1848年爆发的欧洲革命以及19世纪五、六十年代的资产阶级民族民主运动的蓬勃开展，带动了一系列哲学思想、文艺思潮的兴起，音乐家的社会地位也发生了显著变化。这些都对音乐创作产生了重大影响。音乐创作当中，感情和想象被放在首位，音乐的抒情性进一步加强。浪漫主义音乐格外注重音乐与音乐以外的其他艺术相结合，如诗歌、戏剧、绘画等，最终形成综合的艺术。强调以个性为重点，突出个人的主观感觉的表现，常常带有作曲家自传的色彩；将大自然作为理想的境界，作品充满了幻想；更加重视挖掘民族音乐元素，这一时期的作品具有民族特色；大力提倡标题音乐。
这一时期还产生了大量的器乐小品，如夜曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲以及各种玛祖卡、圆舞曲等舞曲，创新的艺术题材不断增多。浪漫主义音乐将和声的表现范围进一步加大，和声语言大有扩展，增强了音乐中和声的色彩。浪漫主义音乐的主要形式还有标题交响曲和标题交响诗。
韦伯：浪漫歌剧的创始人
国籍：德国
生卒年：1786-1826
全名：卡尔·玛利亚·冯·韦伯
职业：作曲家、钢琴演奏级、指挥家、音乐评论家代表作品：《奥伯龙》、《魔弹射手》、《森林少女》、《彼得·施莫尔和他的邻居》、《西尔瓦纳》
生平简介：
韦伯，1786年11月18日生于德国奥伊廷。他出身于音乐家庭，父亲是位业余音乐家，在一个巡回剧团做领班，母亲做过歌唱演员。所以自幼年起，韦伯就在良好的音乐环境中得到熏陶。跟随父亲在各地旅行演出的时候，他接触到许多民间音乐，这些音乐素材都成为他后来的创作源泉。
1798年起，韦伯跟随海顿的弟弟米夏埃尔学习作曲，到14岁的时候就创作出了不少作品。他创作的几部歌剧《森林少女》、《彼得·施莫尔和他的邻居》等，风格接近歌唱剧，已经显露出他的歌剧创作当中的浪漫主义风格倾向。1803年到维也纳跟随福格勒学作曲。福格勒对民歌有着强烈的爱好，这一点也深深影响了韦伯，让他对民间音乐也产生了浓厚的兴趣。1804年在福格勒的帮助和支持下，韦伯担任了布雷斯劳的歌剧指挥。韦伯在剧目、乐队组织方面都有自己的改革思想，只是这些想法得不到理解，最终只能被迫辞职。
1807年，他在斯图加特任符腾堡公爵的秘书，主要工作是负责管理账目和教授公爵的孩子上课。1810年，他重新全力投入音乐活动。写出了两部交响曲作品和歌剧《西尔瓦纳》。1813～1816年，他有负责领导布拉格歌剧院的工作，工作中再次努力实施他的改革理想，但是仍然遭到反对。1815年，韦伯创作了康塔塔《斗争与胜利》，体现了他的爱国情怀，在群众中得到了很大反响。1817年起，韦伯定居德累斯顿，和一位女歌唱家卡罗琳·勃兰特结婚。1820年以前，他还在欧洲各国进行了旅行演奏和指挥。
定居德累斯顿之后，韦伯开始了他创作上的成熟时期。在1819年和1821年分别创作出了著名的钢琴曲《邀舞》和《钢琴小协奏曲》。1821年，他还创作出了巅峰之作——革命歌剧《魔弹射手》，演出获得了极大成功，使韦伯成为世界闻名的音乐家。这部作品具有成熟的浪漫主义特征和德国民族风格，打开了歌剧创作的崭新之路。
1823年，韦伯又写了歌剧《欧丽安特》。这次作品中他又进行了新的创作尝试，歌剧中没有口白，而是采用了朗诵调。但是由于题材方面的限制和音乐欠缺个性，演出后反响冷淡。1826年，应英国科文特加登歌剧院之邀，韦伯完成了最后一部歌剧《奥伯龙》。这是一部典型的浪漫传奇代表作，韦伯亲自前往伦敦担任指挥，但是演出时依然没有达到《魔弹射手》的水平，只有序曲成为后世演奏会上管弦乐的名曲曲目。由于旅途劳累和身体状况恶化，1826年6月5日，韦伯在伦敦病逝。
主要成就：
作为浪漫主义的先锋代表人物，韦伯在创作、演出、指挥等各个方面都进行了积极的探索，为浪漫主义音乐的发展开辟了道路。他的创作富于幻想性，吸纳了民族音乐元素，注重情节的构思和色彩变化，推动了浪漫主义音乐的发展。
韦伯被认为是浪漫主义歌剧的奠基人，在他早期创作的歌剧作品中，就已经显露出前人所未有的浪漫主义倾向。歌剧《魔弹射手》取材于古老的民间传说，护林人马克斯与林务官的女儿阿加特相爱。但是马克斯必须取得射击比赛的胜利，这样他才可以和阿加特结婚。为了赢取胜利，马克斯受到了卡斯帕尔的蛊惑，向魔鬼要了魔弹，但是在射击比赛时险些射中阿加特。幸亏在隐士高人的帮助下，魔弹射中了阴险的卡斯帕尔。坏人得到了应有的惩罚，而马克斯和阿加特终成眷属。
这部歌剧在题材内容上将奇幻的背景和现实中的人物连接到一起，在音乐方面也展现了浓厚的浪漫主义特色。序曲对剧情进行了精彩的概括，具有色彩性的和声、配器和主导动机的运用，使整个音乐都充满着一种奇幻氛围的浪漫主义色带。韦伯还对山林景色进行了生动刻画，吸收引用了民间的音调，将民间音乐素材处理得清新而又亲切，真实再现了风俗风情的特色，使整个作品带有浓郁的民族风格，也是对传统歌唱剧进行的一次改造。可以说，这部歌剧的风格和结构安排等方面的创新，都对后来的浪漫派歌剧产生了重大的影响。
另一部歌剧《欧丽安特》也颇有创新性，在结构上，它摆脱了德国歌唱剧的影响，将各种不同的朗诵调连接在一起，形成音乐连绵不绝。在和声方面，使用了全音阶和半音阶对比的和声，和声和调性法十分大胆和出新，得到了极大的评价；配乐也有进一步发展，弦乐器和木管乐器的处理方法也让人耳目一新，采用小提琴与中提琴的对比，让剧中人物的主导动机跟随思想感情的转化而变化，向音乐剧的方向迈进了一大步。这些创新的探索，都对以后的歌剧创作产生了影响。
歌剧《奥伯龙》当中散发着清新的浪漫主义气息，旋律轻松流畅，节奏明快。虽然有人认为它结构松散，但是序曲却生动贴切，成为传世佳作，并且深深影响到了舒曼、门德尔松等著名音乐家的创作。
韦伯的器乐作品中，协奏曲较为突出，他常常将标题性和协奏曲相结合。钢琴协奏曲、单簧管协奏曲的配器手法都较为特别，形成奇特的组合，有着浓郁的浪漫气息。韦伯非常喜欢钢琴的音色，创作了有浪漫主义特色的钢琴曲。其中最为出色的是1819年的钢琴独奏曲《邀舞》。这首曲子是他为庆祝妻子的生日而作，描绘的是在舞会上一位绅士邀请一位贵族淑女共舞的情景。乐曲由序奏，几个圆舞曲段落及结尾组成。以从容不迫的低音区旋律表现男士发出邀请，高音区旋律表示女方对邀请的婉言谢绝。通过圆舞曲节奏的映衬，突出了生动的对话效果。《邀舞》的音乐通俗易懂，带有华丽的技巧，曾两次被改编为管弦乐曲，常常在音乐会上演奏。它开创了将日常生活的内容和舞蹈音乐相结合的创作方法，并为后来的作曲家创作标题钢琴曲做了范例。作为一名钢琴演奏家，韦伯有着得天独厚的条件，他的手掌较大，可以毫不费力地弹奏十度内的四部和声，技巧性很强，甚至能轻松在#C大调上演奏《C大调第一钢琴奏鸣曲》。他的小协奏曲中，有不少颇有弹奏难度的大跳和八度滑奏，似乎就是为他高超的演奏技巧量身定做。
韦伯还是一位音乐评论家，发表了不少音乐方面评论性的文章，其中杰出的代表作是自传体小说《音乐家的生活》。
罗西尼：意大利歌剧复兴者
国籍：意大利
生卒年：1792-1868
全名：焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼
职业：作曲家
代表作品：《塞维尔的理发师》、《威廉·退尔》、《德美特里奥与波利比奥》、《结婚证书》、《试金石》、《坦克雷迪》、《意大利少女在阿尔及尔》、《英国女王伊丽莎白》《灰姑娘》、《湖上女王》
生平简介：
1792年2月29日，罗西尼出生于意大利的佩罗萨的一个音乐家庭里，父亲是当地屠宰场的检察员，不是专职的音乐人，但是会吹小号。母亲是一位优秀的歌唱演员。罗西尼4岁时，父亲因政治问题而被关入监狱。此后，罗西尼便跟随母亲移居博洛尼亚。母亲凭借出色的歌喉，在博洛尼亚但任喜歌剧中女主角，以此为生，抚养罗西尼。幼时的罗西尼和母亲相依为命，生活困苦，家里的条件使他不能上学接受教育，所以从很小的时候起他就得自食其力。他先在肉店当学徒，又跟随铁匠学打铁技术。虽然条件艰苦，使他不能得到正规系统的音乐教育，但他继承了母亲出色的演唱声音，10岁起便在教堂唱歌，以补贴家用。13岁时，他平生唯一一次以歌手身份登台，参加了一部歌剧的演出。之后又在剧院演奏羽管键琴。
1806年在凯瓦利埃·朱斯蒂的资助下，罗西亚得以进入博洛尼亚爱乐学校，开始接受正规的音乐训练。他跟随马泰伊学习大提琴和对位法，并认真钻研名家的乐谱，手抄海顿、莫扎特的多部作品进行研究。在求学期间，罗西尼就创作了第一部歌剧《德美特里奥与波利比奥》。18岁毕业时，他创作了独幕喜歌剧《结婚证书》。这部剧在威尼斯首演，演出获得了成功。毕业之后，他随巡回剧团四处演出，从此开始了他创作的高峰期。1812年，歌剧《试金石》在米兰斯卡拉歌剧院首演，1813年，正歌剧《坦克雷迪》和喜歌剧《意大利少女在阿尔及尔》在威尼斯得到公演，从此他声名远播。1814年，罗西尼被那不勒斯的两家歌剧院聘请，担任音乐指导。1815年，罗西尼创作了2幕歌剧《英国女王伊丽莎白》。这部作品里，他开创性地将声乐装饰音写在了乐谱里，是前人未曾做过的。1810-1815之间，他创作了15部歌剧作品。
这一段时间，是罗西尼创作的高峰期，他的生活和作品深深受到了当时社会环境的影响，一方面意大利民族运动蓬勃发展，使他的作品当中充满了积极进步的因素，反映了资产阶级的民主主义和民族意识的觉醒；而另一方面，欧洲大陆封建主义复辟行为频繁，他的作品又有许多是为迎合当时上流社会贵族统治者需要而创作的，因此就带有消极方面的倾向。但是总体而言，他的作品当中所体现出来的高超的艺术造诣是不容抹杀的。
1816年2月5日，罗西尼新创作完成的歌剧《塞维尔的理发师》在罗马剧场首演。结果嫉妒心强的同行故意召集一批喝倒彩、吹口哨，演出现场混乱不堪，使这部剧得到了极不公正的待遇，首演以失败告终。但酒好不怕巷子深，这种局面没有维持多久，在不久之后再度公演的时候，罗西尼天才之作最终打动了观众，大获成功，甚至还有热情的观众举行了火炬游行，这部作品从此被誉为“意大利喜歌剧精神的化身”，成为当时意大利喜歌剧的巅峰代表作之一。更令人赞叹的是，罗西尼完成这部巨作居然只用了13天的时间。
《塞维尔的理发师》之后，罗西尼又创作了《奥赛罗》、《灰姑娘》、《偷东西的喜鹊》等15部意大利式歌剧，这些作品在当时也都引起了轰动，但是除了序曲之外，现在已经基本不再被公开演奏。1822年春，罗西尼应邀来到维也纳，他的歌剧在音乐之都维也纳也受到了欢迎。在维也纳，罗西尼见到了年过50的贝多芬。贝多芬十分赞赏《赛维尔的理发师》，并希望罗西尼能够创作出更多同样高水准的作品。
1823年，罗西尼与他的第一个妻子结婚，这段婚姻于1836年结束。1824年，在伦敦逗留了5个月的罗西尼选择在巴黎定居，并出任了巴黎的“意大利歌剧院”院长。1826年他被授予“王室首席作曲家”和“法国声乐监察”的称号，在巴黎期间，他创作了著名的是《威廉·退尔》。这部四幕歌剧耗费了他大量心力，用了整半年的时间。1829年8月，这部作品在巴黎首演，时间长达5小时，受到了隆重的欢迎。写完《威廉·退尔》之后，罗西尼就此搁笔，在之后的40年的生涯哄再没有写过一部歌剧，只创作了宗教音乐品和一些短曲。1839年，他回到意大利，担任波洛尼亚音乐学院院长，1846年，罗西尼再婚。1848年，博洛尼亚的发生动乱，罗西尼便离职并移居佛罗伦萨。1855年，再次到巴黎，就此安度晚年。1868年11月13日在巴黎郊外的帕西别墅逝世，享年76岁。9年后，意大利迎回了他的遗体，罗西尼被移葬在佛罗伦萨的圣塔克罗才教堂。
主要成就：
罗西尼一生创作了近40部作品，在正歌剧和喜歌剧领域有突出的表现。他的正歌剧体现了他的民族解放思想，加入了喜歌剧中的生活气息；喜歌剧明快、机智，寓意深刻，妙趣横生，又引入了正歌剧的元素。他在创作当中展现的旋律天赋、细腻丰富的剧情以及轻松的幽默，引起了广大人民的共鸣，使当时僵化没落的意大利歌剧重获新生，因此被誉为“意大利歌剧艺术的复兴者”。
罗西尼的喜歌剧取材丰富，既有对贫民生活的反映，也有对贵族生活的刻画，内容生动，人物个性鲜明，情节紧凑简洁，散发着青春的气息。其中《塞维尔的理发师》是喜歌剧当中最成功的代表作，它继承了意大利喜歌剧的精华，注重旋律和美声唱法，音乐充满了装饰，语言生动，形式活泼，幽默快乐。同时又进行了革新，学习贝多芬，用管弦乐取代古钢琴伴奏。
罗西尼的正歌剧的音乐通常壮丽宏伟。《威廉·退尔》是根据席勒诗剧创作的正歌剧，它也是罗西尼的代表作，充分反映了罗西尼的民族意识，推进了大歌剧体裁的形成，为19世纪欧洲歌剧艺术提供了宝贵的创作经验。这部歌剧的序曲比歌剧本身的名气更加响亮，虽然这部歌剧现在已不再上演，但它的序曲旋律优美，节奏明快，成为演奏会上的名曲。序曲共有四个乐章，第一乐章生动描绘了自然的优美景色。第二乐章则是对暴风雨来临，乌云满天，电闪雷鸣的景象进行了生动的刻画。第三乐章展现了雨过天晴之后大自然的明丽景色。第四乐章又变为催人分发、激情洋溢的进行曲。《威廉·退尔》是罗西尼的代表作，体现了其艺术成就的最高峰。
初演并不顺利的歌剧《赛维尔的理发师》吸收了意大利喜歌剧的精华元素，用生动的音乐语言，自由的表现形式讲述了理发师费加罗救助一位少女的故事。主题音乐欢快诙谐、生动活泼，之后又伴有温馨怡人的管弦乐旋律，之后呈献给听众的是欢快跳舞的场景。结尾宏大壮观，广阔壮美。主人公费加罗唱的咏叹调，也是当今最受青睐的演唱曲目之一。
除了歌剧上取得的辉煌成就，罗西尼在弦乐四重奏、小型交响曲、芭蕾舞曲等方面都有创作。其中有6首1808年的弦乐四重奏作品是他在3天之内一挥而就的。晚年写的两首宗教乐曲都是佳作，其中作于1864年的《小庄严弥撒》旋律清新，轻松自然。
罗西尼擅长用音乐刻画人物，他的音乐和情节结合得十分自然到位，剧中人物性格鲜明，剧情紧张，描写生动，音乐旋律优美，节奏敏捷，充满了活力。罗西尼对配器有着深刻的研究，为朗诵调加上乐器伴奏，使简洁的配器更易发挥丰富的色彩，同时注重声乐的表现，让人声更好地表达出感情。凭借这些创新性的改革，罗西尼开创了意大利新的歌剧时代，使后世得以继承和发扬意大利特有的美声风格。直到今天，号称声乐艺术天堂的意大利依旧散发着迷人的魅力。
舒伯特：歌曲之王
国籍：奥地利
生卒年：1797-1828
全名：弗朗茨·舒伯特
职业：作曲家
代表作品：《魔王》《鳟鱼》《美丽的磨坊少女》、《菩提树》、《野玫瑰》、《流浪狗》（2首）、《普罗米修斯》、《致音乐》、《迷娘之歌》、《纺车旁的格雷欣》、《牧童的哀歌》、《战斗中的祈祷》、《剑之歌》、《战士之歌》、《冬之旅》、《天鹅之歌》、《死与少女》、《流浪者幻想曲》、《音乐的瞬间》
生平简介：
19世纪初，继海顿、莫扎特、贝多芬等伟大的巨星之后，音乐之都维也纳又有一颗新星冉冉升起，这便是作曲家舒伯特。1797年1月31日，舒伯特出生于维也纳郊外的一个贫困的教师家庭里。父亲是一个教区学校的校长，也是一位业余音乐家。自幼他便跟随随父兄学习小提琴和钢琴，少年时他的音乐才能便显示出来。中国有句流传很广的话，叫做“曲有误，周郎顾”。类似的事情也发生在年少的舒伯特身上。父亲弹错了的时候，作为儿子的舒伯特都能第一时间感知到，并且清楚地把错误指出来。
1808年，11岁的舒伯特考上了皇家神学院，被帝国小教堂唱诗班录取，并担任了神学院的乐队小提琴手和指挥。在那里，他得到了系统的音乐理论及作曲方面的训练，有机会接触到莫扎特等古典主义乐派音乐家的名作，并可以去歌剧院欣赏歌剧。在那段时间里，舒伯特创作了他的《第一交响曲》，是为乐队演出所作。之后不久，因为变声，嗓子不再适合担任唱诗班的工作，他便离开了神学院。为了避免服兵役，他便到父亲学校里担任教师，尽管工作繁重，但是他继续跟随神学院的老师萨列里学习音乐创作。
萨列里是善于创作教堂音乐的作曲家，因此，舒伯特这个时期的作曲风格也深受其影响。1814年10月19日，舒伯特成功地为歌德的诗《纺车旁的格丽娜》谱曲，创作出了第一部歌曲杰作。从此，源源不断的灵思奔涌而出，他写下了数量惊人的作品。1815年一年的时间里，舒伯特就创作了144首歌曲，甚至创下了1天之内写8首歌曲的记录。名作《魔王》、《野玫瑰》等都是这个时期创作而成的。此外，同一年里，他还创作了1部交响曲和2部弥撒曲。
1816年，由于父亲的极力反对，他辞去教师的职务，全身心投入到作曲的事业当中。辞职之后，便没有了固定收入，他的生活贫困潦倒，和朋友栖身于狭小的屋子，凭着对音乐的一腔热情而苦苦支撑着。正如他自己所说的那样：“世人最喜爱的音乐，正是我以最大痛苦写成的。”身为作曲家，却买不起一架钢琴，便只能跑去朋友那里借用。有时灵感突起，赶紧跑去朋友那里，却发现钢琴前已经有人在用，便只能无言地离去。世人只知道舒伯特的乐思如流水泉涌，却不知道那背后压抑的辛酸与泪水。那一晚，他躲在被子里偷偷地哭泣。
舒伯特对音乐的喜爱是强烈而单纯的，纯粹地导入了没有任何商业性的杂质。他的性格，使他不想成为教授音乐的老师，使他不想成为出版商市侩的音乐元素，他只是简单地喜欢着音乐，热爱着音乐，创造着音乐，而这条路对他来说，却走得异常艰辛。微薄的版税，勉强支撑着他的生活，而窘迫的他有时候甚至买不起作曲需要的五线谱，这种忧愁苦闷的情绪在他的一些作品中也经常流露出来，这种艰难的生活折损着他的身体，可能，也在默默地消耗着他的精神。
