得到了关注，并在1884年得到了在米兰威尔姆的公演机会。演出之后，他又接到了创作歌剧的委托，由此诞生了他的第二部歌剧《埃德加》。
1891年之后，普契尼人生的大部分时间都是在托瑞德拉古度过。1900年，他在附近的湖上建起了一座别墅，长期定居在那里。同年，他的歌剧《蝴蝶夫人》和《托斯卡》进行了初演，但是《蝴蝶夫人》的首演却是以失败告终。观众们嘲笑起哄，喧闹的声音甚至盖过了正常的音乐声，演出只能被迫中止。普契尼受到的冲击是巨大的，但是他并没有因此失去信心。他检讨了自己的创作方式，重新考虑了观众的审美需求，在此基础上对《蝴蝶夫人》做了很大的改动。1904年，《蝴蝶夫人》再次公演时，大获成功，让普契尼始料未及。这部歌剧也从此成为歌剧界中的经典剧目。
1923年起，普契尼染上了喉咙痛的毛病，医生诊断后，告诉他的儿子他换上了喉癌，建议通过放射线治疗。在治疗的过程当中，普契尼又患了并发症，在1924年11月29日去世了。
噩耗传来时，罗马正在上演他的歌剧《艺术家的生涯》。乐队立刻终止了表演，并演奏起了肖邦的《送葬进行曲》，以这种方式将一代歌剧作曲家的死讯传达给了台下的观众。在普契尼去世的时候，他正集中全力进行歌剧《图兰朵》的创作，但是这一巨作尚未完成，他便撒手人寰。歌剧的最后一幕便由他人代为完成，而代笔者是否完全遵从普契尼的创作精神来进行，也令很多人产生了质疑。
主要成就：
普契尼是真实主义歌剧流派的杰出代表人物，他的创作题材真实，作品中反映的情感路线鲜明，具有浪漫主义的特色和很强的感染力，很容易打动观众。在创作当中，普契尼还大胆尝试创新，注重借鉴话剧舞台的表现手法，甚至直接在歌剧当中引用各国具有民族特色的名额。
他的代表作品两幕歌剧《蝴蝶夫人》取材于美国的小说，是一部优秀的抒情悲剧。故事的发生背景在日本，讲述了女主人公艺妓蝴蝶夫人乔乔桑在婚后苦苦等待担任美国海军军官的丈夫无果之后，自杀身亡。主人公纯真、美丽，却命运凄惨悲凉，被丈夫背弃。普契尼便直接引用了日本民歌《江户日本桥》、《樱花》等来反映蝴蝶夫人的日本艺妓身份，并展现了她天真纯良的内心。日本风格的旋律和歌剧当中的意大利风格巧妙和谐地融合，相得益彰。
整部剧剧情简洁，也不追求复杂的舞台效果，但是对人物内心的刻画描写却十分细腻生动。其中，第二幕中蝴蝶夫人演唱的一首咏叹调《明朗的一天》是尤为著名的一首曲子，成为现代歌剧当中著名的女高音曲目。这首曲子讲述的是，丈夫回到美国之后，蝴蝶夫人身边的人都断定他不会回来了，但是蝴蝶夫人却坚定地相信着他终会归来和她相聚，充满了幸福的期待。她幻想着在某个明朗的早晨，丈夫会乘着船自海上而来。她面朝大海，唱出了这首《明朗的一天》。旋律如同朗诵，音乐接近于念白，充满了对幸福的渴望和热切之情，感情真挚细腻。
四幕歌剧《艺术家的生涯》，也叫做《波西米亚人》，取材于法国作家亨利·穆杰的长篇小说《波西米亚人的生活场景》。作品前半部分的风格轻松愉快，但是结局悲惨，形成了强烈的反差。剧中人物个性饱满，形象生动，蕴含了丰富的感情，体现了卓越的音乐表达技巧，将社会中的底层小人物的生活传神地搬到舞台上，在观众面前进行演绎。因此，这部歌剧也成为了经典作品。