1823年，舒伯特完成了第一部自己的歌曲集，收录了他的巅峰代表作——《快乐的磨坊女》。直到1825年，舒伯特的作品才得以大量出版，稍微缓和了下他经济紧张的状况。于是舒伯特去了奥地利旅行，在当地得到了人们的欢迎和拥戴。1826年，他的作品《死亡与少女》进行了首演。之后，舒伯特一直呆在维也纳平静地作曲，中间只去过格拉茨一次。1827年又完成了代表作歌曲集《冬之旅》。
舒伯特一生中没有积极地在公众场合展现自己的才华，因此有种怀才不遇的遗憾。在1828的时候，才在朋友们的帮助下召开了个人音乐会，取得了的巨大的成功。但是长期生活的艰辛和不遗余力呕心沥血的创作耗尽了他的精力。
舒伯特对贝多芬十分的崇敬，可惜在很长时间里两人都无缘相见。直到贝多芬的生命之旅临近终点之时，他才看到了舒伯特的作品，他说，他从中看到了圣光。乐圣这中肯的评价似乎来得太迟，舒伯特的一生当中，鲜有世人真正欣赏到他的作品所蕴含的深刻的艺术魅力。但是另一方面，这句姗姗来迟的褒扬，又何尝不是对终身对音乐不懈追求的舒伯特的最大肯定？
贝多芬去世的时候，作为忠实的拥护者，舒伯特默默走在了送葬的队伍当中，然而，他的生命之旅转瞬也便达到了重点。1828年11月19日，年仅31岁的舒伯特在维也纳溘然长逝。根据他临终前的要求，死后被葬在了他崇拜的偶像贝多芬的墓旁。
主要成就：
在当今世界上，可以说还没有一个人在歌曲创作方面的数量和水平上超越舒伯特。他的一生极为短暂，但是这短暂的一生当中，舒伯特完成了1100多部作品，其中有10多部歌剧、9部交响曲、100多首合唱曲、500多首歌曲等。其中为数不少的作品成为世界名曲，风靡全球，因此被称作“歌曲之王”。他的歌曲创作通常都是灵感突发即兴而至，显示出了他超群的曲调创作能力。
舒伯特的音乐创作对古典主义和浪漫主义起到了继往开来的作用，一方面他继承和发扬了古典主义的传统歌剧风格，另一方面又开创性地创作了带有浓烈浪漫主义色彩的歌曲和钢琴曲。在“即兴曲”和“音乐瞬间”作品中，舒伯特注入了自己的抒情风格，作品往往带有浪漫主义要素的随想性和自发性，无不让人沉醉忘返。
他创作的歌曲直抒胸臆，才华洋溢，曲调真挚朴实，戏剧性强，巧妙地利用了变化音，大小调交替进行。和声新颖，钢琴伴奏往往产生了特殊效果，用一两哥小节便能生动地反映出真实的场景，再现诗歌中表现的情绪，达到诗词与曲调之间最和谐的平衡，让两者相得益彰。
在舒伯特去世之后，人们发现了许多他还未曾问世的作品，其中不乏惊世绝笔之作，于是将这些遗作整理成册。因为在传说当中，美丽的天鹅在将死之时，会用最美丽的歌喉唱出世上最动人的歌曲。毫无疑问，舒伯特的遗世之作自然是最为动人的绝笔之作。因此这套歌曲集的名字就叫做《天鹅之歌》，其中第四首歌曲《小夜曲》，便是舒伯特最著名的艺术作品。
这首小夜曲是1828年舒伯特在去世前几个月完成的。这首歌曲是根据诗人莱尔斯塔勃的诗所创作的，流传度非常高，也常被改变成器乐演奏，深受人们的喜爱。
作为一种独具特色的音乐形式，小夜曲通常是被用来在夜晚向心上人倾诉衷肠的歌曲，和其他小夜曲一样，这首《小夜曲》也以爱情为题材，幽静而深沉。歌曲为二部曲式结构，歌曲中有大小调穿插进行。d小调旋律柔和清婉，D大调使感情变化激昂。在第一段当中，感情逐渐得到升华，曲调被推向了第一个高潮部分，在充满期望的等待之中结束。间奏抒情悠缓，安谧祥和，情绪转为热烈而激动的恳求，再次形成了高潮部分。尾声部分以D大调为主，大小调结合，由强烈转弱，音乐渐渐淡去。余音不绝的后奏部分，旋律轻轻回荡，就像爱情之声在轻轻敲打着心扉，所有的心思沉浸到了朦胧夜色之中。
创作于1815年的《魔王》是舒伯特的著名的作品之一。《魔王》是一首叙事歌曲，用不同的音色处理来表现感情的变化和不同的人物形象，富有戏剧性和艺术性。它以歌德的叙事诗为歌词，用不同的腔调搭配不同的旋律音调，发现出父亲、儿子、魔王和讲故事的人资格人物形象。并用钢琴声模仿马蹄声和呼啸的风声，描述了大风之夜里烟雾弥漫的森林场景，生动形象，栩栩如生。用口语化的朗诵调表现叙事者的声音，用低音表现父亲的讲话，用抒情的歌唱表现魔王的狡猾和虚伪，用沉痛的音调描述儿子死去的悲痛结局，用钢琴的特强和弦表现了父亲悲痛绝望的心情。这首歌曲当中有着看似不和谐的合奏，但是这种不和谐恰恰反映了见到魔王时内心的那种恐惧和战栗，这首歌也成为后世检验歌手演唱质量的名作。得到许多音乐家的青睐，先后被李斯特和柏辽兹分别改编为钢琴曲和管弦乐曲。
《圣母颂》是1825年舒伯特根据英国诗人瓦尔特·司各特的《爱伦之歌》谱曲而创作完成的。歌曲采用了分节方式，前奏采用对六连音的分解和弦表现了起伏的情感，旋律优美动人，感情细腻委婉，表现了少女主人公的纯真感情。歌曲中还采用了变化音、连音以及装饰音等，技法通俗，巧妙新颖，别具特色。在歌曲第八小节出现高潮，而后全曲归于平静恬淡。
除了歌曲，舒伯特在交响曲方面也有颇深的造诣。他的交响曲均为古典曲式，采用了美妙抒情的旋律，运用了独特的和声，巧妙的色彩变化，刻画人物的内心活动。乐谱之间充满了他的想象和遐思，一切独特的感受都转化成了音乐形象。交响曲中较为著名的第四、第五、第八、第九交响曲。《第八交响曲》带有浓烈的浪漫主义抒情色彩，由于尚未完结便被称作《未完结交响曲》。1828年完稿的《第九交响曲》，是他原本打算送呈维也纳音乐之夜协会的作品。但是这部作品被认为太长太难而直到1839年才得以演奏。这部交响曲有许多风格和形式上的新颖处理手法，主题简介有力，四个乐章都带有管弦乐的独特色彩，并充分保留了乐器的独奏能力：用法国号走出开端，用双簧管进行抒情的伴奏。节奏充满活力，力道充足，展现了诗人的想象力与创造力，气势磅礴，充满英勇豪迈的气概被称为《伟大交响曲》。
柏辽兹：浪漫主义标题交响乐的开拓者
国籍：法国
生卒年：1803-1869
全名：艾克托尔·路易·柏辽兹
职业：作曲家
代表作品：《幻想交响曲》、《哈罗尔德在意大利》、《葬礼与凯旋交响曲》、《罗密欧与朱丽叶》、《纪念亡灵大弥撒曲》、《特洛伊人》、《比阿特丽斯和本尼迪克》、《罗马狂欢节序曲》、《李尔王序曲》、《海盗序曲》，《本维努托·切里尼》、《阿尔瑟斯特》、《浮士德的沉沦》
生平简介：
柏辽兹，1803年12月11日生于法国南部海滨小镇柯特·圣·安得烈的一个医生家庭里。柏辽兹最早接触的是教堂音乐，自幼喜爱吹长笛和竖笛，但是没有受到过系统的音乐教育，也没有学习过钢琴。
1821年，在父亲的命令下，他前往巴黎进医科学校学医，但是他对医学实在没有什么兴趣，于是在1822年申请了学习音乐并开始创作歌剧。1823年，他开始跟随勒絮尔学习，在此期间创作出一部清唱剧。由于对音乐有无限的执着和热爱，柏辽兹不顾家人的反对，甚至不惜与家庭决裂，离开了医学院，在1826年进入巴黎音乐学院，正式拜师雷哈和勒絮尔。勒絮尔曾为法国大革命谱写过不少音乐作品，柏辽兹因此也受到了进步思想的洗礼，创作了《希腊革命康塔塔》，表达了对资产阶级民主革命运动和民族解放运动的支持。
1827年，柏辽兹在奥德翁剧院观看英国肯布尔剧团表演的《哈姆雷特》，结果一下子爱上了剧中扮演奥菲利娅的爱尔兰女演员哈里特·史密森。强烈的感情持续了很多年却得不到回应，在1830年，柏辽兹创作了《幻想交响曲》，副标题为“一个艺术家生涯中的插曲”。这是第一部标题交响曲，倾诉了他对史密森的浓浓爱恋，也是作曲家用交响乐的形式为自己的感情经历所创作的自传。演出之后，《幻想交响曲》获得了极大成功，它标志着交响乐的一次革新，甚至引发了一场轰动音乐界的革命。因此，柏辽兹被认为是法国激进浪漫主义乐派之父。同一年，柏辽兹凭借《莎丹那帕尔》被巴黎音乐学院授予罗马大奖。
因为爱情的疯狂，柏辽兹创作了《幻想交响曲》，但是现实中的他却只能在绝望中和另外一位女钢琴家订婚，之后便去了意大利留学。然而，命运再次戏耍了他，没过多久，他的未婚妻又嫁给了别人。孤单的柏辽兹只能自己一个人在意大利漂泊着。
1832年，柏辽兹结束了意大利的留学回到法国，也许上天感念于他的一份痴情，终于又让他再次见到了朝思暮想的史密森小姐。10个月之后，两个人在巴黎的英国大使馆举行了婚礼。多年的夙愿得以达成，意气风发的柏辽兹开始了他艺术创作的旺盛时期，他留学过程中所接触的风土人情尽数融入创作当中，产生了一系列伟大的作品。其中包括1834年完成的《哈罗尔德在意大利》，1839年完成的戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》和1840年的第四交响乐曲《葬礼与凯旋交响曲》。在这些交响曲当中，柏辽兹都注入了新颖的配器效果，让人耳目一新。
令人遗憾的是，美满的婚姻关系并没有长久的维持下去。1841年，柏辽兹的婚姻破裂了，他开始与歌唱家玛丽·雷西奥同居。1842年起，柏辽兹旅居欧洲各国，开始在德国、英国和意大利等地奔波游历，先后担任了伦敦歌剧院和新兴爱乐乐团的指挥。1854年，柏辽兹再婚。1856年开始了歌剧《特洛伊人》的写作，直到1858年创作完成。这部歌剧由于规模太过庞大而没能在剧院上演。1860－1862年完成他的最后一部歌剧《比阿特丽斯和本尼迪克》后就再没写作。1866年，他被邀请到维也纳指挥他的作品《浮士德的沉沦》，1867年，来到俄罗斯，在圣彼得堡指挥了6场音乐会。1868年还带病坚持到摩纳哥和突尼斯演出，结果返回巴黎之后病情加剧。1869年3月8日，柏辽兹在巴黎去世。
主要成就：
柏辽兹是法国浪漫主义乐派的代表人物，创作了4部交响曲、3部歌剧、6首管弦乐序曲以及一些声乐、器乐作品。柏辽兹的作品融合了浪漫主义精神，和对民主兹有的追求，以及标题音乐技法、绚丽的配器，曲式严谨，技巧纯熟，具有极高的艺术价值。柏辽兹的一生是在物质生活极为困乏的情况下度过的，因此，在他的作品当中，也常常流露对现实的不满和愤慨，表现了小资产阶级的“叛逆精神”。
柏辽兹作品中占首要地位的是交响乐。他的交响曲继承了贝多芬交响乐的传统，同时又大胆创新，致力于标题音乐创作和“固定乐思”的创作手法。用标题交响乐与古典交响乐相区别，使音乐和文字进一步相结合，在交响曲的开头和每个乐章都加上标题，强调音乐的标题性内容。力图将文学中的形象用音乐表现出来，同时使器乐的表现更加深刻具体。在他看来，音乐的标题可以加深听众对音乐的理解。对比过去的那种音乐只为少数人服务，只为少数人听懂的艺术思想来说，这是一种更加进步的艺术思想，更加为平民服务艺术思想。他还令乐队编制进一步扩大，增添了交响乐新的音色和宏大雄伟的效果。
他的代表作《幻想交响曲》被认为是音乐史上第一部浪漫主义的标题交响曲，是那个时代的先锋代表作品。表现了个人爱情的狂热、绝望、幻想，根据他本人的经历创作完成。全曲大约有50分钟，描述了一位失恋的艺术家吞服了吗啡意图自杀，但因剂量不足而陷入沉睡，因此做了各种各样的梦，这些梦发展为5个乐章，间接反映出柏辽兹感情上的彷徨无助与思想上的苦闷。交响曲中有一个主题贯穿于整部曲子，象征了爱人的热情，被柏辽兹称为“主导乐念”，能够让听者能音乐的整体概念有清晰的掌握。这部作品，无论从标题音乐创作还是交响乐配器两个方面，都为后来的浪漫主义音乐创作打下了基础。舒曼对这部作品凭借颇高，李斯特将它改编成钢琴曲。
《哈罗尔德在意大利》是柏辽兹在新婚后所创作的，其中保留了他在意大利山区生活的印记，具有浓浓的自传性质，从中我们可以看到在意大利期间柏辽兹孤单的身影。这首作曲是根据拜伦的诗歌《恰克斯·哈罗尔德游记》而创作的，分为了4个篇章，用中提琴演奏出了音域宽广、忧郁舒缓的轻柔旋律，展现了一位孤单游历的贵族青年的形象，用华美的音响小鼓，展现了丰富的音乐色彩。
柏辽兹改革了管弦乐的创作方式，开发了管弦乐队的丰富表现力，在配器方面撰写了著作《配器法》，这部作品是他艺术实践的理论总结，被推崇为近代作曲技术理论的典范，柏辽兹也被称为近代管弦乐之父。柏辽兹不会弹奏钢琴，他所擅长的只有长笛和吉他。但是他改编了不少前人创作的钢琴曲。改编后的作品无不气势恢宏，声调和谐，比原作增色不少。其中，他改编自韦伯原作的《邀舞》便广受好评，成为当之无愧的代表作。
门德尔松：浪漫主义神童
国籍：德国
生卒年：1809-1847
全名：费利克斯·门德尔松
职业：作曲家，指挥家
代表作品：《〈仲夏夜之梦〉序曲》、《婚礼进行曲》、《春之声》、《赫布里底群岛》序曲、《苏格兰交响曲》、《意大利交响曲》、《伊利亚》
生平简介：
门德尔松1809年2月3日生于德国汉堡的一个富裕的犹太家庭。祖父是德国著名的哲学家，被称为“犹太苏格拉底”。父亲是银行业的巨头，母亲是文化素养很高的钢琴家。门德尔松从小便享受着很好的教育环境，跟随母亲接受钢琴启蒙教育。姐姐范尼·卡西里也是一位音乐天才，和门德尔松的姐弟关系非常好。1811年法国攻占了汉堡，3岁的门德尔松便跟着父母移居首都柏林。5岁，开始接受正规、系统而全面的教育，教授他的老师是来自于各个领域的专家。门德尔松可是算是音乐史上最幸福的音乐家了，从未尝到生活的艰辛。家里经常聚集着当时的各界精英：歌德、海涅、黑格尔……可谓“谈笑有鸿儒，往来无白丁”。门德尔松还有机会跟随伯杰、泽尔特等人学习钢琴、作曲。
门德尔松是钢琴神童，少年时代便创作了大量歌剧、弦乐交响曲以及协奏曲、鸣奏曲等作品。9岁就开始登台表演钢琴独奏，10岁时就为《诗篇19》谱曲，11岁时进入柏林声乐学院学习。12岁已写出一首钢琴四重奏，并和歌德成为了忘年交。14岁的时候，他组建了属于自己的私人乐队，16岁发表第一首杰作《弦乐八重奏》，17岁时完成了著名的《仲夏夜之梦》序曲。
1829年3月11日，20岁的门德尔松在柏林歌唱学院指挥演出了《马太受难曲》，这是在巴赫去世之后的首次公开演出他的作品。这次的公开亮相，经过门德尔松的精彩表演，这一尘封已久的历史性的著作得以重放光辉，重新展现在世人眼前，让人们重新认识并重视了一代音乐大师巴赫和他的作品。这次演出引起了轰动，年轻的门德尔松也成为闻名遐迩首屈一指的指挥家。
1829年，门德尔松远赴英国指挥伦敦爱乐乐队，并开始了他的旅行演出，在旅行的过程当中，结合自己的所见所闻所感他创作了一系列优秀的音乐作品。在苏格兰度过悠闲的假期之后，他用《赫布里底群岛》序曲和《苏格兰交响曲》来表现他的感受，虽然这两部作品是直到他1830-1831年访问意大利时才动笔写作的，但却有浓厚的苏格兰风情，展现了他独特的旋律风格。在罗马，他与柏辽兹邂逅，并开始酝酿为这次旅行创作的《意大利交响曲》。1931年，他行至巴黎的时候，和音乐大师李斯特相遇。
1833年，门德尔松结束了旅行，返回德国，将之前创作的《意大利交响曲》完成，并在杜塞尔多夫担任了音乐总监的之物。1835年又成为莱比锡著名的布店大厅交响乐团的指挥，在这里他认识了肖邦和舒曼，并且和柏辽兹交换了指挥棒。
1837年，门德尔松结婚了，新娘是法国的塞西尔·让莱诺。婚后，2人育有3子2女，过着美满幸福的生活。1842年，门德尔松和舒曼等人一起创办了莱比锡音乐学院，并在学院里担任作曲老师，这所学校成为欧洲后来重要的音乐学校之一。
1843年，再度访问英国的门德尔松将之前创作的《苏格兰交响曲》献给英国女王维多利亚。1846年，在白金汉宫举行的伯明翰音乐节上，他又指挥演出了他的清唱剧《以利亚》，获得成功，达到了与亨德尔齐肩的高度，此时他的健康已出现问题。1847年他敬爱的姐姐病故，给他带来沉重的打击，从此他的健康状况急转直下，在6个月之后去世了。去世的时候，他还不到39岁。
主要成就：
门德尔松的生命只有在短短38年，但是他一生中创作的音乐财富却极为丰富，音乐作品涵盖了各种体裁。他创作了《苏格兰》、《意大利》等交响曲，《芬格尔山洞》、《平静的海与幸福的航行》等序曲，还有小提琴协奏曲，无词歌等。他被誉为“莫扎特之后的最完美的曲式大师”，因为他的曲式完美严谨，典雅高贵，但他的音乐中又充满了诗意，充满了幻想，优美舒适，抒情优雅，清晰地点明了管弦乐的色彩，让古典主义和浪漫主义结合成完美的统一，将曼妙的旋律嵌入正规的古典曲式。他的作品既有对自然风光的热情讴歌，也有对幻想境界的真挚描述。因为他一生生活富足，没有经历生活上的艰辛，因此作品中没有深刻的矛盾冲突，精美华丽，他的音乐被称为“描绘性浪漫主义”。他本人被称为“抒情风景画大师”。
门德尔松的代表作《仲夏夜之梦》序曲改编自莎士比亚的戏剧作品，被认为是音乐史上第一部浪漫主义标题性的音乐会序曲。这首序曲采用了奏鸣曲式，凭借精湛的管弦乐技巧，渲染了虚无缥缈的幻境色赛，生动描绘了众精灵的生活。他的卓越的管弦乐法，生动地渲染了序曲中虚无缥缈的梦幻色彩和浓浓的诗情画意，曲调欢快明畅，表现了作曲家幸福欢乐的情绪和青春活力。简短的引子用了清淡的音响展现缥缈朦胧的月夜，之后用轻盈灵巧音走出小精灵嬉戏欢舞的场景，人们仿佛置身与神话王国般。这种独特的旋律风格，为以后的浪漫主义作曲家描绘神话仙境打开了先例。
《苏格兰交响曲》是门德尔松历时12年完成的一部详尽描述苏格兰的作品，利用绚丽缤纷的配器，进行多样的演奏，生动展现了苏格兰的质朴气息。
全曲分为四个乐章。第一乐章当中，第一主题带有苏格兰舞曲的风格，忧郁哀婉，第二主题在活泼灿烂的氛围中登场，情绪逐渐走向激昂，最后转变为行板的旋律。第二乐章中用舞曲风格和欢快的主题表现了戏谑的风格，同时还有朴素的主题。第三乐章呈现出了略微阴郁而主题，似乎是对苏格兰风格古堡周围景象进行了回忆。第四乐章也采用了苏格兰的民歌风格，活泼灿烂。