歌剧讲述了巴黎四位贫穷青年艺术家的生活，充满了泪水与欢笑，充满了对自由和爱情的向往与追求。它所宣扬的这种精神为人们所称道，经久不衰。普契尼十分擅长用细腻的音乐来表现悲情的色彩，歌剧当中音乐轻柔舒缓，也成为经典曲目常常在音乐会当中演出。
《图兰朵》是普契尼创作生涯中的最后一部歌剧，它取材于神话剧。但即使是这样的神话题材，在创作的过程中，普契尼还是坚持了真实主义的原则，不受原著的拘泥与束缚。整部剧充满了现实生活的气息，塑造的人物也是有血有肉的鲜明形象。
在这部歌剧当中，他抛弃了过去常用的浪漫主义抒情风格，采用了当时极为少见的意大利正歌剧的风格，运用了大规模的音响和宏伟壮观的合唱，气势浩大。因为故事发生的背景是中国的古代，他还采用了《茉莉花》的曲调，成为其中的中国元素。此外，剧中多方面采用欧洲的古老音乐调式和现代的和声语言，创新性地进行了多调性的尝试。在不幸因病逝世之后，这部作品由他的学生继续完成。1926年首演的时候大获成功，指挥家在第三幕结尾时向观众宣布：“大师的作品在这里结束”，因为普契尼离去的时候，正好写到第三幕。
德彪西：构筑“梦幻世界”的音乐家
国籍：法国
生卒年：1862-1918
全名：阿希尔·克劳德·德彪西
职业：作曲家、音乐评论家
代表作品：《佩利亚斯与梅丽桑德》、《月光》、《大海》、《前奏曲》、《练习曲》、《浪子》
生平简介：
1862年8月22日，德彪西出生于巴黎附近的圣·日耳曼·昂莱。他的家庭本是农民世家，祖父本来是贩卖酒水的商人，后来做了木匠。父亲曾经在海军当过7年步兵，每年夏天的时候，父母也都会带德彪西去海边避暑，因此德彪西对大海就有了深深的感情，父母甚至希望他成为一名海员。
他的父母先是经营了一家小陶瓷店，后来这家小店破产倒闭了。之后，父亲又因参加巴黎公社起义而被监禁起来，但是德彪西学习音乐的道路却没有因此而停止。德彪西从幼年开始，就显现了与众不同的音乐天赋，他的姑姑特意为他安排了钢琴课。于是，德彪西从9岁时就开始跟随一位意大利人学习钢琴演奏。1872年，10岁的德彪西开始进入巴黎音乐学院学习。
1884年他因创作康塔塔《浪子》而获得罗马大奖，他获得了奖学金，并得到了一个资格可以在意大利进行为期3年的留学生活。德彪西乐感非常好，几乎可是达到了说看谱能识音的程度，而且钢琴弹奏技术也非常出色。但是他渴望打破陈规，不断探索新的领域，他向学校提交的作品并没有得到专业老师的好评，他们警告他说：“对这种暖昧模糊的印象主义倾向，应有足够的警觉。”其实，在学生时代，德彪西就不喜欢那些遵循墨守成规的正统音乐理论。他曾经有这样的说辞：“理论是不存在的，音乐的意义就是聆听，快感就是法则。”
德彪西似乎潜藏着有与生俱来的叛逆者的特质，也可以说是富有创新精神，经常提出匪夷所思的问题，令人难以解答，但自己却不以为意。在音乐院学习时也常常向老师发出类似的挑战，在音乐学院的老师大部分都是知名的音乐家，但是面对他的问题，也经常气得七窍生烟，火冒三丈。他常常为了摸索创新音响组合，在钢琴上弹奏一些完全不按照传统规则进行的和弦，因此也常常遭到老师们的批评与责备。
递交给学院的这些作品正是他创作风格的初步表现，他从心底偏爱法国印象主义画家那种轻描淡写、若有似无的艺术效果，所以他更喜欢让自己的音乐像是即兴而作的。他的音乐标题也是古怪离奇，像《西风看见了什么》、《飘荡在晚风中的声音和香味》等等。1888年，他没有完成在罗马的学业就去了德国参加当地的音乐节，在那里，他看到了瓦格纳的歌剧，深深地被震撼了，瓦格纳的创作风格也影响了他。
从小的时候开始，德彪西就和别的孩子就不一样，强烈地知道自己喜欢的是什么。当别人家的小孩子还在对花花绿绿的廉价的一抓一大把的糖果而流口水时，他就宁愿选择一块小小的精致而美味的蛋糕。他有着自己独特的审美喜好，这种喜好在音乐当中的表现也和当时许多人不一样。因此，在学成归国后，德彪西将精力投入到创作当中，不再以演奏家的身份公开演出。
1887年从罗马回来之后，他就开始了与盖布瑞尔·杜邦10年的同居生活，但是却又娶了罗莎莉·泰克希尔，盖布瑞尔·杜邦举枪自杀，没有成功。而罗莎莉也没有得到幸福，在新婚后不久，德彪西又与有夫之妇艾玛·巴铎克有了私情。在和前夫离婚之前，艾玛就为德彪西生下了一个孩子。德彪西的私生活风波不断，朋友也少，他不为人所欣赏的个性也在之后间接影响到了他的作品受欢迎程度。
1905年10月，交响诗《大海》首演，由于他的个人生活不为人们所赞赏，其作品也受到牵连，遭到了许多保守派的攻击，但这部作品的确是德彪西具有代表性的作品之一，经过时间的历练，最终还是得到了音乐界的高度评价。
他的歌剧也遭遇了相似的命运，他只创作一部歌剧，就是《佩利阿斯和梅利桑德》。这部歌剧首演时得到的评价，毁誉参半，遭到不少人的攻讦与责难。但经过一段时间的反复上演之后，越来越多的人开始理解了这部作品，并且喜欢上了它。《佩利阿斯和梅利桑德》也终于成为具有划时代意义的现代新歌剧。
1907年开始，德彪西开始在国外旅行演出，不幸的是他患上了直肠癌，也因此而影响到他的音乐创作，他的作品大大减产。1918年3月25日，在巴黎逝世。
在1890年以前，德彪西的创作风格还在探索阶段。他的钢琴曲当中还保留了中古的调式和五声音阶因素，并且采用了新颖的和声。他的《月光》已经有了早期印象主义的苗头，在意境和创作手法上都流露出了印象主义的风格。歌曲创作当中，颇具法国的抒情性，自然流畅。
1890年以后，德彪西的创作进入了成熟阶段，完成了一生当中的大部分作品，出现了印象主义管弦乐的杰作，如《牧神的午后前奏曲》等。管弦乐《意象集》具有明亮的音乐色彩，它采用了鲜明的西班牙民间舞蹈的风格节奏，使音乐语言更加生动。这一段时间里，他创作了许多由标题小曲组成的钢琴曲集。这些作品注重画面质量，有新颖独特的构思手法，奠定了印象派钢琴的风格基础。在《十二首钢琴前奏曲》里面，已经展现了丰富的印象主义精华，将印象主义的美，发挥到淋漓尽致的地步。
主要成就：
德彪西不算是位高产的作曲家，但是他的作品风格鲜明，既没有古典主义音乐的严谨深刻，也没有浪漫主义的丰沛情感。他的音乐当中只有奇异的幻想色彩，那独特的“印象主义”风格，对20世纪的音乐发展产生了很大的影响。