在意大利期间，门德尔松创作了著名的《意大利交响曲》，广泛运用了意大利的民间音乐素材。全曲包含四个乐章：第一乐章当中，轻柔的旋律舒展开来，如同意大利明媚的阳光洒在身上，召唤者人们去往那个美丽的国度。第二乐章，是门德尔松有感于街上朝圣队伍之后有感而发的创作——朝圣进行曲。第三乐章，是优雅的小步舞曲。第四乐章，用古老的意大利舞曲再现了罗马狂欢节的热闹场面。高潮迭起，引人入胜。
门德尔松的音乐总是交织着浪漫主义的幻想性和古典主义的逻辑性，《e小调小提琴协奏曲》便是音乐史上的瑰宝，它新颖动人，技巧华丽，旋律优美，雅俗共赏，是普及度最广泛的作品之一。它的3个乐章有机相连，一气呵成。省略了乐队引子，让独奏小提琴在伴奏之后直接与听众见面。
肖邦：钢琴诗人
国籍：波兰
生卒年：1810-1849
全名：弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦
职业：作曲家，钢琴家
代表作品：《夜曲全集》、《E大调练习曲离别》、《C小调幻想即兴曲》、《第一叙事曲》、《A大调波兰舞曲》、《降B小调奏鸣曲》、《B小调谐谑曲》、《降A大调波洛莱兹》、《葬礼进行曲》、《玛祖卡舞曲》、《革命练习曲》
生平简介：
肖邦1810年3月1日生于波兰中部的小镇热拉佐瓦·沃拉，后来全家搬到了华沙。父亲是波兰籍的法国人，在华沙一家中学担任教授法语的工作，母亲是波兰人。肖邦从小就表现出惊人的艺术天赋，尤其是对波兰的民族音乐，他有着与生俱来的狂热爱好。6岁起，肖邦开始跟随母亲学习钢琴，7岁就展现出了他的即兴作曲能力，创作了第一首作品B大调和G小调波兰舞曲，1818年8岁的肖邦就在一次慈善音乐会上登台演奏，在华沙，他被人们成为“第二个莫扎特”。
1822年起，肖邦跟随约瑟夫·艾尔斯内学习音乐理论、钢琴演奏和作曲。16岁时，肖邦进入华沙音乐学院作曲班。1827年，肖邦发表了第二部作品《B大调钢琴和管弦乐变奏曲》，不到20岁已经成为华沙公认的钢琴家和作曲家。音乐评论家舒曼也曾对肖邦的作品给予极高的评价。到19岁时，肖邦已经创作了两首钢琴协奏曲。1829年至1831年间，肖邦在华沙、维也纳和巴黎各地举行了多场音乐会，他的演出受到了音乐界的高度评价，他本人也被认为是“音乐地平线上最闪亮流星中的一颗”。
1830年肖邦创作了两部钢琴协奏曲。这两部作品也是他这一时期最为重要的作品，透露着欢快明朗的气息，音乐带有鲜明的民族色彩。《第一钢琴协奏曲》末乐章主题带有强烈粗犷的舞曲风格，《第二钢琴协奏曲》末乐章主题则带有优美朴素的马祖卡舞曲风格，但是同一年，为反对外国势力瓜分波兰，波兰爆发了起义。战火一起，肖邦无法回国，只能暂时在国外逗留，最终在1831年移居到了法国巴黎。虽然身在国外，但是肖邦对祖国和家乡的热爱之情却丝毫未曾改变，他创作了《b小调谐谑曲》以表达对祖国的热爱之情和对故乡亲人们的思念之情。
移居到巴黎后，肖邦也深深地爱上了这座城市，他认为巴黎是世界上最美丽的城市，从此便开始了他的新生活。在巴黎，他跟随法国籍德国的钢琴家和作曲家卡尔克布雷纳学习钢琴，但是没过多久，他便对老师的教学方式不能适应，因此课程只持续了1个月的时间。此后，他便经常参加音乐会的演出，靠演出赚钱维生。一开始，他的收入寥寥无几，日子也较为艰难，演出所得只能勉强糊口。但是没过多久，他的音乐才能便引起了人们的瞩目，许多名门望族便慕名前来向他学习钢琴演奏，通过音乐会、作曲和教授钢琴课，肖邦逐渐有了稳定的收入，不再为生计担忧，与同时代的音乐家相比，在物质方面已经相当不错了。
肖邦交友广泛，在巴黎期间结识了许多文艺界的重要人物，如德国诗人海涅、匈牙利音乐家李斯特等。在1834年的莱茵河音乐节上，他见到了门德尔松，立刻有了惺惺相惜的感觉，大师们相互之间交流切磋，相谈甚欢。在国外，肖邦深深地记挂着国内的同胞，经常为同胞们募捐演出，但是却不热衷于为达官显贵表演，具有高尚的情操。1837年，沙皇俄国要授予他“俄国皇帝陛下首席钢琴家”的职位，也被他严辞拒绝了。
1838年，肖邦遇见了特立独行的法国女作家乔治·桑，似乎找到了情感上的最佳交流对象。在乔治·桑位于诺昂的庄园里，两人度过了一些平静快乐的日子，愉快的心境下，肖邦创作了大量作品，著名的波兰舞曲《英雄》也是在这段期间完成的。
1846年两人的关系破裂，肖邦的创作开始出现衰退趋势。波兰民族运动屡遭失败，故乡亲友离世，健康状况不断恶化，这一切都使他晚年生活非常孤寂。其中，最令他难以承受的便是思乡之苦，他痛苦地将自己称为“远离母亲的波兰孤儿”。1848年，他去到了英国，进行了他最后一次的演奏会。1849年10月17日，在巴黎的寓所里，肖邦走完了他的生命旅程。临终，他嘱附亲友将自己的心脏运回祖国波兰。他的墓上，被洒了一抔来自故乡的土，使他得以安葬在故乡的泥土之下。
主要成就：
肖邦是波兰音乐史上最重要的钢琴家，他一生没有离开钢琴，全部的创作大多是钢琴曲，被誉为“钢琴诗人”。有4部叙事曲、26首前奏曲，27首练习曲，3部奏鸣曲，还有协奏曲、幻想曲、奏鸣曲等等。
他遭遇波兰亡国，不得不在国外度过余生。于是他的作品里有很多爱国主义的情绪，抒发了自己对故乡波兰的思念。肖邦的作品一向没有标题和情节，但大都细腻精致，富有歌唱性，能激发听众无限的遐思。
作为一个波兰作曲家，肖邦对自己故乡的音乐有着难以解释的深刻情感。在他7岁时，就创作了G小调的波兰舞曲，定居巴黎后的作品也频现他对故乡的思念。他的波兰舞曲开场都有一段华丽的乐章。他利用精湛的技巧演奏钢琴，使音乐呈现出仿佛钢琴在歌唱的效果，他用优雅的装饰音创造了富有节奏的踏板音乐效果。玛祖卡也是一种体现波兰民族精神的风格化的舞蹈，在当时还是一个新的音乐形式。肖邦15岁时就完成了他人生中第一部玛祖卡，使用循环的方式，运用了精彩的变音阶和五度音阶的低音，独创性地进行和声处理，让和声更加具有色彩性。
肖邦的圆舞曲大部分属于大调，节奏欢快，充满激情，优雅、高贵而且活力无限，有的是将舞蹈进行了理想化的提升，如《降E大调华丽大圆舞曲》，而有的甚至不适合实际的舞蹈，如著名的《一分钟圆舞曲》，充分体现了“把握瞬间”的主题，舞曲给人的感觉就像一只小狗一直在不停地转圈追逐自己的尾巴，因此又被称为《小狗圆舞曲》。
肖邦还自己摸索创新了夜曲的钢琴演奏体裁，他的夜曲韵律变换多端，曲调优美灵活，带有美声唱法的特色，富于浪漫主义恬淡幽静的气质。他早年创作的夜曲受到英国作曲家菲尔德的影响，追求音乐风格华丽典雅，带有比较浓厚的伤感情绪。流亡巴黎后，在创作的内容上更加深刻，音乐风格更加个性断然。他的《c小调夜曲》朴实无华、庄重严肃，更加富有戏剧性，使夜曲变成一种能容纳深刻社会内容的音乐题材。
肖邦的练习曲对钢琴的弹奏技术要求非常高，较为有代表性的是C小调《革命练习曲》。《b小调练习曲》则充满阴郁激愤的情绪，既让人感觉紧张强烈，渗透宁静悲凉的气氛，形成了尖锐的戏剧性冲突。《a小调练习曲》气势磅礴，波澜壮阔，震撼人心。和以前的练习曲只为教学目的不同，他的练习曲还具有适合在音乐会上演奏的魅力。《E大调练习曲》是肖邦的作品当中广为熟知的一首名曲，倾注了对祖国的一片热忱，感情内敛深沉，曲调优美。这首练习曲又名离别曲，流传很广，还曾被改编为管弦乐曲和轻音乐。肖邦自己也曾感慨，这首歌曲的创作是可与而不可求，只怕自己今后再也创作不出来这么优美动人的曲子了。第一段风格细腻，旋律优美，如同田园牧歌。中间旋律活泼，生气勃勃，充满着生机与活力。经过各种转调，第三段又是对第一段的重复。整个曲子，洗练简达，既是可以用来练习的技术之作，又是值得欣赏的令人心醉神迷的佳品。
肖邦对于作曲是非常情绪化的，在钢琴上即兴创作时往往一气呵成，但要落笔写下曲谱的时候，往往特别费力，往往改了又改。许多已经成型的作品，肖邦每次的弹奏也都会有所不同。《c小调幻想即兴曲》是他的即兴作品当中的代表作。这首曲子内容深奥，富有幻想感觉，演奏起来难度很大。第一段要求左右手分别用不同的节奏型弹奏，达到如梦如幻的效果。第二段，旋律如歌，展现了幻想中的美好。第三段还是对第一段的重复，梦幻般奇妙的感觉一直延续着。
在肖邦众多的钢琴作品中，奏鸣曲只有3首，为数不多。但是他的奏鸣曲往往具有深刻的内涵和独具特色的艺术魅力。最突出是《降b小调钢琴奏鸣曲》的第3乐章《葬礼进行曲》，寄托着对华沙起义中为民族解放而献出生命的烈士的哀思。
肖邦的《g小调叙事曲》也是他的第一叙事曲，这是一首富有民族精神的英雄赞歌。当时还在海外流亡的肖邦，带着对祖国的深情厚爱和对民族未来的希望，创作了这样一首有着英雄主义悲壮色彩的叙事曲。开篇曲调庄严肃穆，浑厚悲壮如史诗般。深沉而忧伤的旋律不绝如缕，放佛街头的说唱艺人在清吟低诉。慢慢的，情绪变得焦躁不安，然后越来越为高涨，转向激烈澎湃。乐曲的第二主题却温和抒情，有着温柔的诗意。临近高潮部分，旋律奔流，锐不可当，如滔滔不决的洪水，又像热烈起舞的火焰，带着暴风骤雨般的激情倾泻直下，具有极强的震撼力和冲击力，体现了民族斗争的精神力量。
舒曼：诗人音乐家
国籍：德国
生卒年：1810-1856
全名：罗伯特·舒曼
职业：作曲家，音乐评论家
代表作品：《蝴蝶》、《狂欢节》、《童年情景》、《妇女的爱情和生活》、《诗人之恋》、《月夜》、《奉献》、《核桃树》
生平简介：
1810年6月8日，舒曼出生于萨克森茨维考城的一个书商家庭，父亲文化底蕴深厚，曾经翻译过司各特和拜伦的名作。母亲是外科医生的女儿。舒曼7岁便开始学习钢琴，12岁开始尝试作曲。虽然在父亲的精心培育下，舒曼的琴技已经有了显著提高，但是母亲却非常不希望他从事音乐方面的职业，对音乐从业者有着深刻的偏见。
1828年，遵从母亲的意见，舒曼进入莱比锡大学攻读法律。直到19岁起，他才有机会拜维克为师正式学习钢琴。虽然起步较晚，但是舒曼已经立志成为钢琴家。之后更受到帕格尼尼演奏的鼓舞，他便完全放弃了法律专业的学习，全身心投入到音乐学习当中。舒曼认识到自己系统学习钢琴的时间太晚，所以他付出了比别人更多的努力。每天，他都加大练习的强度和时间，甚至还专门发明了一种专门用来锻炼手指肌肉的机械。但是因为急于求成，这种机械锻炼指法的练习方法导致舒曼的手指受伤，注定无法再成为钢琴演奏家。于是舒曼只能转向作曲和音乐评论了。
1834年，舒曼在莱比锡创办了一份叫做《新音乐杂志》的音乐期刊，亲自撰写并刊发了大量音乐评论文章，宣传当时的民主进步的艺术主张，一边与当时陈腐落后的音乐思想进行着斗争，一边向读者正确地介绍古典音乐。《新音乐杂志》成为当时德国音乐艺术界进步的喉舌。这一时期，舒曼开始创作了大量的钢琴作品，其中包括在1834年至1835年间创作的钢琴杰作《狂欢节》。《狂欢节》有21个乐章，后来成为舒曼的代表作之一。
在跟随维克学习的时候，舒曼认识了维克的女儿克拉拉，两人朝夕相处，感情日渐浓厚，但是这份感情却遭到了维克的强烈发对。作为一个音乐家和父亲，他希望自己的女儿可以成为一位同样卓越的钢琴演奏家而不希望她被感情所羁绊。另外，舒曼的手指已经受伤，只能转向作曲，不可能成为演奏家了。在当时，作曲家的收入是没有保障的，如果得不到大众的认同和赏识，注定一生贫困潦倒。虽然他对舒曼一直青睐有加，视如己出，但是他却不能任由自己的女儿跟随这个年轻人共赴未知的命运。
于是，维克想尽办法要拆散两个人，他带着克拉拉离开了莱比锡，不准两人见面、通信，中止了两人所有的联系，甚至不准女儿再弹奏舒曼创作的曲子，要将舒曼从克拉拉的心底彻底赶走。他公然宣布，如果两人敢再见面，就要用手枪打死舒曼。舒曼得不到克拉拉的任何讯息，只知道某次演奏会上，克拉拉弹奏了他创作的曲目，这样一个信号，让他有了等待的希望。这段期间，他回想起两人相识时的生活片段，写下了许多音乐小品，并将其中的13首合成一集，取名为《童年情景》。《木马骑士》、《惊吓》、《捉迷藏》、《奇怪的传说》，从这些充满童稚的名字里，依稀可以看出一个活泼可爱的小女孩儿的身影，那，便是舒曼对克拉拉的最初记忆。
虽然不能成为演奏家，但是在作曲和音乐评论方面的努力，已经使舒曼小有名气。当时的欧洲，刚刚经历过启蒙运动，整个社会崇尚着自由和个性解放。维克这种粗暴干涉的做法，在音乐界相当不得人心，许多有名望的音乐家站出来对他的行为进行声讨。肖邦强烈地向维克表达了自己的不满和愤慨，李斯特是维克的好友但是也愤然表示要同他绝交。
在舆论的支持下，1840年，舒曼与克拉拉终于冲破了家庭的阻力结婚了。这一年，舒曼的感情有了结果，在创作上的也有丰硕的成果，1年时间内创作了138首歌曲，并获得耶拿大学哲学博士学位。所以，1840年又被称为舒曼的创作年。这一年里，他创作了声乐套曲《诗人之恋》。这组套曲有16首声乐作品，歌词是海涅的诗集《抒情的间奏》。这组作品艺术结构完整，音乐具有流行歌曲、民歌等多种不同的曲调，可以说是舒曼声乐作品的典型代表。
1843年，舒曼开始到莱比锡音乐学院任教。1850年，又担任了杜塞尔多夫交响乐团和合唱团指挥。
但是，因为家族性遗传，舒曼有着严重的精神问题。1854年2月的一个雨天里，舒曼一个人悄悄走到莱茵河桥上，然后迅速地跳下激流中。幸亏被人发现的及时，救了上来，但是之后的日子里，舒曼只能在精神病院度过了余生，直到1856年去世。
主要成就：
舒曼的音乐作品中，钢琴曲和歌曲的比重最大，他的钢琴作品显现了他深厚的文学功底，通常以浪漫主义诗人的诗歌为歌词内容，以充满诗意的歌词表达人物内心的反映，体现诗歌的内在意境，进一步丰富和发展了钢琴的表现手法。因此被称为“诗人音乐家”。他继承了舒伯特的浪漫主义钢琴音乐风格，通常将几首歌曲组合成套曲，作品富于幻想和抒情。
他的作品体裁丰富，其中包括了交响曲、序曲、协奏曲，弦乐、钢琴重奏曲，钢琴奏鸣曲以及歌剧等等。
他的钢琴作品集《童年情景》，通过13首短小精悍的曲子从各个侧面展现了儿童丰富的生活情景，不管是游戏场景，还是孩子神态表情或者心理动作，都是丝丝入扣，展现了生动活泼的儿童形象。但是这部作品决不仅仅是为儿童创作，更为成年人所喜爱，那是对童年时光的回忆。动人的旋律，富有情趣的描写刻画，能够让人回归自然，回归童年，触及到心底最柔软的部分，也不由地发出深深喟叹，时光一去不复返，忍不住便心生惆怅。
《童年情景》当中的13首曲子都有属于自己的标题，“奇异的故事”、“捉迷藏”、“孩子的请求”、“无比的幸福”……光是从名字当中，也能看出这些作品当中的灵动。在《木马骑士》当中，形象地描摹了儿童骑在木马上前后摇动的节奏。《捉迷藏》一曲，节奏快速，旋律闪动，表现了孩子们玩游戏时的开心快乐的情绪。其中的《梦幻曲》是令人耳熟能详的的名曲，旋律简单，主题见解，但是跌宕起伏，错落有致，婉转轻盈，如梦如幻，浪漫的幻想之中带有朦胧的美感，具有迷人的抒情风格，因此经常被改编为独奏曲，用各种乐器所演奏。
完成于1845年的《a小调钢琴协奏曲》是他的代表作之一。整部曲子主题鲜明，层次分明，分为3个乐章：第一乐章采用了奏鸣曲式，突出了感情丰富的快板，主题由a小调过渡到C大调，由压抑的情绪过渡到慷慨激昂的感情色彩上，转换鲜明，坚韧有力。第二乐章采用了间奏曲形式，突出了优雅的行板。节奏加快，感情甜美柔和，结束后直接进入到第三乐章。第三乐章依旧是奏鸣曲形式，加入了弦乐器，主题采用了舞蹈性的旋律，活泼而有气势，在华丽的高潮中结束。
《狂欢节》是一部由21首曲子组成的套曲，展现了舒曼音乐上的批判和颠覆精神。《狂欢节》借用了狂欢节化妆舞会的传统，并添加了字谜游戏。每个曲子描述了一个舞会上的人物形象，这组套曲结构自由，每个短曲都活泼生动，但是又和主题密切统一，和以往动辄架构庞大的钢琴套曲形成了截然不同的特点。音乐充满了精巧的构思，体现了作曲家艺术方面的革新精神。
《曼弗雷德》序曲是舒曼为英国诗人拜伦的诗剧《曼弗雷德》所创作的16段配乐的序曲，构思巧妙深刻，发展了较多方面的主题。引子便带来神秘的感觉，主题充满了主人公的黯然神伤。第一主题由奏鸣曲形式表现主人公的激动热烈的内心情绪，第二主题由小提琴走出，表现了温柔的感觉。人物的形象呈现交响式的发展，他忧郁的情绪、内心的矛盾，都磅礴欲出。而结尾，却以平静落幕，将引子再现。
舒曼是一位杰出的音乐评论家，他的《新音乐杂志》抨击了腐朽没落的艺术思想，宣传和推动了进步的音乐创作思想，同时扶持了当时尚未成名的一些艺术家，如肖邦、勃拉姆斯等人，为浪漫主义音乐的发展起了重要的推动作用。他的音乐论著有《论音乐与音乐家》等。
李斯特：钢琴之王
国籍：匈牙利
生卒年：1811-1886
全名：弗朗兹·李斯特
职业：作曲家，钢琴家
代表作品：《匈牙利狂想曲》、《唐·山乔》、《塔索》、《浮士德交响曲》、《但丁交响曲》、《帕格尼尼练习曲》、《西班牙狂想曲》、《梅菲斯特圆舞曲》、《爱之梦》、《安慰》，《前奏曲》、《马捷帕》、《圣伊丽莎白传奇》、《基督》、《格兰庄严弥撒》、《匈牙利加冕弥撒》、《旅行岁月》、《唐璜的回忆》
生平简介：
李斯特于1811年10月22日生于匈牙利肖普隆州的多布良（今雷丁）。当时匈牙利是奥匈帝国的一部分，李斯特的父亲是匈牙利人，给贵族家庭做管家。母亲是奥地利的日耳曼族人。李斯特6岁起，便开始跟随爱好音乐的父亲学习音乐，尤其对民间音乐十分感兴趣。9岁时，就举行了个人的公开演奏会并在演奏会上进行即席创作发挥。有一次因为表现太过优秀，有几位观众甚至慷慨地赞助给他6年的学费。于是李斯特便和父亲一同前往维也纳，拜贝多芬的学生侧尔尼为师学习钢琴，并拜访了名师学习作曲。
维也纳是音乐之都，在这里，李斯特见到了乐圣贝多芬。1822年的一次演奏会上，李斯特根据贝多芬指定的主题即席创作演奏，得到了贝多芬的极大好评。贝多芬走上台，热情的拥抱了这位后起之秀，并且轻轻亲吻了他的额头。李斯特感动不已，将这视为他音乐生涯的洗礼。
1823年，李斯特随双亲来到巴黎，本打算进入巴黎音乐院学习，但是因为他是外国人而遭到拒绝。幸运的是，李斯特得到了机会跟随当时有名的音乐家雷哈、巴埃尔学习音乐。在巴黎期间，他结识了雨果、柏辽兹等浪漫主义风格的名流，在创作风格上也受到他们的影响。他的音乐带有标题，首创了交响诗这一音乐体裁。1825年创作了歌剧《唐·山乔》，并在巴黎大剧院上演。李斯特开始在法国各地和伦敦经常举行表演，获得很高的声望。
1827年，李斯特父亲过世，为了扶养母亲，李斯特开始授课。这一时期，李斯特开始广泛结交社会名流，逐渐产生了革命倾向。1830年，小提琴家帕格尼尼在巴黎演奏，令李斯特触动很大，使他在钢琴演奏上也有想要表现的狂想曲。1835年起，一直到1847年，李斯特在维也纳等欧洲10多个国家举行演奏会，受到各国人民的热烈欢迎。特别是29岁那年，他回到了日夜思念的祖国，为自己的同胞演奏，匈牙利人民隆重热情地迎接了他。他到全国各地演奏，处处受到同胞们的热烈欢迎，使他非常感动。1842年，与瓦格纳相识，并在事业上给予瓦格纳莫大的支持。
1848年1月，李斯特到德国魏玛定居，担任了魏玛宫廷指挥，不再登台演奏，而将精力投入到作曲和音乐评论方向的事情。同年，李斯特写了第一部弥撒曲，采用了简单的伴奏，将不和谐的和声运用到圣咏风格之中，由此便产生了奇妙的效果。在这之后，创作出了著名的12篇交响诗以及《浮士德交响乐》、《但丁交响曲》等作品，并经常来往于罗马、布达佩斯之间。他凭借自身的职位，来宣传自己的音乐主张，倡导了一种既有戏剧性又有交响性的一种“未来音乐”。
1854年，李斯特把一些和他志同道合的音乐家们组织起来，建立了“新魏玛协会”。这一时期，他的音乐创作有着丰富的色彩和气势辉煌的音响效果。1861年他又进一步建立了“全德音乐家协会”，在协会的支持倡导下，他们演奏了几乎所有大师的著名作品，而且还包括他的若干首交响诗、钢琴协奏曲、交响曲等。1856年，开始创作交响诗，并根据拉马丁的一首小诗创作了《前奏曲》。1859年，辞去了指挥一职。1861年迁居罗马，开始信奉天主教。1865年，李斯特决定潜心投入到宗教事业当中，便到修道院做了修士，同年里，他创作了第三部弥撒曲《合唱弥撒》。这部作品的伴奏部分简单柔和，只是作为合唱声部的重复而出现，用古老朴素的旋律和音色结合创新的和声呈现了独特的效果。1873年又回到了魏玛。1875年他创建了布达佩斯国立音乐院并任院长。1886年7月31日李斯特因肺炎死于拜罗伊特。
主要成就：
李斯特像一位神奇的魔术师，凭借复杂而出色的技巧，充分发掘出钢琴的各种音响功能，丰富了钢琴这种乐器的表现力，甚至可以利用钢琴创造出管弦乐的效果，极大地推动了键盘音乐的发展。他创作了大量的标题交响乐，创造出交响诗这一结构自由、文学表现力强的音乐体裁，音乐中的和声语言紧紧吸引住听众的注意力。他能够敏捷地抓住瞬间的感觉，通过演奏的指尖将这种感觉传达给听众。自由转调的演奏手法使他的音乐气势恢宏，充满了华丽的风格，这也为无调性音乐的发展打下了坚实的基础，建立了浪漫主义音乐原则。因此，李斯特获得了“钢琴诗人”的美誉。
李斯特希望能在钢琴上营造出管弦乐中的气势，并希望能够借助钢琴创作表达出更深刻的音乐意境。他的音乐大多华丽、大胆，生机勃勃，感动到现场的听众的情绪。他创作了《前奏曲》、《匈牙利》等13部交响诗以及19首《匈牙利狂想曲》和12首钢琴练习曲。
李斯特的作品风格和他的演奏风格如出一辙，都是气势宏伟，富有诗意。作于1839年的《第一钢琴协奏曲》，由四个连续不间断的乐章构成。这些乐章主题之间密切联系，结构上联系紧密，但是乐章构成相当自由。这部曲子对演奏者的钢琴技巧要求相当高，要求钢琴的音乐效果可以足够压倒整支乐队。管弦乐的处理巧妙，突出它的室内乐特点。最有心思的是，这部曲子里还运用了三角铁作为乐器，因此这首协奏曲又被称为“三角体协奏曲”。
《爱之梦》是李斯特的钢琴夜曲作品，收录了3首歌，都是根据他自己的作品改编而成。其中最著名的便是第三首《爱之梦》。这首歌原来共3段，第一段和第三段有相同的曲调，柔和平静，如梦如幻。第二段则慷慨激昂，并且运用了转调的技术手法，使情感表达更加跌宕起伏，张弛有度。改编之后的钢琴小品，更加体现了李斯特的温柔抒情的性格，描绘了爱情的甜美动人。乐曲开始是一段轻柔吟唱的旋律，充满了无限的柔情和甜蜜。第二段情绪持续高涨，激情迸发，激烈高亢，是如火如荼般炽烈的爱情火焰。第三段有回到了梦幻般的主题，展现了对爱情的依恋和不舍，余音袅袅。
他的另一钢琴曲集《圣诞树》是在音乐会上比较少见的作品，但是12首作品当中，每部都代表了李斯特不同时期的音乐创作风格和所呈现的不同的精神风貌。
《匈牙利狂想曲》是李斯特杰出的代表作，是狂想曲这一音乐形式的成功典范。狂想曲是一种器乐幻想曲，乐曲有广阔宏大的气概，同时也有民族音乐的因素。李斯特的作品中充满了民族进步主义，带有鲜明的民族色彩。《匈牙利狂想曲》也不例外，这些作品以匈牙利民歌为基础，结构简洁，主题丰富，展现了质朴鲜明的音乐形象，形成了自然与艺术的完美统一。《匈牙利狂想曲》中的第二首匈牙利民间舞曲《恰尔达什》为素材，既包含了独舞的音乐，又包含了双人舞的音乐。作品形式自由，别出心裁，是较为出彩的一篇。李斯特在曲子中突出表现了钢琴的华丽效果，使钢琴的音色得到各个最完美的发挥。
李斯特在交响诗创作方面取得了巨大的成就。第八交响诗《英雄的葬礼》，寄托着李斯特对在匈牙利民族解放战争中牺牲的烈士的沉痛哀悼和深切怀念。他将1830年创作的《革命交响曲》中一些素材应用到这部作品当中。他大量使用了定音鼓和军用的各种大鼓、小鼓等打击乐器，使乐队的打击乐效果得到了加强，凸显了英雄的形象，使人听来热血沸腾，壮怀激烈。
作品先用小鼓由弱引到强，引出了管弦乐的哀鸣之声，仿佛在为无数前仆后继的英烈们悲鸣与哭泣。钟声敲响，仿佛送葬的队伍在慢慢行进，管弦乐再次发出悲鸣，高亢激昂。随着小鼓有序地滚奏，乐队慢慢出现了柔和温暖的旋律，当情绪逐渐高涨之时，戛然而止，似乎这种温情遭遇到了现实的寒冷而被粗暴地打断。这种感觉温暖从容的旋律得以再一次出现，然后表现出了勃勃的生机，好像希望的种子顽强地从逆境中抬起头，以更加柔韧更加动人的姿态展现在世人面前。音乐的节奏也在忽然之间变得急促，代表希望的力量逐渐得到了累积和壮大，慷慨的激情如火焰般喷射。乐曲在沉重迟缓的节奏中结束，如同死亡留下的回音，将哀恸深深留在了人们的心底。
李斯特的交响诗《塔索》从歌德的歌剧当中受到启发，主题音乐来自于意大利威尼斯的船歌，描述了意大利文艺复兴时期的伟大诗人塔索胜利与悲哀的两种复杂情绪。全曲采用三部曲式，运用主题和变奏的形式，插入小步舞曲，旋律优美，中间有哀伤的船歌和夜曲旋律表达杯具的感情，用钢管乐的号召传递积极向上的情绪，通过音乐中鲜明的个性和突出的对比，生动地反映了塔索生前的痛苦和死后的殊荣，从性格上刻画人物形象。
在宗教题材音乐方面，李斯特也有许多伟大的作品。音响华丽，展现了具有强烈的创新意识和时代感。其中，创作于1857-1862年间的清唱剧《圣伊丽莎白传奇》更是他伟大的宗教代表作之一。这部作品讲述了匈牙利公主圣伊丽莎白建起了济贫院，帮助贫民和病人，扶危救世的故事。民间关于圣伊丽莎白的传说很多，李斯特遵从自己的内心信仰也选择了这个故事作为创作素材。李斯特用朗诵加歌唱的曲调，构建了紧张的矛盾和冲突，实现了诗歌作品与宗教精神的完美和谐。序曲中，李斯特运用了纯净的和声来衬托宗教曲调，表现了神圣纯洁之感。
瓦格纳：歌剧奇才
国籍：德国
生卒年：1813-1883
全名：威廉·理查德·瓦格纳
职业：作曲家、剧作家、指挥家、哲学家
代表作品：《汤豪舍》、《罗恩格林》、《漂泊的荷兰人》、《浮士德序曲》、《尼伯龙根的指环》、《特里斯坦与伊索尔德》、《黎恩济》、《纽伦堡的名歌手》、《帕西法尔》
生平简介：
瓦格纳于1813年5月22日出生于德国莱比锡。出生后不久，父亲就去世了。第二年夏天母亲改嫁给一位多才多艺的戏剧演员路德维希·盖雅尔，全家迁往德累斯顿。11岁的时候，瓦格纳开始学习演奏钢琴。瓦格纳的继父在德累斯顿的一家剧院中工作。从小瓦格纳可以自由出入剧院，并经常陶醉在舞台上的戏剧表演之中。耳濡目染，竟对戏剧产生了更加浓厚的兴趣。特别是在欣赏了韦伯亲自指挥的歌剧《魔弹射手》之后，更加迷恋上了戏剧。瓦格纳14岁就写出了一部戏剧《莱巴尔德与阿德莱达》，这是一部长达五幕的大型悲剧，明显带有莎士比亚的风骨，水平之高令人惊叹。
1828年，在莱比锡布商公所的音乐会中，瓦格纳第一次听到了贝多芬的作品，立即被音乐当中那种热力四射积极向上的进步精神所打动。他感受到了音乐力量的伟大，体会到音符之中所隐藏的无穷的魅力。1829年，瓦格纳又在莱比锡剧院欣赏了贝多芬的歌剧《费德里奥》，歌剧当中那史诗般壮阔宏大的音乐，使他深深为之着迷，从此瓦格纳便以贝多芬为音乐之路上的偶像，开始了他的音乐事业。1830年，他就创作了喜悦四重奏和钢琴奏鸣曲等作品。
1831年，瓦格纳考入莱比锡大学，拜音乐家魏恩里为师，学习和声、对位等音乐知识。瓦格纳展现了惊人的学习能力，很快能够将这些理论应用于实践当中去。1832年，瓦格纳创作了《C大调交响曲》。后来这部作品得以在莱比锡上演，演出获得成功，瓦格纳开始在音乐界有了知名度。1833年，应剧院的邀请，瓦格纳担任了威尔茨堡剧院的合唱指挥。不久又先后在柯尼堡和里加歌剧院担任指挥。工作为瓦格纳提供了大量学习的机会，他接触到了更广范围的音乐及歌剧作品，并且有机会将自己的创作搬上舞台得到实践锻炼，提高了歌剧创作能力。这段时间，他创作了两部歌剧：《女奴》和《禁止恋爱》。相对于后来的那些著作来说，这两部早期的作品略嫌幼稚，但它们奠定了瓦格纳歌剧创作事业的基础。在柯尼堡剧院工作期间，瓦格纳与女歌剧家米娜·普兰纳结了婚。
1839年，瓦格纳来到了仰慕已久的欧洲文化中心巴黎。巴黎人才济济，瓦格纳没有机会让自己的作品上演，为了糊口他甚至得依靠抄谱赚钱。虽然生活贫困，瓦格纳的创作决心却没有动摇。他全力以赴地进行着创作，在巴黎停留的3年时间里，完成了《浮士德序曲》、《漂泊的荷兰人》等作品。这一时期，他结识了李斯特、柏辽兹等众多音乐家，音乐视野进一步开阔。
1842年，瓦格纳的歌剧《黎恩济》有机会在德累斯顿歌剧院上演，瓦格纳便回国进行积极地筹备。4月，《黎恩济》上演并引起了巨大的轰动，瓦格纳从此一举成名，被任命为德累斯顿剧院的指挥，他的另外两部歌剧《漂泊的荷兰人》与《汤豪舍》也得以在德累斯顿剧院上演。
1848年，瓦格纳投身德国资产阶级革命运动当中，热情讴歌了这场革命，战斗到第一线。革命失败之后，瓦格纳遭到了通缉追捕。瓦格纳开始了逃亡生活，在魏玛他得到了李斯特的帮助，凭借一份假造的护照，离开了德国。
1849年秋天，瓦格纳到达苏黎世，在朋友的救济下度日，依然坚持写作和作曲，并积极参与各项演出中的指挥。期间，也收到伦敦爱乐协会的邀请担任音乐会的指挥，但是薪水很低。1852年至1855年间，瓦格纳染上了疟疾，生魂更加困顿，可以说是贫病交加。1858年8月17日，瓦格纳与妻子移居威尼斯。1859年夏末，瓦格纳完成了《特里斯坦与伊索尔德》的全部创作，来到巴黎，努力争取回国的许可。成功得返祖国之后，瓦格纳就开始创作歌剧《纽伦堡的名歌手》，并到维也纳等大城市中指挥音乐会。1863年，瓦格纳在俄国的彼得堡和莫斯科举行音乐会，获得极大成功，并得到一笔可观的收入。
1864年5月瓦格纳结识了巴伐利亚国王路德维希二世，得到了他的赏识。在1866年，瓦格纳到瑞士创作完成了歌剧《纽伦堡的名歌手》的创作。这部歌剧于1868年6月21日在慕尼黑首演。之后，在舆论的压力下，瓦格纳便回到了瑞士。1876年，路德维希二世为挖个建造了拜雷特剧院，作为演奏瓦格纳歌剧的专门演出场地。1877年，瓦格纳开始着手创作《帕西法尔》，这是他人生当中的最后一部作品，因为疾病的困扰，这部作品直到1882年方才完成。
1881年春，瓦格纳参加《众神黄昏》的柏林公演时，突发心脏病，从此身体状况每况愈下。1882年，瓦格纳在拜雷特剧院参加了《帕西法尔》的首演，还亲自指挥了最后一场演出。这是他人生中最后一场演出。1883年2月13日，瓦格纳因心脏病复发死于威尼斯。
瓦格纳虽然去世了，但是他的音乐作品却对后世产生了很深的影响。据说希特勒也曾为他的作品而感动得流泪，只怨恨无缘得见这位上个世纪的天才。
人们在提到某位音乐家的作品时，往往会结合到本人的思想进行讨论，音乐家的思想确实会对他的创作产生重要的影响。瓦格纳青年时期的思想比较狂热激进，但是在1848年欧洲资产阶级革命失败之后，他开始接受叔本华的悲观主义以及你才的超人论等。在晚年的时候，瓦格纳甚至还接受了宗教神秘主义思想。很多人在听瓦格纳音乐的同时要提到他的思想，无可否认音乐家本身的性格与思想对其创作的作品有着很大的影响。瓦格纳的青年时期，其思想主要倾向于“德意志”，他受到费尔巴哈和巴枯宁的影响，写过许多狂热激进的文章，甚至参加过德累斯顿的革命。1848年欧洲资产阶级革命失败以后，瓦格纳逐渐接受了叔本华的悲观主义论调以及尼采的超人论等思想，50岁生日的那天，他甚至想要自杀。晚年的时候，瓦格纳也受到宗教神秘思想的影响。
由于瓦格纳存有反犹太主义的思想，以色列国内从不上演瓦格纳的作品。因为瓦格纳在政治、宗教方面的种种复杂性，也使他成为欧洲音乐史上最具争议的人物。
主要成就：
瓦格纳是音乐史上坚定的歌剧艺术改革者，为了实现自己的艺术理想，他百折不挠，以始终不渝的精神不懈地奋斗着。他既反对当时意大利歌剧中空洞的声乐技巧，也反对当时法国歌剧中表面的华丽堆砌。他的主张是，音乐应该和戏剧有机地结合在一起，歌剧应该为宣传进步的理想服务。他创建了一种新的艺术形式，叫做音乐剧。
1849年之前，瓦格纳就已经开始实践他的改革理想，从他创作的《漂泊的荷兰人》、《汤豪舍》和《罗恩格林》三部歌剧中就可以看出来。1849年以后，瓦格纳又对格局的改革从理论角度和美学角度方面进行了深入的思考，写了《艺术与革命》、《未来的艺术作品》等著作，详细阐明了自己的艺术观点和改革思想。
瓦格纳认为，音乐剧必须是一个完整的艺术作品。因为神话故事往往有发人深省的寓意，可以通过音乐来表达其引发的思想情感，所以在他看来，音乐剧的题材最好是来自于神话。音乐剧的歌曲也是应该是自由的，而不必被形式上的东西所束缚，不必限于宣叙调、咏叹调什么的“唱段”歌剧，也不拘泥于节奏，旋律要形成连续的整体，乐剧当中几乎没有分曲，剧中的感情不会冷却。
瓦格纳进行改革的重点是乐队部分，乐队在他的音乐剧当中起到支柱一样的作用，既可以体现戏剧的内容，又可以进行预示、评论，通过乐队的音响效果，可以实现将剧情和角色完美地呈现在观众面前。他扩大了歌剧中管弦乐队的编制，增强了乐队的表现力，使乐队成为表达剧情内容的得力工具。
歌剧《漂泊的荷兰人》表现了一直在海上漂泊的荷兰人的阴郁特色，和海上风暴环境的迷幻描写，偶尔还流露出一些轻松惬意的情调。序曲带有带有海洋的动机用管弦乐的声音详细生动地刻画出了暴风雨下的海洋怒浪滔天的恐怖骇人景象，使人产生身临其境的感觉，感受到自然界那种强大无所不催的力量。
除了对环境和景象的生动描写之外，瓦格纳还特别注重对人物的内心情绪的细致刻画。激怒的乐声仿佛是站在惊涛骇浪里的荷兰人的身影，听众似乎可以听到他内心的咆哮。之后是平静而略有涟漪的平和曲调，似乎是荷兰人暂时找寻的内心的平和，瓦格纳在这部作品，找回了自信，显示出了不凡的创作功力。
歌剧《汤豪舍》是德国浪漫主义歌剧走向浪漫主义乐派的巅峰之作，也格式歌剧走向音乐剧的桥梁。它取材于中世纪的德国叙事诗，采用了超自然的基本要素。故事讲述了一位歌手汤豪舍被维纳斯的爱情所迷惑，进入迷宫，然后祈求教皇赦免他的罪过。但是在1845年德累斯顿大剧院进行首演的时候，并没有得到观众的接受。大家对他的许多新的尝试都表示不理解，舒曼也说：“这里没有旋律”。直到后来，这部作品才慢慢为大家所理解和接受。
全剧展现了宗教信仰与情欲之间的斗争和矛盾，序曲当中就表现出了宗教的森严和肃穆，使人联想到唱着圣歌的朝圣者们步履平静缓和地走着。序曲中部是节奏较快的奏鸣曲，试图展现维纳斯和一众女仙们的妖媚，充满了神秘的色彩。之后，这两种主题的音乐相互交织相互伴随着，最后在朝圣者高歌“哈利路亚”之中结束，充满了神秘主义、英雄主义和宏大的场面。
《罗恩格林》是一部三幕浪漫歌剧，它进一步明确了戏剧的象征意义，将音乐与戏剧更加紧密地结合在一起，声乐部分拥有了更加自由的旋律风格，完全去除了曲式上的限制，实现了音乐是戏剧的表现手法。为了形象地塑造出主要人物的性格，充分运用了主导冬季，凭借管弦乐的技巧使作品成为有机体。瓦格纳在这部作品中使用了简洁明了的前奏曲式。
《罗恩格林》中共有3首前奏曲，第一首前奏曲描绘出格拉尔的圣域氛围，庄严、肃穆、圣洁；第二首是表现阴谋的氛围，充满了阴暗晦涩的感觉；第三首用了热闹欢乐的前奏，展现了婚礼的喜庆气氛。相同的场景由相同基调的曲调相连接，增强了主导动机的重要性，进一步丰富了音乐的含义与内容，也使整部作品具有了统一的主题。 甜美浪漫的前奏曲不禁令人对远方的格拉尔殿堂浮想联翩，连李斯特也称赞道这似乎是在：“被彩虹所照的浅蓝波涛中”。除了第一首前奏曲，这部剧还有其他著名的乐曲如《婚礼大合唱》、《报出姓名之歌》以及《和天鹅告别之歌》等。