德彪西的创作当中体现了鲜明的印象主义音乐的风格特色，音乐当中较少激情和叙事内容，往往借助于标题和色彩变化来引发听众的联想，却有较多的暗示成分在其中。他的曲调大多零碎简短，呈现不对称的自由发展。和声当中常常出现不协和音，同时扩展了调域的范围，采用了中古调式、五声音阶和全音音阶。音乐节奏不规则，音响效果细腻，配器精致，和声细腻。
德彪西创作完成的歌剧只有《佩利亚斯与梅里桑德》，共有五幕剧情，创作共耗费了10年时间。故事讲述了阿莱蒙德国王的孙子在山中遇到了一位姑娘，叫做梅里桑德。戈洛同梅里桑德结婚后，发现妻子和他的异母兄弟佩利亚斯。于是戈洛大怒之下杀死了佩利亚斯，又将梅里桑德打伤。结果，梅里桑德伤势过重在产下一女之后死亡，而戈洛追悔不已。
德彪西的歌剧里并没有展现连贯的剧情，而是用了许多象征性场景，描绘出了一个“梦幻世界”。音乐当中突出了沉默静寂的氛围，歌曲几乎没有旋律上的发展，声乐部分几乎全部用朗诵调完成。音响柔和优美，渲染出诗意的氛围。歌剧当中，既没有咏叹调，也没有重唱与合唱，独唱部分如私语般清吟，体现了一种朦胧含蓄的感觉。剧中的音乐主要集中于管弦乐，和声带有印象派风格，乐队的全奏通篇只有四次，并且以弱奏来展现人物的心理变化。这种低吟浅唱，使音乐更像是一种诗歌。
德彪西的作品内容主要集中于对自然景物的描绘，某些令人产生遐想的声音，或者是对梦境的追忆和生活场景的再现。
德彪西的作品《月光》是《贝加莫组曲》第三乐章中的曲子，是受到印象派诗人魏尔伦的诗歌影响而创作的。1884年，德彪西在意大利见到了贝加莫地区秀美的风光，便深深地为之打动。《月光》便是贝加莫月色给作曲家留下的印象，它用朦胧的有多重指向的旋律在听众的脑海里展现了一副画面。清辉皓月，雪山堆银，天地剔透，星野辽阔。在他的音乐里，月光如水波粼粼，慢慢流淌，泻满房间。四下离散的音符打破了旋律的完整，使月光更多了一种“动态”的感觉，激荡起人们心中的共鸣，思绪起伏万千，却无法言喻。
《牧神的午后前奏曲》，也是受到了象征派诗人马拉梅诗歌的启发。乐曲用木管乐器组合成丰富的音色变化，形成了独特的音响效果，如同牧神的笛声一般梦幻、慵懒。《夜曲》是管弦乐三部曲，描绘了种种不同的画面。第1首《云》用擦奏与拨奏技法同丰富的和声，展现了色彩斑斓的的云空。第2首《节日》当中借助复杂的节奏变化，体现了复杂细腻的音响效果。第3首《海妖》用唯美的女声合唱刻画出月光倾泻下的海与海妖，从而反映出绘画的意境。《大海》是对大自然海水律动的真实描绘，用粗犷的线条和嘹亮的音响，塑造出海浪翻滚的逼真情景。
布索尼：新古典主义的先驱
国籍：意大利
生卒年：1866-1924
全名：法鲁西奥·班温努特·布索尼
职业：作曲家，钢琴家
代表作品：《C大调钢琴协奏曲》、《周六的乡村》、《对位幻想曲》、《浮士德博士》、《交响夜曲》、《钢琴小奏鸣曲》、《长笛与乐队的小夜曲》、《选择新娘》、《图兰多》
生平简介：
1866年4月1日，布索尼出生于意大利恩波利一个音乐家庭里。父亲是一位单簧管演奏家，母亲是位德籍钢琴家。少年时代的布索尼，随母亲学习钢琴，成绩斐然，8岁的时候便可登台演奏，9岁时的表演就得到了钢琴演奏家鲁宾斯坦的称赞。1875年，进入维也纳音乐学院学习。后来全家搬到格拉茨，10岁的时候便跟随雷米学习了和声、对位和作曲，12岁的时候就创作出了属于自己的作品。