《纽伦堡的名歌手》现在往往被简称为《名歌手》，描写了中古时代德国纽伦堡的风土人情，展现了当时的民族意识。骑士施托尔青格希望在歌唱比赛中取胜，得到进入歌唱公会的资格，并娶金匠的女儿爱娃为妻。但是天不从人愿，他的试唱没有取得成功。但是主人翁并没有气馁，他凭借一首新颖的歌曲最终打败了竞争对手，并如愿娶到爱娃。通过这一人物角色，瓦格纳表现了突破传统，渴望进步的艺术思想。瓦格纳甚至没有用到当时的流行音乐曲风，而是用喜剧的氛围来呈现现实社会和人的自然天性，清新活泼，人物具有立体感。他还采用了全音阶对位法，将大调定为基调，歌词全部用散文的形式完成，是非常具有创新意识的一种突破。
瓦格纳深受贝多芬音乐的鼓舞，在贝多芬的第九交响曲影响之下，他创作了《浮士德序曲》。这首序曲是《浮士德》当中的第一部。本来瓦格纳想将它呈现为交响曲的形式，但是结果却成为了短小精悍的序曲曲式。虽然篇幅短小，但是主题不断变化交织在一起，充满了变形的色彩，上下滑动的小提琴音型，短促的跳跃节奏，衍生出激动的情感。
序曲部分开始的主题呈现出低音，缓慢沉重，之后走向高音，旋律略带伤感。音乐主题接着变形，形成了具有新的感情色彩的第三主题，上下滑动的小提琴音型创作出激动饱满的感情情绪，在喧闹的鼓声之中，序曲结束。在奏鸣曲式中，音乐主题也在不断的变化之中，情感呈现激烈状况，跳跃的断奏产生了戏剧般的效果。
《黎恩济》是瓦格纳的第三部歌剧作品，这时候他的创作风格已经成熟，作品具有丰富而强烈的戏剧感染力，舞台效果华丽绚烂。故事讲述的是14世纪中叶的一个悲剧。罗马的护民官黎恩济带领罗马市民反抗贵族们的残暴统治，谋求自由，但由于误会却被市民们杀死，没有了领头人，罗马市民们谋求自由的行为也随之失败。在音乐方面，瓦格纳为迎合法国观众的审美需要，强调了绚丽的效果，用了强烈复杂的管弦乐，呈现给人们充满新意的旋律和精巧的合奏，使整部作品带有戏剧般强有力的魅力。
《帕西法尔》是瓦格纳的最后一部作品，剧情充满了传说的色彩，音乐庄严肃穆又不失华丽，展现了瓦格纳娴熟的音乐技法。管弦乐的编制浩大，半音阶和全音阶的转化手法巧妙而独特，因此不仅没有产生混乱的感觉反而会有精细巧妙的音响效果，充分发挥了各种乐器的特色，并且将这种特色完美地结合到一起，突出了不同主题的感觉，沉重的，轻灵的，壮丽的，合唱和各种管弦乐之间的搭配所产生的美感，已经超过了其他作品的成就。
威尔第：意大利革命的音乐大师
国籍：意大利
生卒年：1813-1901
全名：居塞比·威尔第
职业：作曲家
代表作品：《茶花女》、《奥赛罗》、《弄臣》、《唱游诗人》、《命运的力量》、《纳布果》、《阿依达》、《伦巴底人》、《厄尔南尼》、《阿尔济拉》、《列尼亚诺战役》
生平简介：
1813，威尔第出生于意大利帕尔马的隆高勒。他的父亲是旅店的老板，也是位杂货商。因为家境贫寒，父亲便让他去布塞托一个鞋匠巴霍·兹家里居住。在那里，威尔第受到了全城最好的音乐教育，他开始学习管风琴，并到镇上管弦乐团工作。1832年，威尔第想要进入米兰音乐学院学习时，却遭到了学院的拒绝。关于被拒的原因，可谓众说纷纭，有人说，原因无他，只是因为他的年龄已经超过了14岁。也有人说，因为威尔第穿着简朴，一身农民打扮，使米兰音乐学院给他的通知上写到他不具备音乐才能……无论哪一种原因，对于苦心向学的威尔第来说，这种结果似乎都太过残忍。好在威尔第没有轻言放弃，而是开始积极跟随歌剧院的乐师学习对位法，并着手写他的第一部歌剧《贝尔托》。这部歌剧问世之后，马上获得了极大的成功，威尔第开始闻名于世。
1836年，威尔第与与巴霍·兹的女儿结婚了，婚后两人有了两个孩子，但是不幸的是，这两个孩子都过早地夭折了。1840年，妻子也因为瘟疫而不幸去世，他呕心沥血创作的《一日国王》也遭遇到了失败，这些给威尔第带来了沉重的打击。但是他还是凭着坚强的毅力接受了生活带给他的一切不幸。1842年，他创作出了歌剧《纳布果》。这部剧在米兰史卡拉歌剧院上演，大获成功，为他赢得了空前的盛誉。从此威尔第一跃成为意大利知名的作曲家。
音乐家的性格当中或多或少都有一种执拗倔强，这种脾气让他们有自己的坚持和想法，保留了他们与众不同的气质，也往往使他们的作品得以脱颖而出。但是像威尔第那样执拗孤僻的人，在音乐家中还是少见的。或许是因为过早地承受了生活中的太多打击，30岁的威尔弟一直保留着冷傲孤僻、执拗倔强的性格，他不爱说话，甚至不爱同别人打交道。生平唯一的爱好，只有一件，就是“歌剧”。成名之后，他依然保持着旺盛的创作激情，但是他却将之称为“服苦役的年代”。慢慢地，他进入到创作的高峰期，1847年的《麦克白》成为他创作风格的转折点，他开始通过音乐来反映人物心理深处的表现。接下来的3部歌剧《弄臣》、《唱游诗人》与《茶花女》，奠定了他在意大利歌剧界的大师地位。
8年的时间里，威尔第创作了12部歌剧。如此快节奏和高强度的创作生涯对任何一位作曲家来说都是难以承受的，所以在一段时间之后，威尔第的创作能力似乎也大不如从前，颇有些江郎才尽的感觉。1861年，威尔弟受到彼得堡皇家剧院经理的邀请，要他专门为俄罗斯帝国首都写一部歌剧。他创作的歌剧《命运的力量》于1862年在彼得堡上演，但是这部歌剧可能比起他的之前的声名来，就有些逊色了。1866年，威尔第和第二任妻子朱塞平娜来到巴黎，开始歌剧《堂卡洛斯》的创作。1867年，这部歌剧进行了首演，法国皇帝拿破仑三世和宫廷人员都出席了这次首演，但是演出的过程当中，气氛十分冷淡。
1870年，威尔第受邀为歌剧《阿依达》作曲。他以惊人的速度完成了歌剧《阿依达》，而恰在此时，普法战争爆发。虽然歌剧完稿，但是由于战争的限制，服装、背景、舞台道具等设备都不能准备齐全，歌剧不能及时上演。对威尔第来说，不能在舞台上同观众见面的歌剧就是没有诞生的歌剧，他痛苦极了。虽然在1871年，《阿依达》在开罗得到了首演的机会，但是那时候作曲家的热情已经被冲淡了，他对这次首演没有太关心。当首演取得成功之后，他也没有表现出激动的情绪。《阿依达》表达了作曲家对流逝的青春岁月的追忆，成为威尔第生命中不可多得的佳作。
晚年的时候，威尔第对莎士比亚的著作《奥赛罗》产生了莫大的兴趣，他对这个故事心醉神迷，渴望着将这部作品用自己的力量改写成歌剧，期待有一天能够让它在舞台上同观众见面。于是从1879年开始，威尔第开始了长途跋涉般的创作历程。最终1887年，《奥赛罗》在斯卡拉剧院正式上演，得到了观众们的巨大欢迎，反响强烈。
《福尔斯塔夫》是他创作的第二部喜歌剧。在创作的时候，威尔第似乎从这部作品当中又找回了年轻时的激情，短短的时间里便写出了3个本的曲谱。《福尔斯塔夫》也是威尔弟创作的最后一部歌剧。虽然创作的时间极为短暂，但是这部作品仍然不失为一部标准意义上的杰作。
1897年11月14日，威尔第的第二位夫人朱塞平娜也去世了，80高龄的威尔第衰老而孤寂，生命的力量在他的体内一点一滴流逝，余下的人生里除了等待，便只有回忆。1901年1月27日的凌晨，这位老人也终于走完了他的人生，临死的时候，他没有认出身旁的任何人。生前的成就赢得了去世后的尊荣，为了不惊扰这位老人，市政府下发了命令，在路上铺上秸秆，以免过往的车辆发出噪音。1901年2月，威尔第的骨灰移至由他自己出资建造的养老院的小教堂里。
主要成就：
威尔第所处的时代，意大利正处于反抗奥地利统治的革命浪潮之中，威尔第创作了一系列歌剧作品以及革命歌曲等鼓舞人民的斗争意志，因此又有“意大利革命的音乐大师”的称号。威尔第一生创作了20多部歌剧，在他的作品里你可以感受到意大利的民间音调和效果丰富的管弦乐，他的作品往往通过绘声绘色地描写刻画人物的性格和内心世界，具有强烈感人的力量。
他的歌剧《弄臣》根据雨果的讽刺戏剧《国王寻欢作乐》改编。故事讲述了面貌丑陋驼背弯腰的宫廷弄臣里戈莱托欺人和被人欺的故事。里戈莱托经常给公爵曼图亚出谋划策，帮他勾引他人妻女，惹起了众怒，于是对他展开报复，让他不自觉地诱拐了自己的女儿吉尔达。里戈莱托发现情况之后，雇佣了刺客前去刺杀公爵，结果却不曾想女儿成了替死鬼。作曲家十分重视歌剧的戏剧成分，通过音乐将剧中人物的感情变化和人物性格表现得淋漓尽致。
这部作品里，威尔第写了一首很短的前奏曲，用冰冷的铜管音色奠定了全剧的悲剧气氛。用玩世不恭的曲调来凸显公爵高傲轻浮的性格特征，用美丽动人的咏叹调反映了少女对爱情的向往。一方面，弄臣是个可笑的小丑模样，而另一方面，在女儿面前，他又是一个慈父的形象。在他和女儿交谈的场景时，作曲家为这个温馨的场景设计了一段感人的二重唱，表现了父女之间的深厚感情。这时候的主人公弄臣和宫廷里的形象判若两人。
第四幕中，威尔第为公爵的角色创造了一首轻松活泼的抒情歌《女人爱变卦》，可以说是对这位情场浪子的最佳写照。据说当时威尔第为了防止这首歌在首演之前外泄，在最后一次排练时才拿出曲谱。演出时这首歌大受欢迎，被反复要求“再来一次”，很快流行了起来。
全剧的乐曲摇曳生姿，展现了神秘、宿命的悲凉，如同悠远的梦境。精彩的旋律搭配了小丑式的任务，成为了作品的主导，也是威尔第的精彩所在。
完成于1887年的四幕歌剧《奥赛罗》是威尔第在搁笔10年后创作的一部天才之作。作品的脚本根据莎士比亚的著名悲剧写成。这部歌剧当中，威尔第以丰富饱满的音乐形象再现了莎士比亚原著里壮丽动人的故事，歌剧运用了他一向精炼的手法，并吸取了瓦格纳“音乐剧”的独特创作手法，强调发挥了乐队的表现功能，将各种乐器音色高低明暗、轻重缓急应用得恰到好处，又丝毫没有影响歌声的清晰程度。
整部作品的旋律深刻又富有感情，和声巧妙更有号召力和亲和力。总之，这部作品对歌唱表演者的演唱功力、演技和整个乐队的团结协作能力要求非常高，因此被认为是“最难表演的歌剧”之一。威尔第通过音乐对人物性格的描写刻画十分到位，在第三幕和第四幕当中分别用两场咏叹调将奥赛罗多疑的性格和英雄气概详细地描绘出来。
歌剧《茶花女》创作于1853年，是根据法国作家小仲马的小说《茶花女》改编而成的。《茶花女》集中了威尔第中期作品的特点，用细腻的音乐生活刻画人物的内心情感，并借助音乐的力量展现了悲剧的主题，让人感动不已。歌剧通过女主人公薇奥列塔的人生悲剧，鞭笞和揭露了上流社会的虚伪腐朽的道德观，因此最初在歌剧舞台上上演时，引起了人们的谩骂与职责，导致失败。但是经过了时间的洗礼和历练，这部作品日久弥新，最终成为世界歌剧界的知名剧目。其中第一幕的歌曲《饮酒歌》轻松优雅，热烈活泼，成为流传甚广的曲目。
小约翰·施特劳斯：圆舞曲之王
国籍：奥地利
生卒年：1825-1899
全名：小约翰·施特劳斯
职业：作曲家，指挥家，小提琴家
代表作品：《蓝色多瑙河》、《春之声》、《安娜波尔卡》、《维亚纳森林的故事》、《艺术家的生活》、《蝙蝠》、《罗马狂欢节》、《阿里巴巴与四十大盗》、《吉卜赛男爵》
生平简介：
小约翰·施特劳斯，是著名音乐家老约翰·施特劳斯的儿子。有着和父亲一样的名字，有着和父亲一样的知名度，在音乐成就上甚至超过了父亲。1825年10月25日，小约翰·施特劳斯降生在维也纳的音乐世家施特劳斯家族里。这个家族出现了为数不少的著名音乐家。而其中，小约翰·施特劳斯的成就却是整个家族中最大的。
虽然出生于音乐家庭，但是奇怪的是他的父亲老约翰·施特劳斯却并不希望儿子也成为音乐家，相反倒是希望他成为一个银行家。这是因为老约翰·施特劳斯深知音乐之路坎坷多艰，不希望儿子再受到和自己一样的辛苦。小约翰·施特劳斯6岁的时候，便勾画出了自己的圆舞曲的旋律，与生俱来的音乐天赋，让小约翰·施特劳斯不忍轻易放弃音乐的修行，从很小的时候，他就开始偷学小提琴，却不小心被父亲发现并毒打了一番。虽然如此，小约翰·施特劳斯依旧坚持了下来，他的学艺之路走得分外艰难。
直到17岁那年，老约翰·施特劳斯与他的情人离家出走。对一般的家庭来说，这算不上什么好消息，但是对小约翰来说，可以算是长舒了一口气，他终于可以摆脱父亲的控制，全心投入到自己所热爱的行业当中。他向私人音乐教师阿希姆·霍夫曼和指挥家约瑟夫·德雷施勒学习对位与和声，同时还向芭蕾舞教师安东·科尔曼学习小提琴。孜孜不倦的学习得到了回报，各位老师都给予小约翰非常高的评价，他也因此得到了公开演出的“通行证”。为了实现自己的演出梦想，他甚至到当地的酒馆招募自己乐队的乐手。但是在父亲的故意干扰和阻挠下，没有一家剧院或者舞厅让他演出，小约翰只好到露天花园举行了他的音乐会。
得知这个消息之后，父亲老约翰似乎专门要和儿子打擂台，宣布在同天晚上自己也要举办一次演出，要和儿子一争高下。事情的结果出人意料，虽然老约翰声名在外，知名度和资历远远胜过初出茅庐的小约翰，但是显然，观众似乎更买年轻表演家的账。于是，在父与子的斗争中，老约翰第一次尝到了失败的滋味。在音乐会上，小约翰在观众的掌声与喝彩声中，表演了父亲的一首名曲，这是对作为前辈和父亲的致礼，在这美妙与精湛的表演当中，观众被感动了。
1844年，19岁的小约翰开始带着自己的乐队到各地去演出，乐队演奏的曲目当中，既有他自己本人的创作，也有父亲的知名作品，所到之处，都受到了当地观众热烈的欢迎。小约翰作为音乐界冉冉升起的新星，光芒越发耀眼。
1848年3月，维也纳爆发了起义革命。这次革命甚至再一次影响到了约翰家族的父子关系，老约翰因为过去经常在宫廷演出而站到了保皇党一面，他为军队写了轻松的《拉德茨基进行曲》；小约翰则同情和支持自己的朋友，希望实行宪政，因此站到了起义军一面，创作了有革命意味的《自由之歌》、《革命进行曲》等作品。虽然维也纳革命失败了，但是小约翰的知名度却大大提高，而老约翰却如江河日下，逐渐走向颓势。
1849年，老约翰因为一场猩红热而辞世，这场音乐世家父子两代人的恩怨终于落下了帷幕。送葬的队伍格外地声势浩大，维也纳市民们自发前来，缅怀这位曾经也心怀梦想对音乐有着无限追求与渴望的艺术家。不知道那天，小约翰在想些什么呢？历尽艰辛的音乐家很多，但是和他们不同，小约翰的音乐之路最大的阻力不是来自于经济上的困窘，不是来自于他人的腹诽嘲讽，而是自己的父亲，自己那业已成名多时的身为音乐家的父亲。这场父子之争持续了小约翰近一生的时间。不知在老约翰临终之时，他是不是也略微心生悔意，是不是也在悄悄替儿子的成就而骄傲呢？
1855年起，小约翰开始担任圣彼得堡夏季音乐会的指挥，这一职位他担任了10年，直到1865年结束。1862年，小施特劳斯与歌唱家吉蒂结成夫妻。吉蒂有着丰厚的财产，小约翰可以不必依靠演出来赚钱，得以将全部精力投入到作曲当中。这一时期，小约翰创作了圆舞曲的代表作《蓝色多瑙河》。起初，他将蓝色多瑙河设计为一首男声合唱曲的序奏。但是这首名作刚问世的时候，并没有得到认同，反而被认为是失败。直到后来，小约翰应邀到巴黎参加国际博览会，才想起了这首曲子，将它改编为管弦乐曲，结果在博览会上演出后，获得了全场的欢呼喝彩。1863-1870年，小约翰担任了皇室宫廷舞会指挥，后来开始进行轻歌剧的创作。
1872年，小约翰在美国波士顿进行了14场演出。在美国期间，小约翰指挥着规模庞大的巨型乐团，得到了美国人民的热爱。很多贵妇将他当做偶像来崇拜，甚至索取他的头发来收藏。他的仆人总是来者不拒地向每个人送上几根毛发。在离开美国的时候，人们惊奇地发现，小约翰的发量似乎没怎么减少，但是他身边的那条纽芬兰狗，身上的毛已经秃了。
事业如日中天的小约翰，在感情生活上逐渐出现了问题。1877年，他的妻子吉蒂被人杀死在家中。不久之后，小约翰再婚了，新娘是一位年轻的姑娘。年龄上的差异使两个人矛盾重重，最终这一任妻子也离开了他。1883年，58岁的小约翰再次走进了婚姻的殿堂，这一次的新娘是一位更加年轻的姑娘，21岁的阿黛尔。两人相濡以沫，在阿黛尔的照顾之下，小约翰保持着旺盛的精力继续进行着音乐创作。
1889年，小约翰多了一位邻居，他就是同为音乐家的勃拉姆斯。两个人的住所只有一墙之隔，于是他们常常一起散步，聊天。1893年，小约翰还将自己的作品《拥抱起来，亿万人民》圆舞曲送给了献给了勃拉姆斯。这首曲子的题目来自于德国诗人席勒的《欢乐颂》。
1899年5月，奥地利传统的圣母升天节当天，演出了小约翰的歌剧代表作《蝙蝠》的演出。74岁的小约翰·施特劳斯指挥了歌剧的序曲，这是他最后一次登上舞台。同年6月3日，小约翰·施特劳斯离开了人世。
主要成就：
小约翰·施特劳斯的名字和圆舞曲密不可分，他为圆舞曲的流行做出了不可估量的贡献。最初的华尔兹是流行于民间的舞曲形式，难登大雅之堂，但是在他的推动下，这种舞曲成为了哈布斯堡宫廷中的高雅乐曲，因此被成为“圆舞曲之王”。他的作品不只限于圆舞曲，还有一些波尔卡和进行曲、轻歌剧等也很受欢迎。
小约翰作有500余首作品，主要是生活舞蹈性音乐，包括圆舞曲、波尔卡舞曲、进行曲及一些轻歌剧等。他的创作核心是圆舞曲，完成了这种源自连德勒舞曲的奥地利民间舞蹈曲体的深化和发展过程，从而使它具有真正艺术的特点。施待劳斯的圆舞曲以民间舞曲的节奏和其它表现手法为依据，民间色彩深厚，形象鲜明、旋律丰富，音乐语言真挚而自然。他曾戏言其笔下的旋律就好象水龙头里的水那样滔滔不绝地流出，他常常早晨作曲，下午分发乐队练习，晚上演出；加之某些商业的原因，他的作品并非首首都有是珍品。
他的圆舞曲独具特色，旋律动听，节奏明快，生机盎然，格调轻松，具有浓厚的民间色彩和丰富的旋律。施特劳斯访美演出后感到了轻音乐和舞蹈音乐的局限性，转而创作了16部轻歌剧、一部歌剧和一部芭蕾舞剧。他的轻歌剧虽是继奥芬巴赫后出现的新成就，但没有达到前者的水平。
其创作以《蓝色多瑙河》《维也纳森林的故事》《艺术家的生活》《春之声》和《安娜波尔卡》等120余首维也纳圆舞曲著称，被后人冠以“圆舞曲之王”的头衔。他曾带领乐队访问欧洲各国，使维也纳圆舞曲风靡全欧洲。他的圆舞曲独具特色，旋律酣畅，柔美动听，节奏自由，生机盎然，是每年维也纳新年音乐会的主要曲目。他还作有《雷鸣电闪波尔卡》等120多首源自捷克的波尔卡舞曲及几十首其他舞曲。1870年起创作了《蝙蝠》《罗马狂欢节》《阿里巴巴与四十大盗》《吉卜赛男爵》等16部轻歌剧，对于欧洲轻歌剧的发展有着相当深远的影响。
他的作品《蓝色多瑙河》享誉全球，甚至被称为“奥地利第二国歌”，本来是为了男生合唱而作，后来改编成为管弦乐曲。通篇采用三拍子的圆舞曲节奏，旋律优美动听，节奏明快，格调高雅。整部曲子的结构包括序奏、五段圆舞曲和尾声。序奏用小提琴走出缓慢的颤音，使人感受到多瑙河的水波粼粼。然后，象征着黎明的圆号的高昂的声音进入，使整个乐曲变得活泼而轻盈。
第一圆舞曲描绘出了多瑙河畔人们翩迁起舞的景象，旋律抒情动人，明朗欢心，同时又轻松明快的情绪，呈现出一派春天到来生机勃勃的气息。第二圆舞曲，用递进的方式，将活泼跳跃的旋律向深层次推进，使人感受到爽朗清新的情绪，然后突然转调，委婉动人，和前部分形成了对比，充满了变化的色彩。第三圆舞曲，在典雅庄重的主题中又有流动的特质，富有动感，很容易令人联想到舞蹈的场面，倍感亲切。第四圆舞曲当中，既有富有歌唱性的优美仙侣，又有热情奔放的舞蹈节奏，热烈而活泼。第五圆舞曲的旋律跌宕起伏，由柔美过度到热烈欢腾，最终达到了高潮，那充满了起伏、波浪般动感的旋律如多瑙河湖水，浸渍了心田。
圆舞曲《春之声》是小约翰的即兴作品，相传他仅用了一个晚上就创作完成了。虽然作曲家当时已经年近六旬，但这首曲子却充满了年轻的活力。百余年来，深受人们的喜爱，有着经久不衰的魅力。《春之声》也是一首圆舞曲，但是和小约翰的其他圆舞曲不同，更加具有回旋曲的特征，它的节奏更加自由，变化多端，生动的旋律富有连贯的美感。与其用来做伴舞的背景音乐，不如拿来当做欣赏用的作品更好。
整部乐曲没有序奏，但通过各个主题的依次出现，生动地描画出一幅春回大地，春意盎然的景象。第一主题运用了明显的装饰音效果，极其富有色彩，给观众带来耳目一新的感觉。第二主题进入时，曲调趋向平和，但是依然保持了油墨画般的生动色彩。第三主题融入了春水般源源不绝的竖琴声，舒缓流畅，惬意非常。第四主题带有明显的跃动之感，在大音程之间的游移，绽放出无限的活力。进入到第五和第六主题时，音乐似乎惹来一丝阴霾，充满了一些略带阴沉的气息。这种阴郁的气质在第七主题出现时又化为乌有，重新呈现出春日里生机勃勃的感觉。结尾干净利落，基本上重现了第一主题，并适当地加以变化，整个曲子便这样走向了结束。
在小约翰的成长经历中，父亲充当了反面角色，总是对他的音乐学习横加指责，百般阻拦。唯有母亲，始终站在他这一边，支持他鼓励他勇敢地进行着所热爱的音乐之路。从内心深处，小约翰对母亲充满了深深的感激之情。1852年，他专门写下了一首优雅华丽的舞曲《安娜波尔卡》，深深地表达了他对母亲那份浓浓的爱。在乐曲的开始，由一个四小节的引子引出主题，节奏缓缓加快，到了最后，形成节奏强力动感十足的感觉，乐音明丽，质朴之中流露出轻松活泼。可以让人体会到，在母亲的呵护之下，他的心情是如何飞扬、放松、自在而欢乐的。
《艺术家的生活》也是一首非常著名的圆舞曲，整个曲子的风格轻松活泼彰显了活力，几乎可以看作是对艺术家真实生活的再现，完全是小约翰本人真实生活的写照。乐曲全篇由序奏、6个带有不同的感情色彩的主题和尾声构成。
第一个主题是平静舒缓带有抒情性质的旋律，表现了艺术家们既有对生活的无限热爱也有对工作的热情。第二主题十分短暂，旋律流畅而且活泼生动，充满了乐观和积极向上的态度。第三主题轻松亲切，也是对幸福生活的追求。第四主题是对艺术家们在夜晚生活当中的情景进行描绘，走向了深沉，在幽静之中略带有感伤，和之前的感情基调形成了比较鲜明的对比，并且在管弦乐的表演强度上也显著增强。第五主题出现时，似乎展现了一派田园风光，小提琴和短笛的声音轻松地律动，激发了人们的想象力。第六主题将这种感觉延续了下去，再次走向了舒缓，乐队的声音更加轻柔，闪现着第三和第四主题，最终达到了喧腾热闹的结束部分。
勃拉姆斯：最纯正的浪漫主义作曲家
国籍：德国
生卒年：1833-1897
全名：约翰奈斯·勃拉姆斯
职业：作曲家
代表作品：《德意志安魂曲》、《里纳尔多》、《狂想曲》、《命运之歌》、《胜利之歌》、《摇篮曲》、《圣安东尼众赞歌主题变奏曲》、《学院节庆序曲》、《悲剧序曲》、《D大调小提琴协奏曲》
生平简介：
一天，音乐大师舒曼在莱茵河畔杜塞道夫的家门被轻轻敲开，来访者是一位20岁的腼腆的年轻人。一曲演奏完毕，舒曼不禁大赞“天才！”这位被舒曼称为天才的年轻人，就是后来与巴赫齐名的音乐家勃拉姆斯。
勃拉姆斯没有拜师学艺，他的音乐成就大部分是靠自己的努力完成的。1833年，勃拉姆斯诞生在德国汉堡。父亲是个乐手，会吹奏小号。母亲是个裁缝，随着家里3个孩子的出世，生活越来越艰难。勃拉姆斯在童年时期就习惯了父母的争吵和贫穷的生活。年幼的勃拉姆斯常常在酒吧等各种娱乐场所之间奔波赶场演出，15岁就举行了个人音乐会。这一时期，他写下了不少沙龙音乐作品。
20岁的勃拉姆斯，曾经尝试着用半低音钢琴将贝多芬的协奏曲提高了半个音来演奏。这次精彩的移调尝试引起了年轻音乐家约阿希姆的兴趣。约阿希姆是哈诺瓦管弦乐队的首席乐手，只有21岁。两个年轻人年龄相仿，志趣相投，很快变成了好朋友。勃拉姆斯为约阿希姆创作了一生当中唯一的一首小提琴协奏曲，以酬知音。在约阿希姆看来，勃拉姆斯的音乐才华如同“宝石一样纯净，雪一般柔润”，这样的才华不容埋没，便积极地为他写了推荐信，并将他推荐到李斯特门下。但是对勃拉姆斯来说，李斯特的音乐风格太过花里胡哨，他从内心里对之深深反感。
于是，他怀揣着推荐信，登门拜访了舒曼夫妇。舒曼对勃拉姆斯的才能极为赏识，怀着一颗惜才爱才的心，他拿起了10年都没有拿起过的笔，在他一手创办的《新音乐杂志》上写下了音乐评论《新的道路》。这篇著名的音乐评论成为他一生中最后一篇乐评，文章中，舒曼不吝给予勃拉姆斯最高的评价，称他为“有重要意义的后起之秀”，就这样，年轻的勃拉姆斯被推向了乐坛，为人所知。舒曼还主动帮助勃拉姆斯找到出版商出版了他先前的一些作品。在舒曼的家里，勃拉姆斯受到了舒曼和舒曼夫人克拉拉热情的款待，因此他对舒曼夫妇除了音乐造诣上非常佩服之外，也深深地感动于他们的知遇之恩。
1854年，舒曼出现了神经虚脱症状。他的父亲就是死于精神疾病，这种遗传病症给舒曼带来了很大的困扰。在病症的折磨下，舒曼独自一个人跑到了莱茵桥上一下子跳下河，幸好被人及时发现并救了上来。但是从此之后，舒曼就被送入了疯人院。当时勃拉姆斯在汉诺瓦听到了这个消息，便急忙赶到克拉拉那里，给她帮助和支持。为了维持家计，克拉拉不得不外出进行各种演奏。在克拉拉外出演出的时候，勃拉姆斯便主动帮助她照顾孩子，代替她照顾在疯人院养病的舒曼，并将舒曼的近况写在信纸上寄给克拉拉。闲暇的时候，勃拉姆斯便弹奏自己创作作品给克拉拉听，咨询她的意见，缓解她的情绪，陪伴安慰着她。
克拉拉从小出身于音乐世家，高贵优雅、美丽知性，在音乐方面更是有着难以掩饰的才华。她周身都散发着独特的魅力与光芒。随着时间的流逝，勃拉姆斯对她的倾慕之情也与日剧增。虽然克拉拉比他要年长14岁，虽然她还是7个孩子的母亲，但是这些都没有降低她的魅力。生活的磨砺让她变得更加坚强和勇敢。两年的时间里，勃拉姆斯始终在克拉拉最为需要的时间里出现，在克拉拉去外地疗养的时候，正在旅行的勃拉姆斯听说了这个消息立刻前去陪伴她。在克拉拉去荷兰旅行演出时，勃拉姆斯甚至不仅倾尽所有赶去鹿特丹。所有人都能感受到勃拉姆斯对于克拉拉那超乎寻常的感情，但是勃拉姆斯却将这份感情深深地埋在心底，从未说起。
1856年，舒曼在疯人院中去世了。关于勃拉姆斯和克拉拉之间的流言蜚语愈发疯狂，造谣重伤的言语愈演愈烈。但是在这时，勃拉姆斯却做出了一个让所有人都意外的决定。他，选择了离开。在闲言碎语面前，勃拉姆斯没有害怕，但是面对克拉拉时，他感受到了她心底对舒曼的深情厚谊，那份感情是别人永远代替不了的。更何况，克拉拉是他的师母，是他的恩人，这种恋情是道德所不容许的，他的理智克制了激情。于是，他走了，但却没有放下。
他默默地资助着克拉拉的演奏事业，他为她写了无数封情书却没有寄出过一封。他默默地关注着她，在有生之年两人却从来未曾再见过一次面。他写好的每一份乐曲手稿都会寄给她，却从来没有去打破她生活中的那份平静。他一生没有结婚，将全部精力投入在音乐当中。在离开克拉拉后，他开始创作《C小调钢琴四重奏》，历时20年，期间反复修改。这部作品承载着他对爱情的全部纪念和珍贵回忆。
时光飞逝，转眼之间到了1896年。已经63岁的勃拉姆斯形色匆匆地登上了一列火车，他要奔赴法兰克福参加一位故友的葬礼。但是天意弄人，他踏上了一列开往相反方向的列车，离他的目的地、离他想要见的人，愈来愈远。当勃拉姆斯赶到法兰克福时，葬礼早已经结束。他甚至不能送克拉拉最后一程。在克拉拉的墓前，他静静地拉起小提琴，像每场演出一样地投入地演奏着，只是这一次，不会有掌声，听众唯有墓里的她。不知道那时的勃拉姆斯心中有没有哭泣，空旷的天地间只有小提琴声倾诉着这份跨越40年的爱恋。
主要成就：
勃拉姆斯的生平并不引人瞩目，但是他在音乐上的艺术成就却让人仰视。
他的作品中鲜明地保留了德奥古典音乐传统，并集合欧洲各民主音乐的精华，可以算是19世纪浪漫主义乐派的复古者。他的作品往往既有严谨的结构，又充满了饱满的情感思想。
虽然勃拉姆斯的交响曲作品只有4首，但是却被誉为贝多芬之后最伟大的交响曲作家。他继承了贝多芬交响乐的恢弘气势，在交响曲的创作当中，还采用了复调技术。他的《第一交响曲》尤为突出，甚至有人将其称之为贝多芬的《第十交响曲》。乐曲之中包含了喜怒哀乐各种复杂的情感，表现出了时代的风貌。在最后一个乐章当中，勃拉姆斯引用了贝多芬的《第九交响曲》。勃拉姆斯的创作总是抱着严谨务实的态度，尤其在交响曲的创作方面更是一丝不苟，认真准备。这一部交响曲从开始创作到完成，用21年的时间。
1879年，勃拉姆斯获得了德国布雷斯劳大学名誉博士的称号。同年，他最疼爱的教子——舒曼与克拉拉夫妇最小的一个孩子费利斯，去世了。经历了悲喜两重天的境界，从天堂到地狱，勃拉姆斯对人生的悲喜有了更深层次的感悟。他创作了音乐情绪高低起伏变化迅速的《g小调狂想曲》，将快乐与悲伤的情绪进行了强烈的对比和迅速地转换。让观众在音乐陡然的大起大落中，感受着勃拉姆斯矛盾的心境。乐曲的呈现不放在黯淡的g小调上，更加适宜宣泄内心的悲喜交加。流畅的曲调，优美的音调，让人心旷神怡。鲜明的节奏，简洁的旋律，使音乐整体拥有强烈的感染力。
勃拉姆斯的《D大调小提琴协奏曲》被认为是音乐史上最伟大的小提琴协奏曲之一。乐曲带有浓厚的民间田园风格，不论技巧还是曲风都有十足的贝多芬遗风。在这部作品中，勃拉姆斯在曲式上进行了大胆的创新。第一、三乐章奔放有力，粗犷有劲，震撼人心，带有浓厚的交响曲特性。第二乐章由管弦乐器缓慢展开，透露出荒凉的气息。勃拉姆斯在安详沉稳与热情激昂之间实现了完美的结合，达到了平衡。
《匈牙利舞曲集》是勃拉姆斯所创作的广为世人所知的乐曲集。这一系列乐曲，于1852年开始创作，1869年开始出版。在维也纳，勃拉姆斯见到了当地的吉普赛音乐并对之产生了浓厚的兴趣，记录了许多相关音乐的旋律。《匈牙利舞曲集》大部分由吉普赛音乐改编整理完成，体现了匈牙利民族音乐与吉普赛音乐的结合。曲集中的21首曲子，全部是“四手联合弹奏”的钢琴短曲。节奏变换自由，旋律当中有丰富的装饰音，带有即兴发挥的感觉。勃拉姆斯的匈牙利舞曲质量都很优秀。
勃拉姆斯的代表作《德意志安魂曲》开创了安魂曲音乐的一个新的境界，更加富于人性。勃拉姆斯虔诚地信仰信教，这首安魂曲的唱词采用德语，是他从《圣经》当中精心摘录选编而成的，整部作品浑然天成，不落痕迹。音乐在哀伤、哀悼之间有一种超然的从容与淡然，使人对信仰、生死得到更高程度的认识——因为有信仰的存在，生死之间便没有了难以逾越的鸿沟，灵魂得到永生，希望与信念仍将继续。能够毁灭的只是肉身，信仰是永恒的。创作前后历时11年，本来只有4章。创作的过程当中，勃拉姆斯经历了母亲去世的巨大哀痛，又增加创作了两章，在第五章中加入了女高音独唱的片段，寄托了对母亲的无限哀思。1868年，这部合唱作品完成了，从此音乐史上又多了一部经典之作。勃拉姆斯也凭借这部作品登上了事业的巅峰。
勃拉姆斯把对母亲的深深情义转化为音乐创作的动力，创造了许多大量精致美妙和感人肺腑的作品。其中，《摇篮曲》则表达了这种母子之间的深厚情谊。维也纳有位著名的歌唱家，叫做法柏夫人。她曾经唱过一曲圆舞曲，歌声优美动听，勃拉姆斯为之深受感动，于是在这首圆舞曲的曲调的基础上，进行再创作，加入了切分音的变化，创作出了这首《摇篮曲》。在法柏夫人第二个儿子出世的时候，他将这首歌曲送给了她。《摇篮曲》的旋律恬静优美，情感真挚，如同一首抒情的诗歌。节奏的律动，像极了摇篮的晃动。后来这篇名作被改编为轻音乐，广为传唱。
比才：歌剧《卡门》的作者
国籍：法国
生卒年：1838-1875
全名：乔治·比才
职业：作曲家
代表作品：《卡门》、《阿莱城的姑娘》、《儿童游戏》、《C大调交响曲》、《采珍珠者》
生平简介：
比才是世界上演率最高的歌剧《卡门》的作曲家。1838年10月25日，比才出生于法国巴黎，父亲是一位专职教授声乐的老师，母亲是钢琴家。这样的家庭背景让比才自小就收到了音乐的熏陶，4岁的时候，比才就已能读懂乐谱。9岁的时候，比才考入了巴黎音乐学院，跟随一些著名的音乐家开始了系统的音乐专业学习。虽然年纪很小，但比才性格随和，温柔可亲，他的老师古诺性情古怪，但比才却甚得他的欢心。两人相处极为融洽，亦师亦友。
1857年，比才获得了罗马作曲大奖，得到一个宝贵的机会到罗马进修3年。在罗马期间，比才不断尝试着各种不同的作曲方法和音乐形式，积极准备着将来的歌剧创作，写下了大量的钢琴曲、交响序曲等。
回国之后，他便将在罗马所积累的知识应用到实践当中，进行着他的第一部歌剧创作。1863年，他的歌剧处女作《采珍珠者》创作完成，紧接着《帕斯丽珠》也新鲜出笼。但是，他的创作并没有一举成名，反响平平。但是比才没有灰心，继续摸索，在后来的《嘉米蕾》终于形成了自己独特的风格。不久，都德创作了一部话剧，叫做《阿莱城的姑娘》，邀请比才为之谱曲配乐。比才抓牢了这次，竭尽所能，创作的配乐大受好评。
1870年，普法战争爆发，热爱国家的比才在新婚后不久就加入了法国国民自卫军。在国与家之间，他选择了民族大义，但是对亲人依然念念不忘。在给妻子的家书中，他写道：“没能在你身边尽到一个做丈夫的义务，深感抱歉。”退役之后，便到塞纳河畔的布日瓦勒开始定居，那段日子简单而又清贫，时间就在平淡如水的日子里静静流淌。直到1875年，比才创作完成了改编梅里美同名小说的《卡门》。这部后来世界闻名的歌剧在巴黎歌剧院首演时，却惨遭失败。这部作品当中对赤裸情感的大胆表现，引起了许多人的强烈不满。在他们看来，这种离经叛道的作品，是一部“淫秽的作品”。
在朋友和亲人面前，比才总是露出他的笑脸，展现他的开心、快乐，但是音乐家的内心总是敏感的。比才也不例外，他将欢乐的气氛带给周围的人，将内心的忧郁与隐忧留给自己。在《卡门》饱受非议的那段时间，深夜的巴黎街道上总有个孤单徘徊的身影，那就是比才。一直以来，他的作品上演都是一路坎坷，总是得不到观众的认可。空有满腹才华，却不为人赏识。即使是这部呕心沥血的《卡门》，上座率也是越来越低。
比才不知道，他的《卡门》虽然在国内备受冷遇，但是在国外却受到了柴科夫斯基、德彪西等许多音乐家的赞扬。甚至有这样的预言：“10年之后，《卡门》将成为世界上最受欢迎的一部歌剧”。然而，比才未能等上10年，未能等到这一天。3个月后，长期饱受精神压抑的比才再也承受不住，心脏病促发在布日瓦勒去世了。去世的时候，比才只有37岁，还很年轻。
5年之后，《卡门》再度在巴黎上演，获得了极大轰动。越演越火的《卡门》，很快风靡整个欧洲，成为跨越国家与民族音乐界限的不朽之作。直到今天，《卡门》已经成为世界歌剧舞台上的压轴戏，成为上演率最高的歌剧。
主要成就：
比才的作品中有着浓厚的写实色彩和鲜明的民族特色。在他的作品里，主角往往是社会底层的不起眼的小人物。但是小人物的喜怒哀乐，生活当中的冲突矛盾，通过比才丰富的表现力展现出来，形成了强烈的戏剧效果。比才保留了法国音乐特有的华丽风格，大胆地采用了和声与对位，使法国歌剧摆脱了浮华浅薄的束缚，达到了19世纪法国歌剧的最高成就。
《阿莱城的姑娘》是比才应邀为都德的话剧所创作的配乐组曲。这部歌剧讲述了一位年轻人弗雷德里疯狂迷恋上了阿莱城的姑娘，但是因为听闻她的过去并不光彩，在家人的压力下只能放弃，而与另一位一直爱慕他的姑娘维尔特结婚。在婚礼当天，弗雷德里听到了一个消息：阿莱城的姑娘和一位情人私奔了。大受打击之下，他绝望地走向阁楼，纵身跳下……受条件限制，比才的乐队只有26人。但是比才丝毫没有畏惧，充分发挥自己的所长，展现了与众不同的清新风格。他模拟出了钟声、铃声，并灵活运用了各种民间乐器，加上哼唱的效果，成功描绘出了法国南部普罗旺斯的农村景象。用萨克斯的旋律表现白痴少年的天真无邪，用弦乐小柔板表现恋人间重逢的喜悦，生活刻画了人物形象和内心情感，烘托出悲剧性的故事氛围。
《卡门》是比才的巅峰之作，也是长期以来经久不衰的经典之作，其中的《哈巴涅拉》、《斗牛士之歌》、《卡门》序曲等都是为世人耳熟能详的佳作。