1881年，布索尼又到意大利波伦亚市的爱乐学院求学，在这里，凭借过人的音乐秉赋，布索尼脱颖而出成为万众瞩目的焦点。第2年便被吸收为博洛尼亚音乐学会会员。1883年，他根据意大利马尔凯区的诗人贾科莫·里奥帕蒂的诗歌创作除了清唱剧《周六的乡村》，一经推出，立刻好评如潮。
1886年，他为摆脱父亲的音乐影响寻求属于自己的风格而来到音乐都市莱比锡。在这里，他结识了格里格、柴可夫斯基和马勒等一批音乐界的大师。1888年，他来到了赫尔辛基音乐学院，担任钢琴教师，与西贝柳斯成为朋友。1890年、1891年先后在莫斯科音乐学院及波士顿的新英格兰音乐学院任职。不久又去了美国，移居纽约，积极进行筹办音乐会等事项。
1894年回到欧洲，在柏林定居，致力于创作。1904年，布索尼创作了一部《C大调钢琴协奏曲》，这部作品明显受到李斯特的影响。作品激情四射、热烈如火，在颇具爆发力的男声合唱中音乐达到了高潮。但是演奏中，依附于乐队的钢琴弹奏起来难度之高不可想象。所谓“曲高和寡”，这高超的演奏难度和庞大的阵仗，让许多演奏者望而生畏，所以这部具有挑战性的作品没有得到音乐会的青睐。
1902年，布索尼又组织了一系列管弦乐音乐会，推广了德彪西、戴留斯、西贝柳斯等现代作曲家作品。1907年，他发表了一篇题为《新音乐美学概论》的论文，这是他长期以来持续不断进行音乐哲学研究的结果，他提出了现代的作曲风格理念，极具前瞻性。但他本人的作品却因继承了意大利而非德国的传统而遭到柏林乐评界的抵制和非难。1913年起，布索尼担任了波洛尼亚罗西尼专科学校校长，他尝试着对学校进行改革，但是他的想法没有得到市政当局的认可，所以改革只能以破产告终。
1915年一次大战爆发后布索尼迁居到了美国纽约，这时他在意大利和德国已经不复当年的声望，因此他便申请政治避难，去了苏黎世。在苏黎世的5年中，布索尼的心理上承受了很大的痛苦，只能将精力投入到歌剧创作当中，并创作出大量其他的音乐作品，因此这些日子他在艺术创作方面取得了很大的成就。他的寓所，往往艺术家云集，成为他们聚会的场所。
之后，他被苏黎世大学授予了荣誉博士称号，同年他离开了瑞士，前往英国。1920年，他回到柏林，在普鲁士艺术学院担任作曲教授。由于通货膨胀，他的经济境况再次陷入窘迫，因此不得不再次开始筹办音乐会演出，但由于日益恶化的身体健康，使他终止了演出。1924年7月27日，布索尼逝世于柏林。他未完成的歌剧《浮士德博士》，由学生菲利普·雅尔纳赫续写完成，并于1925年在德累斯顿首演。
主要成就：
布索尼是20世纪20年代开始盛行的新古典主义音乐的先驱。他的音乐理念就是作曲家应该坚持客观精神和中立态度。在创作上模拟古代的音乐风格，在手法上采用现代的技术。但是后期的他也采用了超前的现代作曲手法，和声语言模糊，展露出新古典主义的倾向。他的音乐风格既有意大利奔放抒情的特色，有时又有德国深邃厚重的气质，反映了作曲家性格中的矛盾和复杂，也形成了激情理智的融合。