歌剧《卡门》塑造了一个个性鲜明、性格绝强、快自由的姑娘卡门。卡门本来是烟厂的一个女工，她爱上了龙骑兵班长唐·何塞。何塞为了卡门，舍弃了未婚妻米卡拉。而后，卡门与女工们起了冲突，双方大打出手，何塞徇私放走了卡门，结果因此入狱。出狱后的何塞被迫加入了卡门所在的走私贩中间。而卡门却移情别恋，爱上了斗牛士埃斯卡米罗。故事的结局是，卡门为埃斯卡米罗斗牛胜利欢呼时，被盛怒中的何塞杀死。
音乐语言鲜明，和声丰富巧妙，将主题发挥得淋漓尽致，表现了卡门泼辣热情，放荡不羁的性格。歌剧中出场人物较多，但是比才的音乐生动刻画出性格各异的人物形象。歌剧中，进行曲、咏叹调交替出现，音域范围广泛，并且在严谨的戏剧结构下各种曲式完美地融合为一体。乐曲进行得爽朗流畅，带有浓厚的西班牙风情。音响结构丰富，配器和伴奏采用了对位，在紧凑充满活力的节奏中，创造一个又一个的高潮。
歌剧的序曲是音乐会上经常独奏的曲目。序曲是A大调的回旋曲式，主题是斗牛士上场的音乐，并集中展现了全剧当中的主要的旋律，具有强烈而尖锐的对比效果，完整详尽地展现了歌剧的内容。第一幕中，咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》，表现了豪爽、自由奔放的感觉；第二幕中的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》，活跃洒脱，充满活力。吉普赛风格的音乐，具有跳跃性的疾走，表现了狂欢的情绪与气氛。第二幕与第三幕之间柔美的旋律，表现出恋人间的温馨情谊。第三幕中的《斗牛士之歌》，采用了进行曲形式，歌声雄壮有力，节奏坚强有劲，展现出斗牛士的英雄伟岸。
萨拉萨蒂：小提琴大师
国籍：西班牙
生卒年：1844-1908
全名：巴勃罗·德·萨拉萨蒂/帕布罗·德·萨拉萨蒂
职业：作曲家、小提琴家代表作品：《卡门幻想曲》《吉普赛之歌》、《西班牙舞曲》
生平简介：
1844年，萨拉萨蒂出生于西班牙的潘普洛纳。父亲是马德里军乐队的队长，萨拉萨蒂5岁时就开始跟随父亲学琴，8岁首次进行公开演奏，因此被视为神童。10岁的时候，“神童”的盛名传到了宫廷，伊莎贝拉皇后在听过他的演奏之后，不仅对这个天才刮目相看，连声赞叹，送给他一把名贵的意大利小提琴“斯特拉迪瓦里”。并资助他前去法国，到巴黎音乐学院进修。
在那里，萨拉萨蒂遇到了著名的小提琴家迪·阿拉尔，尽得其真传。聪明的萨拉萨蒂用了9个月时间就将所有的小提琴课程修完并取得了一等奖。此后又接连着获得视听课程的一等奖，再之后是和声的一等奖。这在巴黎音乐学院是前所未有的事情，萨拉萨蒂打破了记录！
1859年，凭借着在校的优异成绩，萨拉萨蒂顺利毕业，开始了他遍及瓦达州的旅行演奏生涯。所到之处，均获得了巨大的成功，受到人们盛况空前的热烈欢迎。萨拉萨蒂不仅仅演奏自己创作的曲目，还通过自己精湛的演奏将布鲁赫、圣桑斯等作曲家的音乐带给世界各地的人们。
他的演奏技巧纯熟，音色优雅，既有法国的典雅高贵之风，又有浓厚的西班牙民间音乐色彩，听起来如同悠扬的花腔女高音。因此被人称为“花腔表演艺术之王”。他演奏小提琴的时候，善于运用大幅度的颤指，炫技的表演使音乐更加富有感情，颇有帕格尼尼的风范，因此又被称为“本世纪末的帕格尼尼”。
很多人虽然有音乐方面的天赋，可是还要依靠天长日久的刻苦锻炼，才能形成高超的演奏技法。但是萨拉萨蒂似乎与众不同，有着与生俱来的演奏特长。他的手指并不修长，手掌也不宽大，但是他精湛的技法，和对音乐那种敏感，超越了小提琴指法与弓法的限制。俄国小提琴家奥尔这样评价他：“他的表演就像做游戏那样轻松，可是听起来却是那么的理想”。匈牙利的小提琴家弗莱什也说：“他拉起琴来灵活自如，根本不知道什么是紧张。”在羡慕和崇拜萨拉萨蒂的人看来，他的一双手，根本就是“上帝的手指”。
正是由于萨拉萨蒂这种令人拍案叫绝的非凡演奏技术，当时许多的大作曲家纷纷将自己创作的小提琴曲交给他演奏。通过他出色的表演和精湛的技术，广大听众们深刻地了解到这些曲子的内涵，体会到这些音乐的价值，可以说萨拉萨蒂为小提琴音乐的传播和推动立下了悍马功劳。
萨拉萨蒂一生未婚，他将一生的热情都奉献于所热爱的小提琴事业。他的遗产大约有300万法郎，全部捐给了巴黎和马德里的音乐院。据说，他是第一个将演奏灌录成唱片的小提琴家。灌录唱片时，他已年近60岁，但是技艺水平丝毫没有退步，保持了他一贯的轻盈活泼、细腻雅致的艺术风格。
主要成就：
萨拉萨蒂不仅是完美的演奏家，还是完美的作曲家，同时还特别擅长演奏自己的炫技性作品。他创作的小提琴作品有50余首，都很精致优雅。他一生中创作最著名的作品是《流浪者之歌》、《西班牙舞曲》4集、根据比才歌剧改编的《卡门主题幻想曲》、《引子与塔兰泰拉舞曲》等。奥尔对此给予了最肯定和真实的评价：“他那些独具一格、才气横溢而又真正适合公开演奏的乐曲，如此鲜明地表现出那种热情似火般的浪漫情调的《西班牙民歌》，无疑是小提琴曲目宝库中价值连城的珍宝。”这些作品既表现了高难度的技巧，又具有西班牙民族的浪漫情调，曾经风靡一时，至今也是小提琴演奏家经常在音乐会上演奏的曲目。
吉普赛民族在世界各地过着流浪表演的生活，清苦、居无定所、饱受歧视但是又乐观积极、能歌善舞。因此吉普赛音乐既有伤感、哀怨的曲调，又有热情奔放的情绪，萨拉萨蒂从小就对这种特色音乐非常感兴趣。在匈牙利演出的时候，他广泛地接触到吉普赛音乐，激发了创作欲望。于是，结合匈牙利当地舞曲风格，萨拉萨蒂创做了小提琴作品《流浪者之歌》。这首曲子又叫做《吉普赛之歌》，是小提琴独奏曲中不朽的传世名篇。乐曲中弥漫着回肠荡气的伤感色彩，充分运用了娴熟高超的小提琴技巧，将吉普赛人的生活像画面一样一幅幅展现在听众眼前，令人心驰神荡，陶醉其中。
全曲共分为4个部分，第一部分由强而有力的管弦乐乐队一起走出伤感的旋律，然后主奏小提琴加入，奏出同样忧郁的乐句，作为全曲的引子，营造出一种悲凉愤懑的气氛。第二部分由小提琴的轻柔旋律为主题，用自由的速度演奏，用变奏和反复作为技巧性的效果，在技法上运用了泛音和左手拨弦，旋律忧伤美丽，似乎是吉普赛人在回忆一生的悲凉。第三部分由民歌曲调改编而成，平静优美下蕴含着哀伤，表达出痛苦心酸的情绪。第四部分调子转为欢快，与之前形成强烈的对比，表现出吉普赛人的能歌善舞，欢乐快活的生活。旋律活泼快活，运用技巧性的拨奏，以蓬勃向上的情绪走向高潮，闪电般结束乐曲。
《卡门狂想曲》色彩绚丽、热情似火，也是古今中外最流行的小提琴曲之一。法国作曲家比才的著名歌剧《卡门》中，有几段具有西班牙民族风格的旋律最为世人所熟知。萨拉萨蒂便在这些作品的基础上创造了这首幻想曲，曲中依然保留了萨拉萨蒂饱满而艰难的演奏技巧。
全曲包括4个部分，各个部分之间都连贯有序。序奏的部分用钢琴弹奏出强烈的节奏，然后由小提琴演奏，使用了颤音、变弦等多种较高难度的演奏技巧。第一部分用钢琴奏出哈巴涅拉舞曲节奏人，然后小提琴进入，表现了“花腔女高音”的特点。第二部分还是先由钢琴开始，再以小提琴用较弱的力度演奏，表现了泛音的技巧。第三部分用钢琴轻柔地走出赛吉地亚舞曲，再由小提琴来重复，又充分展开了各种复杂的演奏技巧。第四部分发挥了小提琴的作用，用激昂狂热的吉普赛舞曲将音乐推向高潮，骤然结束。
埃尔加：英国的贝多芬
国籍：英国
生卒年：1857-1934
全名：爱德华·埃尔加
职业：作曲家、小提琴家
代表作品：《E小调大提琴协奏曲》、《第一交响曲》、《第二交响曲》、《爱的礼赞》、《谜语变奏曲》
生平简介：
埃尔加的父亲是伍斯特的音乐书商，同时也是一位管风琴师。埃尔加自幼便跟随父亲学弹奏钢琴和小提琴，之后更是凭着强大的毅力刻苦勤奋。虽然没有经过正规的音乐教育，但是自学了许多种乐器。曾经他立志要成为专业的提琴独奏家，还去跟伦敦的音乐家阿道夫·波利策上过几次课，但后来便放弃了这一想法。1873年起，他便在伍斯特合唱团乐队中任职，负责拉小提琴、弹钢琴和从事指挥。在1885年，继承了父亲在伍斯特堂管风琴师的职务。
他的妻子卡罗琳·艾丽丝·罗伯茨，不仅是他生活上的伴侣，更是他精神上的伴侣。妻子对他的创作影响很大，他的大部分成功之作几乎都是在婚后创作完成的。艾丽丝的父母早亡，但是家族中对她与埃尔加的婚姻强烈反对。在那个年代，音乐家的地位还是没有得到改善，被认为是一份没有前途的工作。作为埃尔加的学生和坚定的拥护者，艾丽丝不顾家族的反对，对埃尔加给予了莫大的肯定和支持。1888年的夏天，埃尔加要外出度假。临行前，艾丽丝做了首诗歌送给埃尔加。埃尔加也创作了短曲《爱的赞礼》作为回应。当他度假回来之后，便将这首温馨的小曲送给艾丽丝，向她求婚。这首短曲在1889年于伦敦水晶宫首演。
艾丽丝的父亲是英军驻印度的少将，在结婚之后，埃尔加的社会地位得到了提高，但是他依然有种格格不入的感觉。在遇到埃尔加之前，艾丽丝已经发表了诗集和小说，但是婚后她将注意力全部转向支持丈夫的事业。1899年，埃尔加的《谜语变奏曲》在伦敦首演，从此埃尔加便踏上了著名作曲家的行列。
埃尔加的音乐朴实自然，具有创新精神，为推动英国音乐的发展起了重要的作用，一生也一直在为提高英国的音乐水平而持续不断地努力。他的努力为他换来了很多荣誉。1904年曾封为爵士并获功绩勋章。此外，还获剑桥大学、牛津大学及美国耶鲁大学等知名大学的音乐博士学位。1924年获“英王音乐大师”称号，被聘为英国国王的御前音乐教师。1931年更被封为从男爵。
可是，对埃尔加来说，再多的勋章与荣誉有怎么能抵得上艾丽丝一人呢？1920年，一直陪伴在他身边，给他无限创作灵感的艾丽丝撒手人寰。艾丽丝去世之后，埃尔加的灵魂似乎也被掏空，几乎放弃了创作的激情。浮华背后，又有几人能够看到作曲家那深埋心底不为人所知的辛酸与痛楚？
虽然是位音乐家，但是埃尔加十分热衷于密码学。据说他创作的《谜语变奏曲》和另一位作曲家所作的著名歌曲互补，但没有人知道是哪一首。这就成了一个谜团。1897年，他给好朋友朋友多拉小姐留下一封信，信上编了一条含有87个符号的密码。多年以来，他的朋友一直没能读懂。40年后，多拉出版了自己的回忆录，在回忆录中将密码公开，直到今天，这个密码还是未能破解。
主要成就：
埃尔加的音乐思维非常宽广，善于从英国传统音乐当中汲取灵感，风格庄严而淳朴，充分体现了英国的民族风格。虽然40岁之后才得以成名，但是他为英国的音乐做出了巨大贡献。他一直在尝试着创新，在合唱作品中，突破了传统的形式，充分发挥了管弦乐队的重要作用。他的作品旋律优美，技巧精湛，配器高超，既有高雅的表达又有流行的风格。他是英国音乐复兴的代表作曲家之一，被称为“英国的贝多芬”。
1901年，埃尔加创作了热情而庄重的《威风堂堂进行曲》。这是一首非常适合在重要仪式上演奏的曲目，因此又被称作《第一号仪式进行曲》。后来还作为爱德华七世的加冕进行曲的旋律。直到现代，西方高校的毕业典礼上还一直以它为背景音乐，学生们在这支旋律的音乐声中领取文凭。音乐开始用一个短小的引子作为开始，然后便是威风凛凛的主题音乐华丽地展现，乐曲中还穿插了带有民谣风格的旋律，成为优美感人的中段。多年来，这部进行曲还一直是电视中不列颠皇室镜头的必不可少的配乐。可以说，这段旋律在英国的地位，几乎与国歌一样神圣。
埃尔加热爱英国的自然风光，在第一交响曲首乐章的引子中就可以体会到。平静、大气，让人不仅联想到苏格兰延绵的崇山峻岭。音乐气势恢宏，积蓄了饱满的力量，催人奋发，振奋人心。
埃尔加钟爱于管弦乐作品，他认为，即使有些音乐通过钢琴演奏起来不那么动听，通过管弦乐来演奏也会变得悦耳。埃尔加的管弦乐创作能让人得到全然不同的美妙感受。在音乐里包含丰富的质感，既有优美的旋律，又有高贵的气质、神奇的想象力。
埃尔加的《第二交响曲》就能够将人们引入一个感慨万千的世界当中。交响乐中很少有一开篇便是澎湃激动的主题，但是《第二交响曲》就这样独出心裁。在奏鸣曲的形势下，产生了巨大的能量和生机勃勃的效果。简短的主题中蕴含悠长的气息。大提琴的声音柔和温存，典雅柔美，中提琴和木管乐器，勾起了人们的怀旧情愫，隐隐潜藏着几分躁动不安。弦乐群将人们引入悲伤的情绪，庄严有力。音乐富有表情，令人无限感慨。中间插段的音乐节奏缓慢，情调悲伤，明暗变化的长旋律线，编织成节奏自由的对位。回旋曲短小生动，旋律熠熠生辉，在动力的乐章中选择了热情强烈的结尾，给人以巨大的感官冲击力。
《E小调大提琴协奏曲》是在艾里丝离世后，埃尔加所创作最后的一部大型作品。杰捷克的作曲家德沃夏克十分重视这部作品，认为这必将是最伟大的作品，他亲自演奏，并由埃尔加指挥。整部作品中，管弦乐队部分力量较少，由独奏部分持续音乐。第一主题采用叙事性乐章，第二主题由单簧管、大提琴交替对应，音乐建立在一个静谧的气氛上。这部协奏曲延续了埃尔加的大气，音乐激切热烈，但是又有浪漫唯美的忧伤气息。
音乐的构思极为开阔，似乎展示了创作者宏伟的心胸。第一场高超翩然而至的时候，如果暗夜中忽降了光明，在接下来寂寥的声音当中，有了戏剧般的转折。音符如音乐家的心那般敏感，忧伤，不安，深情。
马勒：最为高大的音乐形象之一
国籍：奥地利
生卒年：1860-1911
全名：古斯塔夫·马勒
职业：作曲家、指挥家
代表作品：《大地之歌》、《第八交响曲》、《悲叹之歌》、《旅行者之歌》、《青春之歌》
生平简介：
1860年7月7日，马勒出生于波西米亚的一个犹太家庭里。当时的捷克正遭受奥匈帝国的异族统治，马勒一家属于不太受欢迎的德语小群体。而犹太人，又处于当时各民族的最底层，更加不受欢迎。这样的出身，让马勒从小就受到社会的排挤，也造成了后来的马勒极端缺乏归属感。
马勒的父亲出身卑微，多年的努力之后，略有起色，成为一个小商人。马勒的母亲是肥皂商的女儿。他们共生下14个孩子，但由于家境贫寒，大部分孩子都早逝了。马勒的哥哥出生之后不久也死掉了，于是排行第二的马勒其实上就是家里最大的孩子。后来举家搬到伊赫拉瓦。伊赫拉瓦是个热闹的商镇，在那里，马勒自幼就接触到了街头的歌谣等民间音乐元素。
4岁的时候，马勒发现了祖父母留下的钢琴，立刻就展开了学习。他的弹奏技术进步很快，6岁参加了钢琴比赛，8岁就教别的孩子弹钢琴，是当地的音乐“神童”。马勒热爱音乐，但却被学校批评为经常走神、学习不专心，功课成绩不佳。为了提高他的学习成绩，家里人将他送到布拉格的一所学校，但是马勒在那里生活得并不快乐，于是不久之后又回到了伊赫拉瓦。
15岁时，马勒进入到维也纳音乐学院开始接受正规的音乐教育，系统地学习了钢琴、和声、作曲等知识。他还获得了去指挥学生乐队的资格。在学校里，马勒也认真尝试了作曲，但是，却没有获得成功，因此他将注意力转向了指挥。
1877年，为了增长见识，开阔视野，马勒考入维也纳大学学习历史、哲学和音乐史。这段时间里，马勒广泛地学习了贝多芬、门德尔松等著名音乐家的作品，并认真地学习了同时代的作曲家理查·斯特劳斯的音乐作品。
1880年，马勒正式开始了他专职指挥家的生涯。先是在巴德哈尔市的夏季剧院谋得了第一份指挥的职务。之后又在奥尔密茨、卡赛尔等地的剧院担任短期的指挥。这段期间，他没有相对稳定的收入，但是经过长时间经验的累积，已经形成了自己独特的热情而又准确的指挥风格。对于音乐他有自己的理解和看法，不为传统所束缚，不落俗套。
1891年，汉堡市歌剧院聘任马勒为首席指挥，这次是他首次获得长期任聘。这段时光是马勒一生中最为快乐的时期。除了继续担任歌剧指挥外，大部分业余时间都用于作曲。这一时期，他创作完成了第二、第三交响曲。他的指挥天才得到了勃拉姆斯的认可。
1897年，经勃拉姆斯的大力推荐，维也纳皇家歌剧院聘请马勒担任音乐总指挥。1902年，马勒和玛利亚·沈德勒结婚，婚后生了两个女儿，一家人倒也其乐融融。但是好景不长，1907年，马勒特别疼爱的长女在迈尔尼希乡村别墅夭折。马勒遭受到了人生当中的重大打击。随之不久，马勒被诊断出有心脏病。其实早在1906年的一次指挥时，马勒就已感到心脏衰弱。
经过医生确诊，证实马勒的心脏是遗传性缺陷，可以补救，但是要非常小心，不能骑车、游泳或者进行其他剧烈的活动。于是马勒辞去了维也纳宫廷歌剧院的职务，心中也蒙上了阴影。马勒常常在走路的时候停顿下来，发现自己的心跳有问题。常常要妻子听他的心，看心跳是否清楚，是否心跳过快等等。那一年的夏天，成为马勒“最沮丧的夏天”。
为了避免触景生情，马勒卖掉了长女曾经生活过的迈尔尼希乡村别墅，1908年在托布拉赫买了一幢农舍，简陋，但群山环绕，环境相当幽美。1908年，马勒旅居美国，在纽约进行指挥演出，获得了巨大的成功。每年夏天，他还是回到奥地利乡间农舍进行音乐创作，以旺盛的工作热情，孜孜不倦地努力着。
马勒生活的年代，是一个充满了阶级矛盾和民族矛盾的年代。奥匈帝国受到德意志的侵略，波西米亚人又受到了奥地利人的歧视，而身处于少数德语群族中的犹太人，更受到多方面的歧视。马勒说：“我是三重的无家。在奥地利作为一个波希米亚人，在日耳曼人中作为一个奥地利人，在世界上作为一个犹太人，到处我都是闯入者，永远不受欢迎。”现实中的马勒情感无所寄托，只能加入罗马天主教，在宗教中寻求寄托。尤其是中年以后，因为身体的缘故，他时时担忧着心脏病突发，恐惧着忽然而至的死亡。
1911年2月21日，马勒在纽约指挥了人生最后一场音乐会。随后心绞痛发作，他被送往巴黎治疗，但病情太过严重，医治无效。热恋故乡的马勒渴望落叶归根，回到维也纳。他达成了最后一个心愿，回到维也纳之后不久，便在1911年5月8日离开了人世。
主要成就：