布索尼的钢琴演奏技巧突出，以气势宏伟和富有诗意著称。他的《C大调钢琴协奏曲》是他成熟期的作品，伟岸宽广，思想深刻，在音乐史上占据了重要的位置。这部作品规模庞大，总长度有75分钟，分为5个庞大的乐章，末章用到了男声合唱团。作曲家让钢琴成为整体乐队的一部分，让钢琴融入其中，这样子一来，钢琴协奏曲更像是一部交响曲。
第一乐章给人雄奇阔达的感觉，开篇便是宏大的场面。由弦乐引领，乐队齐奏，气势万钧，宏伟壮阔。钢琴的声音沉雄厚重，整个乐章优美而庄重。第二乐章是诙谐曲曲式，钢琴的音符呈现跳跃状，弦乐出现了颤音。高音部分，钢琴的声音清脆剔透，低音部分凝重沉稳。打击乐如狂风般肆舞，高亢的齐奏将阴霾一扫而空。第三乐章是最为持重的部分，先是宁静祥和的众赞歌旋律，然后是铿锵有力、波澜壮阔的主题，散发出肖邦的夜曲风格，之后归于宁静的田园曲。第四乐章，乐曲如滚滚奔流，倾斜之下，势不可当。第五乐章的颂歌，柔美轻灵，搭配了钟琴的清脆声音，仿佛将人带到了回忆之中。男声合唱团的声音从四面八方升起，唱起了丹麦诗人欧伦施莱厄的《心向永恒万能的神》。音乐如潮汐，去了又来，来了又走，往返之间，钢琴的华彩乐章打破了静谧深沉，在一片绚烂之中精彩落幕。
《C大调钢琴协奏曲》是一首囊括了钢琴助奏部分的大型交响乐，战胜了作曲家风格中的古典主义色彩，布索尼后来将这部作品称为“意大利交响曲”。
拉威尔：杰出的管弦乐色彩大师
国籍：法国
生卒年：1875-1937
全名：莫里斯·拉威尔莫里斯·拉威尔
职业：作曲家
代表作品：《波莱罗舞曲》、《鹅妈妈》、《达芙妮与克罗埃》、《茨冈》、《F大调弦乐四重奏》、《小奏鸣曲》、《镜子》、《水的嬉戏》
生平简介：
拉威尔出生于法国南部的山区小城西布勒。父亲是位法国工程师，但是有着瑞士血统。母亲是西班牙人。在拉威尔出生后不久，全家便迁往巴黎。父亲十分喜好音乐，便努力将儿子往音乐家的路上领。拉威尔7岁就开始学习钢琴，14岁入巴黎音乐学院钢琴预科，之后升入了贝里奥的钢琴班，跟随佩萨尔学习和声。
在班上，拉威尔认识了志同道合的朋友，来自西班牙的瑞卡多·维涅。拉威尔非常钦佩维涅的钢琴演奏技巧，维涅也总是热情地演奏拉威尔创作的新曲。刚进音乐学院不久，拉威尔就受到象征主义诗歌的影响。1889年，巴黎举行了国际博览会。拉威尔被科萨柯夫的管弦乐作品和爪哇加美朗乐队表演的东方音乐深深吸引。于是在他的创作当中，也开始了对一些新的音乐语言进行了探索。
和另一位印象主义乐派的音乐家德彪西一样，拉威尔也是一个喜欢打破规矩的学生，在保守的音乐学院当中，这样的学生便是“名声不佳”的人。但幸运的是，拉威尔的两位老师总是积极鼓励他的创作积极性，看到了他非凡的创作才能。
音乐学院每年都会举行罗马大奖比赛，获胜者可以获得去罗马进修3年的机会。德彪西等音乐家都得到了这样的机会。于是，1901－1903年间，拉威尔参加了3次罗马大奖比赛，但是每次都铩羽而归。到了1905年，拉威尔将要超过竞赛的年龄限制了，于是他决定再做一次尝试。这时候的拉威尔也早已经有不少作品成功问世，其中他在1901年创作的钢琴曲《水的嬉戏》，成为第一首印象主义乐派的以“水”为题材的钢琴作品。
但是，他第4次提交参加比赛的申请，结果遭到了有强烈宗派主义的评委会的拒绝。这时，巴黎文艺界的一些作曲家、作家、画家都纷纷站出来声援拉威尔，最终使音乐学院改组，福莱担任了音乐学院的院长。拉威尔也因此声名大振。
1902年，德彪西的歌剧《佩列阿斯与梅雨桑德》在巴黎上演，拉威尔和德彪西初次会面，并受到了德彪西的很大影响。1903年，拉威尔便写了3首管弦乐曲。很多人认为他是德彪西的后继者，但是其实两个人的美学观点并不一致。与德彪西毫无调性可言的创作风格相比，拉威尔的创作还是有自己的调性基础的。
在1914年之前，他先后创作出了《西班牙狂想曲》、《鹅妈妈》组曲等作品，并在个别的作品中设计了具有独特风格的音乐语汇，还将《鹅妈妈》组曲编成了芭蕾舞剧。1913年夏天，他结识了斯特拉文斯基，并看到了《春之祭》的总谱，产生了极为强烈的震撼。他的作品风格上受到斯特拉文斯基的很大影响。
一战爆发之后，拉威尔应征入伍，担任了军中的货车驾驶。战争给人带来了极大的心灵创伤，对拉威尔的影响也是巨大的。1917年，拉威尔又遭受了母亲去世的巨大打击，身体健康状况急剧恶化，便从军队退役了。
但是，战争的创伤不是那么容易恢复的。拉威尔的创作进度明显滞后了很多。为了转换心情和环境，他甚至躲到乡下去创作，后来完成了巴蕾音乐《大圆舞曲》，作品完成之后在音乐会上首演，获得了巨大的成功。在战后，他创作了大量富含深情的作品，有《茨冈》、《马达加斯加歌曲集》、《波莱罗舞曲》等。
闲暇的时候，拉威尔开始旅行演出，最后在巴黎的蒙伏拉莫瑞村进行埋首创作，过起了恬静而又平淡的生活。直到1932年，他在一场车祸当中，头部受了重伤。经过手术治疗也没有起色，他无法再进行创作，在1937年12月19日与世长辞。
主要成就：
和另一位印象派作曲家德彪西一样，拉威尔也是一位有着自己独立主见和想法的年轻人。在学生时代，就有追求标新立异的创作构思了。在早期创作当中，拉威尔受到了德彪西创新思想的影响，有着严重的印象主义特点。但是在一战之后，他的创作风格便发生了改变，更加趋向严谨和朴素，追求明确的音乐语言，要从传统的法国音乐和民间音乐中寻找语汇、音色等，极大地丰富了当时的法国音乐。
拉威尔同古典传统音乐的关系联系得比较紧密，乐队当中常常出现宽广的旋律，色彩浓重，富丽堂皇。他的音乐节奏没有脱离节拍的束缚，强调调性基础，但是有时也会有大胆的移调动作。与早期印象主义乐派的作品风格不同，拉威尔更加注重音乐的表现力，通过音乐绽放出五彩缤纷的效果，倾向于诗意的洪亮的表达，赋予作品浓郁的色彩。
拉威尔是公认的管弦乐大师，在发挥管弦乐的色彩方面，有许多创新性的探索。他创造出独特的管弦乐配器方法。通过这种方法，每个乐器的性能都能得到充分的发挥，使音乐达到精美活力的效果。他的作品形象清晰，色调生动明朗，在艺术上有许多作品都给后人以启迪和影响。他的音乐，是以法国的音乐文化为基础的，而在充分发挥管弦乐的色彩特点上，却有着许多的创新。
创作于1928年的《波莱罗舞曲》是拉威尔最后一部舞曲作品，也是他在舞蹈音乐当中最为优秀的一部作品，可以说是响彻全球的一部大作，被誉为最珍贵的艺术纪念碑。在这部作品中，拉威尔运用了非常独特的手法，将全曲凝结在一个固定的节奏背景上，两个主题反复交替。