马勒将贝多芬首创的声乐交响曲形式进一步发展，是贝多芬之后在交响作品中使用人声的作曲家。《第八交响曲》和交响声乐套曲《大地之歌》就是这种形式的高峰代表作。除了交响曲和声乐套曲之外，马勒的艺术歌曲尤为出色。他的歌曲音乐语言丰富，配器精美，采用了管弦乐队伴奏，颇有交响风格。
1908年，马勒在奥地利杜布拉赫的村庄度假期间，看到终年积雪的阿尔卑斯山，不禁感慨万千，因此写成了一部以中国唐诗为歌词的大型作品《大地之歌》。尘世生活所引起的紧张、烦恼的倾诉，以至于借用中国的唐诗来寄托凄凉落魂的情感，这些在他的作品《大地之歌》中都得到了淋漓尽致的体现。
一直以来，马勒对音乐和诗歌有特殊的爱好和理解。他认为，在艺术的领域里，音乐是触及人类心灵的，应该排在第一位。而接下来就应该诗歌排在第二位。在经历了痛失爱女，身染重疾，事业屡遭挫折之后，他也愤世嫉俗、产生了悲观情绪，但是依然热爱自然，热爱生命。马勒在德译唐诗中找到了表达这种复杂思想的情绪，并将他们转化成了音乐形式，将这种凄凉的情感借助于《大地之歌》表现出来。《大地之歌》共六个乐章，一、三、五乐章由男高音独唱，高亢激昂，展现了人生快意；二、四、六乐章由女低音或男中音独唱，娓娓道出人生哀愁。歌词采用中国唐朝诗人李白、孟浩然、王维等人的七首诗。作品淋漓尽致地表现了人生及时行乐与人生苦短的矛盾。
马勒的交响乐作品向来以庞大的乐团编制而著称，使他的交响曲具有更多表现自己情感的空间。他的交响曲中加入了对人生的思考，表现了音乐当中的哲思。其中《第八交响曲》是规模最大的一部作品，交响乐队规模庞大，还包括场外乐队和合唱队，因此这部作品又被称为“千人交响曲”。这部交响曲几乎是对马勒以前几部交响曲的总结，它包括两大部分，总体上渲染了宇宙般宏伟的气魄，对真、善、美和人间的欢乐进行了人情的讴歌。
在交响曲中，马勒充分发挥每件乐器的独特性能，形成了绚丽的配器效果，瞬息万变、色彩纷呈。马勒还根据音乐内容的需要，扩展乐曲的结构，展现了乐曲丰富的内涵，在形式上具有构思宏伟的特点，只有规模庞大的巨型交响乐队才能演奏。在音乐风格上，他的交响曲中又有一些搅拌尖锐刺耳的音色，不成调性的曲调，不协和的音程等怪诞的形象，反映了他在现实中的痛苦心态，也体现了19世纪末的一种音乐风格。
戴留斯：业余爱好成就的音乐家
国籍：英国
生卒年：1862-1934
全名：弗里德里克·戴留斯
职业：作曲家
代表作品：《生之弥撒》、《春日闻杜鹃初啼》、《骊歌》、《夏日之歌》、《海漂》、《生之弥撒》、《佛罗里达组曲》、《告别之歌》
生平简介：
1862年1月29日，戴留斯出生在英国的纺织业重镇——布雷福德，父亲是一位旅居英国的德国羊毛经营商，曾经出资筹建了音乐会，还和小提琴家约阿希姆是旧识，十分喜爱音乐。但是他还是希望儿子能够成为一名商人。戴留斯幼年受过一些钢琴和小提琴方面的教育，也表现出了相当出众的音乐天才。后来，戴留斯到艾塞沃斯商学院学习，在那期间一直坚持学习小提琴，并到一些音乐会的场合进行演出。
1881年，戴留斯遵从父亲，到父亲的公司上班，担任记账员和销售员等职务。戴留斯在经商方面没有展现出过多的才能，为了让他得到更加全面的商业锻炼，父亲就派戴留斯到德国萨克森一家呢绒经销商那里当学徒。对商业并不热心的戴留斯并没有过多地关注商铺里的事情，反倒将时间和精力用在了听歌剧和交响音乐会上。戴留斯享受着德国更加浓厚的音乐氛围，欣赏到很多高水平的演出，偶尔有次，他听到了《纽伦堡名歌手》。之后，便下定决心要走音乐这条路。
但是回到英国之后的戴留斯，还得面对现实，依旧呆在父亲的公司里学做一个商人，在写字楼里，戴留斯如坐针毡。终于有一天，戴留斯在报纸上看到了佛罗里达州的情况。于是他恳求父亲让他去佛罗里达种树。面对儿子的恳请，父亲犹豫再三，他看出儿子的志向不是要做一个商人，而是要从事音乐。于是他在佛罗里达买下了一片种植园，让戴留斯在美国可以安生。
父亲所买的种植园位于偏僻的索拉诺，那里靠近圣约翰斯河，得到充足水源的滋润，戴留斯被那里未经破坏和掠夺的原始美所征服。于是他在这里过起了自由自在的日子，看黑奴们唱歌，跳舞，闲暇时候还可以去河里捕鳄鱼，日子轻松自在，便萌生了创作的念头。他想要开始作曲，但是作曲需要钢琴，偏僻的索拉诺竟然找不到一架钢琴。于是，戴留斯便到周围比较大的城市当中去寻找。在寻找钢琴的过程中，戴留斯结识了一个来自纽约的管风琴手，他叫做托马斯·沃德。两人一见如故，沃德便教授戴留斯学习和声和对位，成为戴留斯的良师益友。
半年之后，戴留斯认识到，如果想要成为一个真正的音乐家，就不能一直呆在索拉诺这种偏僻的地方过着轻松自在而与世隔绝的日子，而要走出去，积极开展自己所热爱的事业。于是，戴留斯在1885年离开了索拉诺，逐步在弗吉尼亚的丹威尔的一间女子学校中获得了一份教授音乐的工作。戴留斯待人和蔼可亲，彬彬有礼，学校里无论老师和同学都非常喜欢这个英国小伙子。他会用钢琴弹奏一些自己创造的小曲给大家听，他的小提琴技术更是在小城里引起了轰动。
就这样，戴留斯很快成了小城的音乐名人。很多人都慕名将自己的女儿送到这所学校，交到戴留斯手底学习。其实戴留斯并不满足于当一个音乐老师，他有更加伟大的抱负。沃德在教授他的时候说过，他应该去莱比锡音乐学院接受正规的音乐教育。现在戴留斯赚到了足够的钱，有这个能力实现梦想了。
1886年夏，戴留斯回到欧洲，顺利考入莱比锡音乐学院。学校里教授的音乐理论枯燥乏味，戴留斯就利用暑假的时间去旅行。在莱比锡音乐学院，戴留斯结识了格里格。格里格听到了戴留斯创作的管弦乐作品《佛罗里达组曲》之后，对其大加赞赏。戴留斯将在种植园的时候听到的黑人音乐舞蹈节奏加入了这首管弦乐曲中，使作品更具特色。在格里格的影响下，戴留斯的父亲终于同意儿子从事音乐事业，并给了他经济上的资助。此时，戴留斯更加坚定了自己要成为优秀作曲家的想法。
不久之后，戴留斯来到了法国巴黎，巴黎是当时欧洲的音乐中心之一。在那里，他认识了许多艺术家，接触到了印象乐派的音乐，这对他之后的创作产生了很大的影响。
1897年，戴留斯与杰尔卡·罗森结婚，罗森带来了一笔丰厚的嫁妆。这让戴留斯更加没有后顾之忧，能够安心创作。由夫人出资，戴留斯在一个靠近枫丹白露的偏僻小村购买了住宅，婚后两人就在这里定居，过起了与世无争轻松悠闲的日子。
1899年5月30日，戴留斯的作品首次在伦敦进行演出。演出之后，只有一位评论家对他的作品大加赞赏，甚至评价戴留斯为“大不列颠的杰出儿子！”而事实是，舆论的广泛导向说这部作品“矫揉造作”、“粗糙”等等。初次尝试便遭遇到失败，戴留斯遭受了莫大的打击。心灰意冷的他选择将自己再次与世隔绝起来，他拒绝和任何人进行交流，甚至要等到晚上天黑之后才肯出家门散步。直到他逐渐成名之后，这样冷漠的态度还是没有改变，戴留斯依然少言寡语，依然足不出户。
唯一没有改变的是，戴留斯对音乐创作的那份热忱，醉心于各种音乐体裁的写作：歌剧、合唱、管弦乐曲……各种各样美妙的旋律都在他的笔下源源不断地流淌。深刻展现爱与激情主题的歌剧《乡村罗密欧与朱丽叶》，气势恢宏壮观的《阿巴拉契亚》，颇具民歌风格的狂想曲《布里格集市》……在艰难的日子里，戴留斯就依靠着这些美妙的旋律和音符在寻求情感上的慰藉。
一战期间，为了躲避战火，戴留斯夫妇来到了英国，在英国期间，戴留斯的健康状况严重恶化。回到法国之后，他的身体依然不见好转。之后便慢慢瘫痪，然后失明。双目失明的戴留斯，终日里只能躺着或者坐着，无法行动。相信一般的人都无法承受这样的折磨，但是戴留斯却平静地接受了这一切。他喜欢坐在午后的阳光里，听妻子读书读报的声音，听留声机里传出自己创作的音乐。在一位青年音乐家恩里科·芬拜的帮助下，戴留斯甚至坚持口述完成音乐创作，就这样他完成了《骊歌》、《夏日之歌》等作品。
1929年10月，戴留斯受邀来到伦敦，参加了一个他的作品音乐会。在音乐会上他收到了潮水般的掌声。之后，大量的荣誉接踵而至，荣誉侍从勋位、荣誉市民称号，甚至是牛津大学的名誉学位等等。然而，戴留斯的生命之旅也即将走到了尽头。在1934年6月10日，戴留斯去世了，没有任何宗教仪式。1年之后，遵照戴留斯的遗愿，他的遗体被运回英国南部小镇利普菲尔德。被安置在一座小教堂的墓地里，戴留斯的墓旁种满了月桂。
主要成就：
戴留斯是一位用曲调作画的艺术家，他的作品中散发着挽歌般的高贵。他的音乐中总有一种天马行空的灵光，富有诗情画意。
戴留斯有几部著名的合唱作品，其中《海漂》与《生之弥撒》是当之无愧的代表作品。《海漂》的歌词来自于美国诗人惠特曼的诗歌，通过男中音独唱、合唱和管弦乐的伴奏，将一幅生动的海景图展现给听众，在抒情之余，更多一份力量。《生之弥撒》是以尼采的《查拉图斯特拉如是说》为题创作而成，戴留斯热爱诗歌，他敬仰着尼采，相信着尼采所说的超人的存在。在病痛折磨之中，戴留斯通过创作来忘却苦难。他说：“创造快乐才是人间唯一真正的欢乐。”
戴留斯有几首脍炙人口的管弦乐曲，如《夏日花园》、《春日闻杜鹃初啼》和《河上夏夜》等。《夏日花园》当中所描绘的，其实就是戴留斯住宅中的花园。他曾经还给这首音乐一个副标题“幻想曲”。戴留斯曾经向一个朋友感叹自己的作品在英国不受重视，那个朋友便让他写点小型的管弦乐曲。戴留斯立刻创作了《春日闻杜鹃初啼》与《河上夏夜》。《春日闻杜鹃初啼》描摹了春天来临万物复苏的景象，更表达出大自然的那种清新。弦乐反复吟咏，使乐章越发带有几分神秘，几声清脆的长笛之后，整个乐队之中的和声似乎有丝丝乡愁。
在《河上夏夜》中，戴留斯用朦胧的和声当做绘画的笔触，表现夏夜河上雾霭弥漫的情境。微风拂过，水面荡起层层涟漪。在结尾处，乐声越来越安静，像消失在了彼岸，像流淌进了天边的夜色之中。
理查·斯特劳斯：浪漫主义的音诗巨匠
国籍：德国
生卒年：1864-1949
全名：理查·斯特劳斯
职业：作曲家、指挥家
代表作品：《查拉图斯特如是说》、《唐吉珂德》、《死与净化》、《英雄的生涯》、《莎乐美》、《艾莱克特拉》、《玫瑰骑士》、《唐·磺》、《贡特朗》、《火荒》、《无影夫人》、《阿尔卑斯交响乐》、《间奏曲》、《埃及的海伦娜》、《沉默的妇人》
生平简介：
斯特劳斯的父亲是慕尼黑宫廷乐队首席圆号手，在这样的家庭环境下，斯特劳斯从小便对音乐萌生了强烈的兴趣。4岁的时候，就跟随父亲的朋友学习钢琴，6岁便可以作曲，8岁又跟表兄学小提琴，11岁起，向宫廷乐队的助理指挥梅耶尔学习作曲。
由于出生于音乐世家，斯特劳斯便有着得天独厚的学习音乐的条件。但是理查·斯特劳斯的父亲却是一个十分保守的人，他崇拜的就是莫扎特、贝多芬等古典大师，对瓦格纳等人的创作可以说是深恶痛绝，甚至连听也不让小孩子听。所以说，小理查在家里受到的音乐教育也十分受限。
1874年，小学毕业的斯特劳斯来到城里的路德维奇中学读书。离开了家，少了许多束缚，他的音乐视野更加开阔了。在学校里，他听到了瓦格纳的作品，观看了《汤豪森》等著名的作品，深深受到震撼。那一时期，斯特劳斯的音乐风格正在逐步成型，他创作了大量音乐作品，其中最重要的有交响诗和歌剧题材。
1882年冬，理查·斯特劳斯考入慕尼黑大学学习哲学、美学和艺术史等课程，但遗憾的是，他始终没有机会进入音乐学院学习最喜欢的音乐。1883年，他离开大学，潜心从事音乐创作。作品在维也纳等地演出，赢得了公众的普遍欢迎。
1884年，理查·斯特劳斯来到了柏林，在那里，他遇到了著名指挥家汉斯·冯·彪洛。德高望重的彪洛十分看好他，邀请他为美因根宫廷乐队写了降B 大调组曲，并亲自指挥首演。第二年，理查·斯特劳斯被任命为美因根宫廷乐队的副指挥，跟随彪洛学习。但是勃拉姆斯在听到他的指挥之后，却反映平淡。在彪洛辞职之后，理查·斯特劳斯本来有机会接任他的职位，成为乐队的队长。但是由于理查·斯特劳斯不满乐队人数要被消减这一决定，于是毅然决定离开。
然后，他去慕尼黑歌剧院担任了第三指挥。后来又成为柏林皇家歌剧院的首席指挥，在指挥领域的地位和知名度节节上升。在慕尼黑期间，他开始创作音诗作品《麦克白斯》、《唐·璜》等作品。这些作品在1889年以后获得了演出，取得了巨大的成功。理查·斯特劳斯甚至因此被认为是瓦格纳之后的德国最伟大的音乐家。
理查·斯特劳斯的意中人是歌手保琳娜·德·安娜。两人密切合作了几部著名歌剧，逐渐熟悉起来。在1894年，理查·斯特劳斯送给安娜4首艺术歌曲作为结婚礼物，两人走进了婚姻的殿堂。
1900年后，斯特劳斯正式将创作中心转向了歌剧。他的第一部歌剧《贡特拉姆》并没有取得成功。1901年，他又完成了根据中世纪传奇创作的歌剧《火荒》。这部作品在德累斯顿首演，大获成功。在胜利的鼓舞之下，斯特拉斯的创作劲头更大了。
1903年，他又完成了歌剧《莎乐美》，这部作品在1905年底于德累斯顿首演。但是演出之后，引起了巨大的争议。这部歌剧的风格与以往有了极大的不同，歌剧中对变态情欲的描写尺度太宽，甚至连德国皇帝也认为这是一部病态的作品。在各国演出的时候，都受到了审查机关的非难。但通过这部作品，斯特劳斯的音乐走向了国际。
1908年，斯特劳斯与奥地利诗人、戏剧家雨果·冯·霍夫曼史塔尔合作。创作了歌剧《艾莱克特拉》，引起了和《莎乐美》一样的轰动效果。1910年，两人又合作完成了一部喜歌剧《玫瑰骑士》。这次的作品回归传统，因而在德累斯顿公演的时候，受到的是歌剧界的普遍赞赏。但到1923年，两人第3次合作的《埃及的海伦娜》遭遇到了失败，有人认为斯特劳斯到了江郎才尽的地步。
理查·斯特劳斯一向不问世事，全心投入到音乐创作当中。但是，政治却找上了他。一战爆发之后，以希特勒为首的国家社会党当政。著名指挥家托斯卡尼尼十分反感纳粹党人迫害犹太人的行径，坚决拒绝参加拜罗特音乐节的演出。而理查·斯特劳斯则代替托斯卡尼尼指挥了这场有纳粹党要人参加的演出。理查·斯特劳斯在当时的音乐界很有声誉，纳粹党认为他在舆论宣传方面，非常有利用的价值，便将他的这个举动大肆渲染了一番，将他塑造成为纳粹服务的音乐人。在理查·斯特劳斯还未反映过来的时候，就被任命为国家音乐局局长。而这一切理查·斯特劳斯却毫不知情，他就这样稀里糊涂地被抹上了不光彩的一页。
但是，理查·斯特劳斯根本不懂得政治。在纳粹大肆迫害犹太人的时候，他居然没有发现和他合作歌剧的作者茨威格是犹太人。本来茨威格已经去到国外避难，节目单和海报上的名字也已经被撤下，可是理查却坚持将茨威格的名字写上。于是，这一下捅了马蜂窝。这部歌剧马上被禁演，并要理查·斯特劳斯立即辞去国家音乐局局长一职。在形势面前，理查·斯特劳斯低头了，他给希特勒写了一封服软的信，最终保住了职位。但是此后的日子，斯特劳斯便在自相矛盾、委曲求全中度过。
他的作品被纳粹分子利用，作为宣传品。也因此在二战结束后，斯特劳斯被流放到瑞士。直到1948年，才被允许返回德国。但是回国后第2年，85岁的他便去世了。
主要成就：
理查·斯特劳斯的音诗，创造了一个新的艺术奇境。他将用来描述故事内容和人物形象的音乐推向了极致，将形象描述得更加具象化。他用精巧的技法发展了对位，又能以各种不同特色的乐器，形象生动地模拟生活与自然当中的各种声音。同前人的创作相比，他的交响诗似乎更有质感。
斯特劳斯受尼采哲学影响很大，音乐中渗透了悲观主义，也充满着对世人的蔑视与嘲讽，在1896年，他为尼采的《查拉斯图拉如是说》写了一部交响诗，将哲学的思想音乐化。既有细腻触动内心的感情，又有浩淼壮阔的一望无垠。1968年，美国影片《2001年太空漫游》的配乐就是这部交响诗的“序曲”片段。
在歌剧创作上，理查·斯特劳斯一方面追求瓦格纳的日耳曼式的华丽风格，另一方面又为莫扎特的高雅精致所动。他的歌剧体现着瓦格纳与莫扎特的完美结合。
他的《莎乐美》是一部惊世骇俗的作品，讲述了一个恐怖怪诞的故事。犹太公主莎乐美引诱圣徒约翰未果，便转向诱惑继父赫罗德国王，让国王杀了约翰。但是在约翰死后，莎乐美居然又抱起约翰的头颅狂吻，最终国王下令杀死了莎乐美。为了这种怪诞的故事情节，表现剧中人物的变态性格，理查·斯特劳斯使用了尖锐恐怖的音乐，用了具有刺激性的和弦，和声杂乱无章。这一切和当时人们的音乐审美极端不符，因而遭到了极大的攻击。
歌剧《艾莱克特拉》是一部篇幅很长的独幕剧，讲述了艾莱克特拉为报父仇的故事。艾莱克特拉住进牛棚，被人当做怪物，最后终于手刃仇人，但是大仇得报之后居然狂喜而死。歌剧的主题就是艾莱克特拉深切的仇恨。为了配合这种情绪，音乐也塑造出恐怖怪异的感官刺激，刻画出人物的复杂性格。
歌剧《玫瑰骑士》的音乐风格则比较传统，趋于浪漫主义。曲调带有德国南部民歌和舞曲旋律的特色，剧中采用了悦耳动听的咏叹调和重唱，富有情趣和幽默感，易于得到人们的欣赏。
《阿尔卑斯交响曲》是理查·斯特劳斯所创作的一幅壮美的音画，他通过华丽的音色和浩大壮阔的场面来引起内心的回味与感慨，达到与听众心灵上的共鸣。在这里，既有对大自然由衷而产生的崇敬之情，又能体会到作曲家对人生的体悟。虽然被称为交响曲，但这部作品却可以作为交响诗甚至是交响诗组曲。整部作品由22个乐段组成，各个乐段都有各自相对应的标题。通过时间和场景的转移变换，将登山的旅行像电影画面一样做了详尽而写实的描述，旅途中登山下山的经过，拂晓黄昏的昼夜变化，风雨雷电以及各种遇险的经历，惟妙惟肖，都给人极其强烈的画面感，因此这首作品被人称为“电影配乐”。
理查·斯特劳斯在歌剧中展现的刺耳怪异的音乐风格和创作技法，已经初步靠近于20世纪的“新音乐”，对后世的音乐发展有深远的影响。
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