这首曲子是一位西班牙芭蕾舞表演者邀请他创作的。在创作的起初，拉威尔就有了一个构想，要将这个作品创作成一首乐队练习曲。全曲采用了巨大的“渐强”，小鼓无休止地击出三拍子的节奏，其他各种乐器将两个17小节的旋律不断反复进行演奏。而后，音乐突然而迅速地滑进了E大调，尾声则以压倒一切的力量达到高潮。全曲节奏完全相同，节拍速度保持不变，旋律只有一遍一遍的重复没有变奏，拉威尔通过对力度的纯熟使用和巧妙的音色结合，给人一种变幻莫测的感觉。这种别出心裁的创作方法，产生了和单纯手法不相称的特殊效果，引起了许多舞蹈演员和舞剧编导的关注。
关于《波莱罗舞曲》，还有一个小故事。1929年11月14日，《波莱罗舞曲》在纽约首演，世界著名指挥家托斯卡尼尼亲自担任指挥。拉威尔也来到了现场，和现场激动热情的观众们相比，拉威尔显得非常冷淡。在音乐会结束后，拉威尔突然冲指挥家说了一句：“这不是我的速度。”
演奏中，托斯卡尼尼用了比原曲更快的速度进行指挥，演出效果让所有人都感到满意。但是这句话，严重打击到了这位充满自信的指挥家。于是他回敬道：“如果我用了你的速度，那么波莱罗就不会给人什么印象了”。拉威尔立刻反唇相讥：“那你就别演奏它”。这场争吵，让两人的关系降到了冰点。连续很多年，托斯卡尼尼再也没有指挥演奏这首曲子。又过了很多年，托斯卡尼尼意才在一次音乐会上再次指挥了《波莱罗舞曲》，而这一次，台下的拉威尔对他的表现很满意。
《鹅妈妈》组曲本来是专门为儿童创作的四手联弹钢琴组曲，1911年，拉威尔把它改编为管弦乐组曲。之后在原来的基础上增加了两个乐章，又改变了各乐章的次序，通过间奏曲衔接起来，形成了舞剧音乐，并在1912年于巴黎首演。舞剧以睡美人为蓝本，讲述了公主的梦境，讲述了5个精彩的童话故事。
拉威尔创作组曲的目的在于唤起人们对儿童时代的美好回忆，整个音乐干净清明，像小孩子清澈纯净的内心。精致华美的前奏曲运用了带有梦幻色彩的法国号，轻轻的颤音当中流露出神秘的气息。第一个场景便是古老的故事，公主中了魔法，被纺锤刺破手指而长睡不起。
之后的“睡美人的帕凡舞曲”是一段充满了诗意的柔美舞曲。拉威尔运用长笛吹奏出温雅的主题，用飘渺轻柔的竖琴和缠绵悱恻的法国号将梦境引到一个个奇妙而梦幻的空间里。
“大拇指”的故事，讲述了一个小男孩儿被父亲抛弃的故事。拉威尔用双簧管演奏出了凄凉哀怨的效果，似乎是小男孩找不到回家的路，充满了悲伤与绝望。
“瓷偶女王莱德罗纳”讲述的是睡美人公主在梦境里来到了神秘的东方。为了展现东方的韵味，拉威尔用短笛和钟琴重复演奏着五声性的韵律，并采用了铜锣等反映东方特色的乐器。
“美女与野兽”同样是取材于广为人知的童话故事，拉威尔用单簧管和竖琴奏出浪漫的旋律，展现了公主的曼妙身姿。用大型管乐器奏出野兽的怪异声响，用小提琴演奏的激情旋律象征破除魔咒的喜悦，生动而传神。
“仙境花园”一段当中，王子最终唤醒了公主，乐曲明朗欢乐，好像森林中重新充满了勃勃生机，大地光辉重生。
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